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Catalogo 18 BAFICI

Published on December 2016 | Categories: Documents | Downloads: 54 | Comments: 0
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El 18° Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente (BAFICI) se realizará del 13 al 24 de abril con dirección artística de Javier Porta Fouz y una programación que trae el cine del mundo a la Ciudad, con más de 400 films de todos los continentes

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Content

EL [18] BUENOS AIRES
FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE
AGRADECE EL APOYO DE LAS SIGUIENTES INSTITUCIONES

2

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

AGRADECIMIENTOS / thanks to
Adam Batty
Adriano Bruzzese
Agustín Arévalo
Agustina Arbetman
Agustina Chiarino
Agustina Romero
Akemi Makado (Mirage 3D)
Alain Maudet
Alberto Barbera
Aldo Montaño
Alejandro Capato
Alejandro Dramis
Alessio Rigo de Righi
Alex Escaleira
Alicia Sanguinetti
Amanda Reis
Ana Poliak
Andréa Dos Santos
Andrés Levinson
Andrés Nazarala
Andrés Tambornino
Angela Savoldi
Anna Lewis
Annamaria Lodato
Argentina Sono Films
Ariana Blanco
Aurélie Godet
Aurore Auguste
Beatriz Martínez
Beatriz Ventura
Belén Caparrós
Benjamín Domenech
Bita Rasoulian
Bruni Burres
Camila Toker
Carlo Chatiran
Carlos Sorín
Carlota Moseguí
CDI Films
Cecilia Barrionuevo
Cecilia Bianchini
Cecilia Chiappano
Cecilia Martínez
Celeste Castillo
Celina Murga
Celina Pla
Christian Hippacher
Christine Tröstrum
Cinemateca INCAA
Constanza Arena
Cristian Bernard
Cristina Moncayo Florales
Daniel Alaniz
Daniel Chabannes
Danish Film Institute
David Bisbano
David Duponchel
David Rooney
David Schwartz
Dennis Lim
Desiree De Fez

Diego Batlle
Diego Brodersen
Diego de la Vega
Diego Lerer
Diego Trerotola
Dolores Meijomín
Ebrahim Golestan
Eduardo Benítez
Eduardo Crespo
Eduardo Machuca
Eduardo Novelli Valente
Elena Duque
Elías Mekler
Emiliano Andrés Cappiello
ENERC
Esteban Echevarría
Felipe Silvestre
Fernando E. Juan Lima
Fernando Martín Peña
Fernando Paduzack
Festival Ambulante
FICUNAM
Flavio Nardini
Florian Weghorn
Floriano Buono-Palamaro
Gabriel Medina
Gabriel Rocca
Gabriel Saie
Gabriela Ribeiro
Gabriella Baldini
Gastón Olmos
Gastón Solnicki
Georgina Tosi
Géraldine Nouguès
Gerwin Tamsma
Giulia D’Agnolo Vallan
Graciela Borges
Graciela Silva
Guido Segal
Guillermo Alonso
Gwen Deglise
Gyula Kosice
Hans Hurch
Héctor Milosi
Hernán Panessi
Hernán Schell
Horace Lannes
Ilse Hughan
Irene Javiesky
Iván Fund
Jaime Pena
Jason Fletcher
Javier Sisti Ripoll
Jean-Pierre Rehm
Jerome Paillard
Joan Pons
Jordan Hoffman
Jorge Moragues
José Martínez Suárez
Josefina García Pullés
Juan Duarte

Juan José Becerra
Juan Lovece
Juan Pablo Álvarez
Juan Pablo Bava
Juan Pablo Galli
Juan Vera
Juan Villegas
Judith Prescott
Juliana González
Julie Bergeron
Justin Chang
Karen Langford
Kent Jones
Kim Hendrickson
Laura Kuhn
Leandro Listorti
Leda Films
Leonardo D’Espósito
Leticia Jorge
Lisa Kermabon
Lita Stantic
Lourdes Lima
Lucas Garófalo
Luciana Calcagno
Luciano Monteagudo
Maia Debowicz
Manuel Antín
Manuel Ferrari
Marcela Cassinelli
Marcela Gamberini
Marcela Santiso
Marcelo Alderete
Marcelo Panozzo
Marcos Merino
María Marta Antín
Marian Fernández (Festival
Punto de Vista)
Mariana Mutri
Mariano Kairuz
Mariano Valerio
Marília Cristina de Meneses
Marina Locatelli
Marina Yuszczuk
Mario Santos
Mark Weber (Adler
Planetarium)
Martín Bielinsky
Martin Pawley
Martín Rejtman
Martín Rodriguez
Martina Pagnotta
Mary Vieites
Massimo Saidel
Matías Capelli
Max Pérez Fallik
Miguel Valverde
Milagros Amondaray
Mora Sánchez Viamonte
Morena Fernandes
Nacho Viale
Nadia Dresti

Natalia Toloza
Nazareno Brega
Ngaio Harding-Hill
Nicolás Repetto
Octavio Nadal
Olimpia Pont-Chafer
Pablo Conde
Pablo Marín
Pablo Medina
Paolo Moretti
Patagonik
Patricia Barbieri
Pauline Frachon
Pedro Mairal
Peter Popp
Quintín
Rasmus Brendstrup
Rémi Burah
Robert Koehler
Robert Lloyd
Robert Sawallisch
(Planetarium Jena)
Rodrigo Aráoz
Rodrigo Areias
Rodrigo Bedoya
Rodrigo Moreno
Rodrigo Moscoso
Roger Koza
Rosa Vita Pelegrin
Rosana Berlingeri
Rufus de Rham
Santiago Calori
Santiago García
Santiago Giralt
Santiago Loza
Santiago Mitre
Santiago Motorizado
Santiago Palavecino
Sarah Kurchak
Sebastián De Caro
Sena Latif
Sergi Steegman
Sergio Bulach
Silvina Stemberger
Tamae Garateguy
Tom Vincent
Ulises Rosell
Valeria de la Cruz
Valeria Pedelhez
Valeria Zamparolo
Vania Catani
Venice International Film
Festival
Verónica Chen
Will Massa
William Pfeiffer
Xavier Baert

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

3

Para esta edición de Bafici buscamos unir lo
tradicional del Festival con nuevas propuestas para que todos conozcamos el cine de
nuestro país y del mundo. Propuestas relacionadas con duplicar las proyecciones gratuitas, aprovechando cada vez más los lugares que nos ofrecen los barrios de la Ciudad
para verlas. Queremos que todos los ciudadanos sean espectadores de cine, por eso
los estudiantes y adultos mayores tendrán
más beneficios para acceder a las entradas,
y esperamos que sirva como incentivo para
llenar las salas. También, a través de Facebook y Twitter, los vecinos podrán elegir qué
películas les gustaría volver a disfrutar.
Como venimos haciéndolo hace años en la
Ciudad, durante más de diez días las calles
se visten de fiesta con el objetivo de traer el
cine del mundo a la Ciudad de Buenos Aires.
Todos los vecinos estamos ansiosos por ir a
las salas a vivir la experiencia de ver una película diferente, de conocer un director nuevo
o, por qué no, de recordar aquel clásico que
no nos cansamos de ver.
Recibiremos a invitados de todos lados para
que nos compartan su trabajo y sus experiencias en el séptimo arte. También nuestros
cineastas tendrán la maravillosa oportunidad
de mostrar su obra a todos los continentes.
Estoy convencido del poder de la Cultura
para unir a las nuevas generaciones que crecieron con este Festival junto a los que venimos disfrutándolo desde hace más años.
Estamos orgullosos de poder darle la bienvenida a uno de los festivales de cine más
importantes de Latinoamérica.

For this edition of Bafici, our goal is to link
the Festival’s tradition with new ideas, so
we can all get to know local and foreign
cinema. Ideas about doubling the amount
of free screenings, using the places the city
neighborhoods offer. We want every citizen
to be a filmgoer, therefore students and senior citizens will have more benefits when
purchasing tickets, and we hope that will
serve as an incentive to pack the theaters.
Also, through Facebook and Twitter, neighbors will be able to choose what films they
want to see again.
Just like we have been doing in the City for
years, the streets will dress up for more than
ten days to bring the world cinema to the
City of Buenos Aires. We, the neighbors, are
all excited to go to the theaters for the experience of seeing a different film, getting to
know a new director, or, why not, remember
a classic we never get tired of.
We will welcome guests from all over so
they can share their work and experiences
in the seventh art form. Also, our filmmakers
will get the wonderful opportunity to exhibit
their work to every continent.
I’m convinced of the power of Culture to
unite new generations who grew up with this
Festival, alongside those of us who have enjoyed it for many years. We’re proud of welcoming them to one of the main film festivals
in Latin America.

Horacio Rodríguez Larreta
Jefe de Gobierno | Ciudad Autónoma de Buenos Aires
Chief of Government | Autonomous City of Buenos Aires
4

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

En la 18ª edición del Bafici nuestro desafío es
que nuevos espectadores de todas las edades se sientan parte del Festival. Queremos
que en Buenos Aires se respire cine. Más de
diez sedes estarán funcionando con la mejor
programación, se proyectarán películas de
altísima calidad en diferentes puntos de la
ciudad, y este año estaremos presentes no
solo en los circuitos habituales (salas tradicionales, centros culturales, espacios al aire
libre), sino también, y muy especialmente,
en barrios informales. Con esta última propuesta queremos insistir en que el arte debe
formar parte de nuestras políticas de inclusión. El cine tiene que llegar a lugares de
la ciudad a los que antes no lo hacía, y los
vecinos deben contar con la posibilidad de
formar parte de este Festival como espectadores y, además, deben verse alentados a
utilizar ellos mismos esta maravillosa forma
de expresión.
Los invito a vivir este intenso intercambio
cultural entre la Argentina y decenas de países de todo el mundo, a compartir otras experiencias de otras personas y a descubrir
cómo piensan y qué sienten; a entender, con
toda la potencia de este medio, lo que nos
diferencia y lo que tenemos en común.
En el Bafici conviven chicos y grandes, abuelos y nietos, turistas, parejas que vienen por
primera vez juntos al cine, padres e hijos,
maestros y alumnos. Y también nosotros, el
equipo del Ministerio que está trabajando incansablemente para que esta fiesta salga a
la perfección.
Este año el Bafici cumple su mayoría de
edad. Estos 18 años de puro aprendizaje implican una gran responsabilidad, sobre todo
a la hora de cumplir con el exigente gusto de
los amantes del séptimo arte y responder al
entusiasmo de miles de ciudadanos.

Our challenge for this 18 th edition of Bafici
is to have new film fans of all ages feeling
they are all part of the Festival. We want
Buenos Aires to breathe cinema. More than
ten venues will be offering the best programming, great films will be screened in
different points of the city, and this year we
will be present not only in the traditional
circuits (traditional theaters, cultural centers, outdoor venues) but also, and especially, in informal neighborhoods. With this
last proposal we want to insist on the fact
that art should be part of our inclusive policies. Cinema must reach the areas where it
didn’t before, and neighbors should have
the possibility to be a part of this Festival as
viewers, and also be encouraged to use this
wonderful means of expression.
I invite you to experience this intense cultural exchange between Argentina and dozens of countries all over the world, share
other people’s experiences, and find out
how they think and what do they feel. And
also understand, thanks to the power of this
medium, what differentiates us as well as
our common threads.
Bafici is a meeting point for kids and adults,
grandparents and grandchildren, tourists
and couples on their first movie dates, parents and children, teachers and students.
And also us, the Ministry team who is working hard to make sure this party is perfect.
This year, Bafici becomes of legal age. These
18 years of learning to carry a great responsibility, especially when meeting the demanding taste of film lovers and responding
to the enthusiasm of thousands of citizens.

Darío Lopérfido
Ministro de Cultura | Ciudad Autónoma de Buenos Aires
Minister of Culture | Autonomous City of Buenos Aires
[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

5

El Bafici concentra en doce días –es decir, el
3,3% del año– una cantidad de películas similar a la que se estrena en los cines durante
doce meses.
12 días/12 meses.
Esto significa que los días del Festival tienen
una concentración cinematográfica treinta
veces mayor que la de cualquier otro día. Uno
de nuestros objetivos conscientes es que esa
oferta concentrada sea mucho menos homogénea que la de cada jueves. Cine de muchos
más países para ver en salas de cine, o en
pantallas al aire libre. Películas presentadas
por sus directores, actores, músicos, productores. Gente que viene a charlar, a debatir, a
enseñar. Películas acompañadas por muestras –no se pierdan la Galería Bafici–, conciertos, eventos especiales. El Bafici como lugar
para estar el mayor tiempo posible durante
esos doce días, y emplear ese tiempo para
sorprenderse la mayor cantidad de veces que
se pueda.
Desde que el Bafici empezó, en 1999, ver
películas en el hogar –y acceder a una gran
variedad– se fue haciendo cada vez más sencillo. En este contexto –y casi en cualquier
otro– es la obligación de un festival de cine
volver a pensarse constantemente. Quizás
eso sea ser parte del Bafici: preguntarnos
sobre nuestra historia, incluso cuestionarla, y
recuperar y reforzar nuestras virtudes pasadas. En ese sentido, por ejemplo, si el Bafici
fue el lugar en el que pudimos explorar el cine
de Extremo Oriente, esta edición 2016 vuelve a serlo, con una gran cantidad de títulos
de ese origen. Y si vemos que hay singulares
películas latinoamericanas que han circulado
poco, y que podrían agruparse y formar una
nueva competencia, sumamos la novedad.

Y si creemos que hace falta una renovación
en la programación, nos ponemos a pensar
un panorama en el que hasta se licúa la propia palabra panorama, al agrupar las películas
en algunas categorías ya probadas y también
en otras flamantes: más información para decidir qué ver, y más foco puesto en pensar el
Festival como un menú estimulante y variado.
Trabajo en el Bafici en diferentes roles
desde 2001, lo hice con cuatro directores
artísticos y cinco productoras diferentes,
y distintos equipos en diversas zonas del
Festival. Les agradezco a todos los compañeros de trabajo de estos 15 años los
aprendizajes, los apuros, incluso las tensiones propias de hacer un evento de estas
dimensiones. Quiero mencionar especialmente a Marcelo Panozzo y Paula Niklison
por la generosa transición para una edición
que comenzamos juntos bajo su gestión.
Ahora, como director artístico, quiero agradecer en primer lugar la confianza de las
autoridades del Ministerio de Cultura. Y muy
especialmente a los programadores que
continúan de años anteriores y también a los
que se sumaron para trabajar en los últimos
meses, los más intensos y definitorios. No solamente me han soportado, hicieron además
un trabajo extraordinario y con alegría contagiosa: son Magdalena Arau, Violeta Bava,
Fran Gayo, Agustín Masaedo y David Obarrio. Y Juan Manuel Domínguez en Baficito
y más allá. Y a todo el equipo, en especial a
Ailén Bressan y a Paloma Dema, que en sus
roles de productora general y coordinadora
de programación apuntalaron, sostuvieron
y aguantaron mi asedio informativo desde
cada madrugada. Y a las que me aguantan
todos los días: Fa, Jo y Ampi.

Javier Porta Fouz
Director Artístico [18] Bafici
Ciudad Autónoma de Buenos Aires
6

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

In twelve days –that is, 3.3% of the year–
Bafici concentrates as many films as those
commercially released in twelve months.
12 days/12 months.
This means that Festival days carry a film
concentration that is thirty times worse
than any other regular day. One of our
goals is that this concentrated offer can be
much less homogenous than the one we
get every Thursday. Films from many countries to be watched in film theaters, or outdoor screenings. Films presented by their
directors, actors, musicians, and producers. People coming in to chat, debate, and
teach. Films joined by exhibitions –don’t
miss Bafici Gallery–, concerts, and special
events. Bafici is a place where one should
spend as much time as possible during
those twelve days, and use that time to be
surprised as many times as possible.
Ever since Bafici started, in 1999, watching
films at home –and accessing a great variety of them– became increasingly easier. In
this context –and almost every other one–
a film festival’s obligation is to rethink itself
constantly. Maybe that is what being a part
of Bafici means: to pose questions about
our history and even question it, and both
recover and strengthen our past virtues.
In this sense, for example, if Bafici was a
place where we could explore the cinema
of the Far East, this 2016 edition will do
that again, with a great deal of films from
that region. And if we’ve noticed some Latin American films haven’t circulated that
much and they can be grouped together
into a new competition, we add that novelty. And if we think there’s need for renovation in the programming, we start to think

about a panorama in which even the word
panorama itself gets liquefied, as we group
films in both new and already tested categories: more information to decide which
films to see, and a focus on the Festival as
a stimulating and diverse menu.
I’ve been working in Bafici in different roles
since 2001. I did it under four artistic directors and five different producers, and different teams in different areas of the Festival. I
thank all my work colleagues from these 15
years for teachings, the rushes, and even the
tensions of making an event of this size. I’d
like to specially mention Marcelo Panozzo
and Paula Niklison for the generous transition into an edition we started together under their management.
Now, as an artistic director, I’d like to acknowledge, in the first place, the trust of the
Ministry of Culture authorities. And, especially, the programmers who continue from
past years, as well as the ones who joined in
the last months –the most intense and crucial time. They not only have stood up with
me, but have also delivered extraordinary
work with a contagious joy: they are Magdalena Arau, Violeta Bava, Fran Gayo, Agustín
Masaedo, and David Obarrio. And Juan Manuel Domínguez, in Baficito and beyond. And
the whole team, especially Ailén Bressan and
Paloma Dema, who in their roles as general
producer and programming coordinator respectively have supported, sustained, and
endured my information siege from early
hours in the morning. And those who do it
every day: Fa, Jo, and Ampi.

JPF
Artistic Director [18] Bafici
Autonomous City of Buenos Aires
[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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Gobierno de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires
Jefe de Gobierno
Horacio Rodríguez Larreta
Vicejefe de Gobierno
Diego Santilli
Ministro de Cultura
Darío Lopérfido
Subsecretaria de Gestión Cultural
Vivi Cantoni

DIRECCIÓN FESTIVALES
DE BUENOS AIRES
Silvia Tissembaum

GERENCIA OPERATIVA
DE PRODUCCIÓN
Paula Niklison

Luis Martelli
Daniela Perez Klein
Isabelle Siegrist

DIRECCIÓN ARTÍSTICA BAFICI
Javier Porta Fouz

PRODUCCIÓN
Milena Barron
Ailín Bosco
Natalia Colás
Martín Frosio
Luis Madril
Xavier Mercado
Martín Rea

RELACIONES
INSTITUCIONALES
Paz Canessa

PRODUCCIÓN GENERAL
Ailén Bressan
PRODUCCIÓN EJECUTIVA
Luciana Saffores
PROGRAMACIÓN
Magdalena Arau
Violeta Bava
Fran Gayo
Agustín Masaedo
David Obarrio
PROGRAMACIÓN BAFICITO
Juan Manuel Domínguez
COLABORACIÓN
EN PROGRAMACIÓN
Jaime Pena
PRODUCCIÓN ARTÍSTICA
Coordinación

Paloma Dema
Equipo

Mónica Pérez
Claudia Salcedo

GERENCIA OPERATIVA
DE LOGÍSTICA
Romina Marson
Coordinación

Florencia Blanca
Maria Ayelén Decuzzi

Coordinación

Nicolás Carnavale
Asistencia

Florencia González Cascio
Pablo González Dadone
COORDINACIÓN TÉCNICA
Pía Ruiz Luque

8

Coordinación General
Ministerio de Cultura

Álvaro Rufiner
Coordinación de Contenidos

Sol Navedo
Coordinación de
Diseño Gráfico

Paula Galli
Coordinación de
Comunicación Digital

Equipo

Guido Della Bella

Ariel Cáceres
Paula Contrera
Adrián Dragonetti
Abrahan Prieto
Claudio Rogatti

Coordinación de Prensa

OFICINA DE INVITADOS
Coordinación

Paz Canessa
Denise Menache
Equipo

Vera Czemerinski
María Joao Machado
Marina Moreira
Ana Schmukler
Atención al Invitado

CINE ARGENTINO

PRENSA Y COMUNICACIÓN

Gabriela Sofía Flores
Camila Godoy
Noelia Lencina
Paula Repetto
Marina Weins
Interpretación
en Presentaciones

Julio Fermepin
Marina Lacarta
Danilo Locker

Sofía Andrada
Gustavo Fischer
Administración,
Logística y Producción

Nicole Goldszmidt
Contenidos

Georgina Lima
Constanza Zarnitzer
Coordinación Audiovisual

Macarena Herrera Bravo
Diseño de Marca

Guido Della Bella
Paula Galli
Diseño Gráfico

Martín Borgese
Leonardo Manilow
Carlus Rodríguez
Diseño Editorial

Verónica Roca

Redacción de Noticias

Guillermo Pintos
Traducción al Inglés

Cecilia Zabaleta
Realización de Videos

Gabriel Starna - Borde Chino
Fotografía

Fernando Dvoskin
Equipo de Prensa

Gastón Mary
Ignacio Navarro
Malena Schnitzer
Agostina Zaros
EDICIÓN DE CATÁLOGO
Y GUÍA DE PROGRAMACIÓN
Micaela Berguer
Javier Diz
Equipo

Montserrat Callao Escalada
Elena Marina D´Aquila
Agustín Masaedo
David Obarrio
Sol Santoro D´Stefano
Traducción

Agustín Mango
Juan Pablo Martínez
DIARIO SIN ALIENTO
Edición

Juan Manuel Domínguez
Redacción

Daniel Alaniz
Maia Debowicz
Sol Santoro D´Stefano
Guido Segal
Marina Yuszczuk
Corrección

Montserrat Callao Escalada

Equipo

LIBROS [18] BAFICI

Cecilia Loidi
Julián Villagra

Edición

Diseño Web y Programación

Traducción

Alejandro Duarte

Juan Pablo Martínez

Juan Manuel Domínguez

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

staff
PRODUCCIÓN COMERCIAL
Andrés Mozzi
Franco Orono
Federico Scagliotti
Cayetano Vicentini
ACREDITACIONES
Florencia Babouian

Martin Cámpora
Laura Castro
Agustín Demichelli
Brenda Greco
Federico Guzzetti
Rocio de la Mano
Conrado Negrin
Federico Orlan

Asistencia

Chequeo de Fílmico

Julio Sebastián Benavides
Narváez

Victoria Deluca

PROGRAMACIÓN
EN SALAS
Magdalena Arau
Agustín Masaedo
Miranda Barrón

Constanza Curia

Chequeo de DCP y
Postproducción
Dirección de Piso

Romina Beraldi
Florencia Marconi
Técnicos de sala

SUBTITULADO Y VIDEOTECA
Mercedes Amorena
ACTIVIDADES ESPECIALES
Michelle Jacques-Toriglia
Ariana Spenza
Agustín Toscano
DISEÑO DE ESPACIO
María Carew
Eugenia Garcia Castera
Verónica Gilotaux
GALERÍA BAFICI
Coordinación y curaduría
Gloria Cesar
Juan Manuel Domínguez
Valeria Keller
Ariana Spenza

Julián Tagle

Marcelo Arias
Ezequiel Azambuya
Catalina Ferrari
Malena Gerez
Johanna Jezernicki
Agustina Marquez
Micaela Masetto
Albertina Molares
Camila Navas
Belen Poviña
Diego Sanchez

Asistente

Técnicos de Sala DCP

Natalia Ardissone
Sofía Carmona

Raúl Fernandez

Martin Benjamin
Valeria Biglier
Florencia Cammillieri
Sheila Dempsey
Natalia Failde
Georgina Giribaldi
Jesica Jaimes
Daniel Silva

Postproducción

Grilla

Equipo

Mercedes Arias

Yadira Díez

ÁREA DE PROYECCIÓN
Coordinación General

Lucas Iaccarino Szvalb
Coordinación de
Formatos Digitales

Lautaro Panelo
Coordinación de Sonido

Arian Frank
Producción Técnica

Subtitulado

Roman Elena
Tránsito Interno

Pablo Compagno
Asistencia

Natalia Bianchi
Proyectoristas

Julieta Alsina
Lucio Arana
Brian Bendersky
Santiago Bilardo

TRÁNSITO INTERNACIONAL
DE COPIAS
Lionel Braverman
Mirna Correa

Diseño gráfico

Leonardo Malinow
BUENOS AIRES LAB (BAL)
Dirección
Agustina Costa Varsi
Producción Artística

Michelle Jacques-Toriglia
Asistencia

Irene Ovadia
Selección Work In Progress (WIP)

Agustina Costa Varsi
Bárbara Francisco
Nicolás Grosso
ÁREA PROFESIONAL
Coordinación

Michelle Jacques Toriglia
Asistencia

Irene Ovadia

INFORMES
Coordinación

María Fernanda Moreira
Asistencia

Noelia Cao
Lisandro Outeda
SALAS
Coordinación

Carolina Piola
Asistencia

Camila Levy Daniel
Geraldina Rauwolf
PREMIO DEL PÚBLICO
Coordinación

María Julia Bonetto
GERENCIA OPERATIVA
GESTIÓN DE
OPERACIONES
Aída Barbara
Equipo

Adriana Alonso
Maximiliano Betti
Ricardo Cebeiro
Matías Coto
Patricia Latorre
Deborah Rapoport
Jorge Ribezuk
Paola Romanín
Luca Rosa
Carina Stanzione
RECEPCIÓN
Claudia Klappenbach
SISTEMAS
Eduardo Desanze

Guía del Área Profesional
Corrección

Gabriela Berajá
Traducción

Juan Pablo Martínez

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

9

ÍNDICE / INDEX

10

13


FUNCIÓN DE APERTURA – LE FILS DE JOSEPH
OPENING NIGHT

15


FUNCIÓN DE CLAUSURA – MILES AHEAD
CLOSING NIGHT

17

JURADOS / JURIES

27


COMPETENCIA OFICIAL INTERNACIONAL
INTERNATIONAL OFFICIAL COMPETITION

49


COMPETENCIA OFICIAL ARGENTINA
ARGENTINE OFFICIAL COMPETITION

67


COMPETENCIA VANGUARDIA Y GÉNERO
AVANT-GARDE & GENRE COMPETITION

93


COMPETENCIA LATINOAMERICANA
LATIN AMERICAN COMPETITION

105


COMPETENCIA OFICIAL DERECHOS HUMANOS
HUMAN RIGHTS OFFICIAL COMPETITION

119


COMPETENCIA ARGENTINA DE CORTOS
ARGENTINE SHORT FILMS COMPETITION

129


MUESTRA ARGENTINA DE CORTOS
ARGENTINE SHORT FILMS EXHIBITION

143


NOCHES ESPECIALES
SPECIAL NIGHTS

149

BAFICITO / LITTLE BAFICI

159

BAFICITO - AARDMAN / LITTLE BAFICI - AARDMAN

165

CLÁSICOS BAFICITO / LITTLE BAFICI CLASSICS

167

CINE PLANETARIO / PLANETARIUM CINEMA

173

TRAYECTORIAS / CAREERS

201

CINEFILIAS / CINEPHILIAS

223

PERSONAS Y PERSONAJES / PEOPLE & CHARACTERS

235

ARQUITECTURA / ARCHITECTURE

243

KARL-HEINZ KLOPF

249

COMER Y BEBER / EAT & DRINK

259

HACERSE GRANDE / COMING OF AGE

269

MÚSICA / MUSIC

287

PASIONES / PASSIONS

301

ARTES / ARTS

309

NOCTURNA / LATE NIGHT

325

LUGARES / PLACES

339

RESCATES / RESCUES

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

351

FOCOS Y HOMENAJES / FOCUS & HOMAGES

353

PETER BOGDANOVICH

363

PAULO BRANCO

371

RICK ALVERSON

377

BOB BYINGTON

383

FABIÁN BIELINSKY

389


BRITANNIA LADO B: MARGARET TAIT
BRITANNIA B-SIDE: MARGARET TAIT

395

MATTHEW BARNEY

398

NASTASSJA KINSKI

400

MIRTHA LEGRAND

402

GRACIELA BORGES

404

MICHEL LEGRAND

407

LUCILE HADZIHALILOVIC

411

LEWIS BENNETT

415

DAÏCHI SAÏTO

419


BRITANNIA LADO B: SHAKESPEARE VIVE
BRITANNIA B-SIDE: SHAKESPEARE LIVES

426

GALERÍA BAFICI / BAFICI GALLERY

429

BAL

461

ÍNDICES / INDEX

462

ÍNDICE POR PELÍCULA / INDEX BY FILM

464

ÍNDICE POR DIRECTOR / INDEX BY DIRECTOR

466

ÍNDICE POR PAÍS / INDEX BY COUNTRY

ABREVIATURAS / ABBREVIATIONS
D: Dirección
Director

E: Edición
Editing

M: Música
Music

CP: Compañía prodcutora
Production Company

G: Guion
Scriptwriter

DA: Dirección de arte
Production Design

P: Producción
Producer



F: Fotografía
Cinematography

S: Sonido
Sound

PE: Producción ejecutiva
Executive Production

I: Intérpretes / Cast

DCP: Paquete de Cine Digital
Digital Cinema Package
DM: Archivo Digital
Digital Media

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

11

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

función de apertura / opening night

Le Fils de Joseph
El hijo de Joseph
Verano en París. Vincent es un adolescente que vive con su
madre soltera, Marie, quien hasta ahora nunca le reveló la
identidad de su padre.

Summer in Paris. Vincent is a teenager living with his single
mom, Marie, who, until now, has never revealed to him the
identity of his father.

Eugène Green es conocido en el Bafici desde hace más de una
década. Su segundo largometraje, Le Monde vivant, estuvo en
Competencia Internacional en 2004, y luego el festival programó toda su filmografía posterior. Su obra tiene un sello autoral
inconfundible. Los encuadres, la manera de hablar de los personajes, los cruces con épocas diversas desde el presente. En
Le Fils de Joseph, Green menta el relato bíblico para brindar
una magistral comedia luminosa en la que un joven se decide
a buscar a su padre. Por supuesto, su objetivo no podrá ser
alcanzado de la forma prefigurada. Es que el mundo de encuadres estáticos de Green nunca fue tan vital como en este film,
en el que se ríe de más de una impostura del ambiente artístico
contemporáneo mientras cuenta una historia de maduración y
una de amor. Todo eso y mucho más en esta demostración cabal de un artista con personalidad y en pleno uso de su talento.
Javier Porta Fouz

Eugène Green has been known at Bafici for more than a decade.
His second feature, The Living World, was part of the International Competition in 2004, and later, the festival programmed
all of his later work, which has an unmistakable authorial mark.
The compositions, the way the characters talk, the links between different periods in time from the present. In Le Fils de
Joseph, Green evokes the biblical tale in order to deliver a masterful, luminous comedy in which a young man decides to look
for his father. Of course, his goal cannot be accomplished in
the prefigured way. Because Green’s world of static frames was
never as vital as it is in this film, in which he also laughs at some
impostures of the contemporary art scene while telling a story
about maturing and another about love. All of that and more in
this perfect display of an artist with personality and in full use
of his talent. JPF

Eugène Green
Nació en 1947 en Nueva York, pero se mudó a París para estudiar literatura, idiomas e historia del arte, y desde 1976 es ciudadano francés.
Dirigió Le Monde vivant (2003; Bafici ‘04), Correspondences (2007),
A religiosa portuguesa (2009; Bafici ‘10) y La Sapienza (Bafici ‘15),
entre otras.
He was born in New York in 1947, but moved to Paris to study literature,
foreign-languages and art history and has been a French citizen since
1976. He directed The Living World (2003; Bafici ‘04), Correspondences
(2007), A religiosa portuguesa (2009; Bafici ‘10) and La Sapienza (Bafici
‘15), among other films.

Francia / Bélgica - France / Belgium, 2016
115’ / DCP / Color / Francés - French
D, G: Eugène Green F: Raphaël O’Byrne E: Valérie Loiseleux
DA: Paul Rouschop S: Stéphane Thiébaut M: Adam Michna
Otradovic, Emilio de Cavalieri, Domenico Mazzocchi
P: Francine Jacob, Didier Jacob, Luc Dardenne, Jean-Pierre Dardenne
CP: Coffee and Films, Les Films du Fleuve I: Victor Ezenfis, Natacha
Régnier, Fabrizio Rongione, Mathieu Amalric, Maria de Medeiros
Contacto / Contact
Les Films du Losange. Marine Goulois
T +33 1 4443 8710
E [email protected] W filmsdulosange.fr

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

13

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

función de clausura / closing night

Miles Ahead
Miles al frente
Don Cheadle reinventa la legendaria figura de Miles Davis en
este biopic que se mueve con la libertad y el lirismo propios
de las composiciones de uno de los músicos más influyentes
de la historia del jazz.

Don Cheadle reinvents Miles Davis’ legendary figure in this
biopic that moves forward with the freedom and lyricism of
the compositions by one of the most influential musicians in
jazz history.

Hay que entender una cosa: para Don Cheadle, que actúa, escribe, produce y dirige, Miles Davis es prácticamente Tony Stark.
Su Miles Ahead es la fantasía melómana de alguien que veía
en Miles a Iron Man, ya sea aquel de The Birth of Cool o el del
concierto de Osaka de 1975 (el cual abre el film). Esa fascinación lleva no solo a que Cheadle sea Miles, con su carrasposa
coolness de dios del Olimpo sin dinero para la coca, sino también a crear una ficción de tiros y persecuciones desde la cual
se ven, con movimientos visuales pintorescos, y reales sucesos
de la vida del músico de jazz (“música social”, dirá Miles). Entre
esa ficción, en la que el Robin es Ewan McGregor (¡qué bien le
quedan los setenta!), Cheadle crea una milesploitation enamorada, entre salvaje, sentida y borracha, que nunca osa entender
al gigante. Juan Manuel Domínguez

We have to understand one thing: to Don Cheadle, who acts,
writes, produces and directs, Miles Davis is practically Tony
Stark. His Miles Ahead is the fantasy of a music lover who saw
Iron Man in Miles, whether it’s that of The Birth of Cool or the
one from the 1975 Osaka concert (which opens the film). Not
only does that fascination lead Cheadle to become Miles, with
the hoarse coolness of a god from the Olympus that can’t afford coke; it also leads him to create a fiction of shootouts and
chases from which he covers, with picturesque visual movements, real events from the jazz musician’s life (“social music,” Miles would say). Among that fiction, where Robin would
be Ewan McGregor (the ‘70s become him!), Cheadle creates a
loving milesploitation that’s wild, heartfelt, drunkard, and never
dares to understand the giant. JMD

Don Cheadle
Nació en los Estados Unidos en 1964, y estudió en el California Institute
of Arts. Actuó en numerosos films, entre ellos, Juegos de placer (1997),
Traffic (2000) y Iron Man 2 (2010). Debutó como director en 2005 con la
película Tishomingo Blues.
He was born in the US in 1964, and studied at the California Institute of
Arts. He acted in a number of films, such as Boogie Nights (1998), Traffic
(2000) and Iron Man 2 (2010). He made his directorial debut with the
film Tishomingo Blues.

Estados Unidos - US, 2015 / 100’ / DCP / Color
Inglés - English
D: Don Cheadle G: Steven Baigelman, Don Cheadle
E: John Axelrad, Kayla M. Emter DA: Hannah Beachler
PE: Mark Amin, Steven Baigelman, Cheryl Davis, Erin Davis,
Robert Lewis I: Don Cheadle, Ewan McGregor, Emayatzy Corinealdi,
Lakeith Lee Stanfield, Michael Stuhlbarg
Contacto / Contact
Sony Pictures in Argentina. Cecilia Chiappano
E [email protected]
W uip.com.ar

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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jurados
juries

jurado competencia oficial internacional
international official competition jury

Graciela Borges
Nacida en Santos Lugares, provincia de Buenos Aires, es una de las actrices más importantes de
la historia del cine argentino. Desde su debut en Una cita con la vida (Hugo del Carril) participó
en alrededor de cincuenta largometrajes para directores como Leopoldo Torre Nilsson, Leonardo Favio, Luis Saslavsky y Lucrecia Martel. A lo largo de su trayectoria artística ha recibido
innumerables premios, además de distinciones como la de Ciudadana Ilustre de la Ciudad de
Buenos Aires.
Born in Santos Lugares, province of Buenos Aires, she is one of the most important actresses
in the history of Argentine film. From her debut in Hugo del Carril’s Una cita con la vida, she appeared in about fifty features for such directors as Leopoldo Torre Nilsson, Leonardo Favio, Luis
Saslavsky and Lucrecia Martel. Throughout her career, she has received countless awards, as
well as distinctions as that of Outstanding Citizen of the City of Buenos Aires.

João Paulo Cuenca
Nació en Río de Janeiro, Brasil, en 1978. Escribió cuatro novelas y una antología de crónicas.
Sus libros han sido traducidos a ocho idiomas. Dos de ellos están disponibles en español: Cuerpo
presente (Dakota, 2016) y El único final feliz para una historia de amor es un accidente (Lengua
de Trapo, 2013). En los últimos años, escribió y dirigió obras de teatro y series de televisión. A
morte de J.P. Cuenca, su primer largometraje, compite en Vanguardia y Género en este Bafici.
He was born in Rio de Janeiro, Brazil, in 1978. He is the author of four novels and an anthology
of chronicles. His books have been translated into eight languages. Two of them are available
in Spanish: Cuerpo presente (Dakota, 2016) and El único final feliz para una historia de amor
es un accidente (Lengua de Trapo, 2013). In recent years he has written and directed plays and
television series. The Death of J.P. Cuenca, his first feature film, competes in this year´s AvantGarde & Genre Section.

Giulia D’Agnolo Vallan
Estudió cine en la Facultad de Filosofía y Letras de Turín, Italia. Luego obtuvo un máster en
Cine y Televisión de la Escuela de Artes Tisch de la Universidad de Nueva York. Trabajó como
programadora y curadora en el Festival de Cine de Turín, del cual fue directora entre 2003 y
2006. Desde 2007 es programadora y miembro del Comité de Selección del Festival de Cine de
Venecia. Participó como jurado en varios festivales de cine internacionales y escribió varios libros
y ensayos sobre diversos directores.
She studied film at the Faculty of Arts of Turin, Italy. Then she got a Master in Film and Television
at the Tisch School of Arts at New York University. She worked as a programmer and curator
at the Turin Film Festival, of which she was director between 2003 and 2006. Since 2007,
she is a programmer and member of the Selection Committee of the Venice Film Festival. She
participated as a jury in several international film festivals, and wrote several books and essays
on many directors.

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[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

jurado competencia oficial internacional
international official competition jury

Philippe Lesage
Nacido en Quebec, Canadá, estudió en la Universidad McGill de Montreal y en el European Film
College de Dinamarca, donde luego fue profesor. Dirigió los documentales Pourrons-nous vivre
ensemble? (2006), Comment savoir si les petits poissons sont heureux? (2009), Ce coeur qui
bat (2010) y Laylou (2012). Su primer largo de ficción, Les Démons, compite en Vanguardia y
Género en este Bafici. Tiene otras dos ficciones en camino: Copenhague: A Love Story y Genesis.
He was born in Quebec, Canada, and studied at the McGill University in Montreal and Denmark’s
European Film College, where he would later teach. He directed the documentaries Pourrons-nous
vivre ensemble? (2006), How Can You Tell If the Little Fish Are Happy? (2009), The Heart That Beats
(2010) and Laylou (2012). His first fiction features, The Demons, competes in Avant-Garde and
Genre at this Bafici. He has other two fictions in production: Copenhague: A Love Story and Genesis.

Héctor Soto
Nacido en Chile, es crítico de cine, abogado y periodista. A comienzos de los años setenta dirigió
la revista Primer Plano. Fue editor de publicaciones como Mundo Diners y Enfoque, y uno de
los fundadores de la revista Capital. En 2008 se unió al diario La Tercera como editor cultural y
columnista cinematográfico, y desde entonces también escribe una columna política semanal.
Desde hace 15 años conduce el programa radial Terapia Chilensis. En 2007 publicó el libro Una
vida crítica.
He was born in Chile and is a film critic, lawyer and journalist. In the early ‘70s, he directed the
Primer Plano magazine. He edited such publications as Mundo Diners and Enfoque and was one
of the founders of Capital magazine. In 2008, he joined the newspaper La Tercera as editor of
the cultural section and film columnist, and since then has also written a weekly political column.
He has hosted the radio show Terapia Chilensis for the past 15 years. In 2007, he published the
book Una vida crítica.

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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jurado competencia oficial argentina
argentine official competition jury

Roberto Doveris
Magíster en Teoría del Arte por la Universidad de Chile, en 2010 fundó la compañía productora
Niño Niña Films, con la que ha dirigido más de treinta videoclips, institucionales para ONGs
y varios cortos seleccionados en festivales internacionales. Actualmente se desempeña como
editor general en CinemaChile, la agencia que promociona al cine chileno mundialmente. Su
primer largometraje, Las plantas, resultó doblemente premiado en la última Berlinale y se exhibe
en esta edición del Bafici.
A master graduate in Art Theory from Universidad de Chile, in 2010 he established the production company Niña Niño Films, where he has directed more than thirty music videos, NGO videos,
and several short films selected at international film festivals. Currently he works as the editor in
chief for CinemaChile, the agency that promotes Chilean cinema in the world. Plants, his feature
film debut, won two awards at the last Berlinale and is screened at this edition of Bafici.

Nathan Fischer
Después de largos viajes por Asia, pasantías y trabajos en París y Los Ángeles en empresas
como Anonymous Content y Wild Bunch, entre otras, decidió que era hora de empezar su propio
negocio y, en un par de semanas y con un pequeño préstamo bancario, lanzó la distribuidora
internacional de cine Stray Dogs a principios de 2015. Durante su primer año, las películas de
Stray Dogs ganaron alrededor de treinta premios en festivales internacionales de cine.
After extensive travels across Asia, internships and junior positions in Paris and Los Angeles at
companies such as Anonymous Content and Wild Bunch, among others, he decided it was time
to start his own business, and launched the international film distribution company Stray Dogs
in a couple of weeks with a small bank loan in early 2015. During its first year, Stray Dogs films
won around 30 prizes in international film festivals.

Paz Lázaro
Coordinadora de programación de la sección Panorama de la Berlinale desde 2006 y miembro del
Comité de Selección de Competencia desde 2007, integra como Experta la Junta de la Academia
de Cine Europeo y ha participado como jurado en varios festivales de cine internacionales. Desde
2010 es miembro de la Comisión de Cine Español (ICAA) y ha sido curadora de otros programas
como el Cine Club Español en Nueva York. También se dedicó a la producción de cine y teatro.
She’s the Panorama Program Manager for the Berlin International Film Festival since 2006 and a
member of the Selection Committee for Competition since 2007. She is part of the Board of the
European Film Academy as an Expert and has served in juries from several film festivals. Since
2010, she has been a member of the Spanish Film Commission (ICAA) in Spain and curated
other commissioned programs like the Spanish Film Club Program in NY. She has also been
engaged in the production of films and plays.

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[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

jurado competencia oficial argentina
argentine official competition jury

Ross Lipman
Premiado cineasta independiente, archivista y ensayista, su obra atraviesa las formas experimentales, narrativas y documentales, y converge en un corpus único de ensayos personales que
cruzan múltiples plataformas mediáticas. Sus películas han sido exhibidas en todo el mundo y
sus escritos fueron publicados en numerosos libros y revistas. También es considerado uno de
los principales expertos mundiales en la restauración de cine independiente.
He is an award-winning independent filmmaker, archivist, and essayist. His works have spanned
experimental, narrative and documentary forms; in recent years coalescing in a unique body of
personal essays that cross multiple media platforms. His films have screened across the globe
and his writings have been published in numerous books and journals. He is also considered one
of the world’s leading experts in the restoration of independent cinema.

Pola Oloixarac
Es la autora de las novelas Las teorías salvajes y Las constelaciones oscuras, traducidas a siete
idiomas. Escribió el libreto de ópera Hércules en el Mato Grosso, que se estrenó en el CETC del
Teatro Colón y en Nueva York. Fue elegida entre los mejores narradores en español por la revista
Granta, y recibió la beca nacional de Literatura del Fondo de las Artes, entre otras. Colabora
con artículos sobre cultura y política para The New York Times. Es editora fundadora de Buenos
Aires Review.
She is the author of the novels The Wild Theories and The Dark Constellations, which have been
translated into seven languages. She wrote the libretto for the opera Hercules in Mato Grosso,
which opened at Teatro Colón’s CETC and in New York. She was chosen among the best narrators
in Spanish by Granta magazine, and received the national scholarship in Literature from the Arts
Fund, among others. She contributes with articles on culture and politics for the New York Times.
She is the founder and editor of Buenos Aires Review.

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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jurado competencia oficial VANGUARDIA Y GéNERO
avant-garde & genre official competition jury

Pablo Conde
Nació en 1973 en Burzaco, provincia de Buenos Aires, y creció en Ushuaia, Tierra del Fuego. Es
cofundador del sitio web Encerrados Afuera, redactor de la revista Los Inrockuptibles y vicepresidente del Cineclub Ushuaia. Tras recibirse de montajista en la ENERC, trabajó en varios productos televisivos como editor, guionista, productor y locutor. De 2009 a la fecha, se desempeña
como miembro del comité de programación del Festival de Cine de Mar del Plata.
He was born in Burzaco, province of Buenos Aires, in 1973, and grew up in Ushuaia, Tierra del
Fuego. He is co-founder of the website Encerrados Afuera, writes for Los Inrockuptibles magazine and is vice-president of Cineclub Ushuaia. After graduating as editor from the ENERC, he
worked in many television products as editor, screenwriter, producer and announcer. From 2009
to date, he has been a member of the programming committee of the Mar del Plata Film Festival.

Daïchi Saïto
Nacido en Japón, fue cofundador de Double Negative, un colectivo artístico dedicado a la exhibición y producción de cine experimental en Montreal, Canadá. Sus películas forman parte de las
colecciones permanentes del Museo del Cine Austríaco y la Cinemateca Eslovena, y han ganado
numerosos premios a nivel internacional, entre ellos el de Mejor Película en Ann Arbor, el Gran
Premio del Jurado en el Festival de Cine Media City y un Tiger Award en Rotterdam.
Originally from Japan, he co-founded Double Negative, an artist collective devoted to the exhibition and production of experimental cinema in Montreal, Canada. His films are in the permanent
collections of the Austrian Film Museum and the Slovenian Cinematheque, and have won several
awards including the Best of the Festival Award at the Ann Arbor Film Festival, the Jury Grand
Prize at Media City Film Festival, and the Tiger Award at the International Film Festival Rotterdam.

Penny Lane
Estudio periodismo y cultura norteamericana en el Vassar College de Nueva York, EE. UU.,
es cineasta y, ocasionalmente, videoartista, escritora, curadora y profesora de cine, video
y nuevos medios artísticos. Además de cortometrajes como The Abortion Diaries (2005),
dirigió los largos documentales Our Nixon, estrenado en el Festival de Rotterdam 2013,
y Nuts!, premiado en Sundance 2016. Ambos se exhiben en esta edición del Bafici. Y sí,
Penny Lane es su verdadero nombre.
She graduated in American Culture and Media Studies at Vassar College in New York, USA. She
is a filmmaker, and occasional video artist, writer, curator and professor of film, video and new
media art. In addition to short films as The Abortion Diaries (2005), she directed the documentaries Our Nixon, which premiered at the 2013 Rotterdam Film Festival and Nuts!, awarded at
Sundance 2016. Both are screened at this year’s Bafici. And yes, Penny Lane is her real name.

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[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

jurado competencia oficial LATINOAMERICANA
LATINOAMERICAN official competition jury

Roger Koza
Nació en 1968, es crítico de cine y miembro de FIPRESCI. Publica regularmente en La Voz del
Interior, Ñ, Quid y el sitio web Con los Ojos Abiertos. También conduce el programa de televisión
El cinematógrafo. Es programador del FICUNAM mexicano y de la sección Vitrina del Festival
de Hamburgo, Alemania. Desde 2014 dirige el Festival Internacional de Cine de Cosquín. Fue
jurado en distintos festivales internacionales e interlocutor en clases magistrales de Pelechian
y Akerman, entre otros.
Born in 1968, he’s a film critic and member of FIPRESCI. He publishes regularly at La Voz
del Interior, Ñ, Quid and the website Con los ojos abiertos. He is also the host of a TV show,
El cinematógrafo. He works as a programmer for FICUNAM, Mexico, and for the Vitrina section
of the Hamburg Festival. Since 2014, he’s the director of the Cosquín International Film Festival.
He was a jury member at many international festivals, and took part in master classes with
Peleshyan and Akerman, among others.

Alexandra Rojo
Nació en Buenos Aires en 1966 y sus padres se exiliaron en Francia en 1976. Obtuvo un máster
de Cine en la Universidad de París y cursó un taller de cine documental. Realizó cortometrajes,
ficciones y documentales como Raoul Ruiz, contre l’ignorance fiction!, exhibido en esta edición del Bafici. Ha enseñado en La Fémis y en el Conservatorio Nacional de Arte Dramático de
Estrasburgo. Actualmente es profesora de guion y puesta en escena en el máster de Cine de la
Universidad de París 8.
Born in Buenos Aires in 1966, her parents went into exile in France in 1976. She has a Master’s
in Film by the University of Paris and attended a documentary film workshop. She made shorts,
fictions and documentaries like Raoul Ruiz, contre l’ignorance fiction!, shown at this edition
of Bafici. She has taught at Le Fémis and the Strasbourg conservatory. She currently teaches
screenwriting and mise-en-scène at the Film Master’s of the University of Paris 8.

Che Sandoval
Nació en Santiago de Chile en 1985. Debutó en el cine a los 23 años con Te creís la más linda
(pero erís la más puta), tesis de graduación –exhibida en el Bafici ‘10– que se convertiría en
película de culto. En 2013 dirigió Soy mucho mejor que vos, con la que obtuvo el Premio FEISAL
en el Bafici de ese año y ganó la Free Spirit Competition en el Festival de Varsovia. Actualmente
vive en Buenos Aires y prepara Mucha ex, poco sex, una coproducción chileno-argentina.
He was born in Santiago de Chile in 1985. He made is film debut at 23 with You Think You’re
the Prettiest, But You’re the Sluttiest, his thesis film –shown at Bafici ‘10– that would become a
cult movie. In 2013, he directed Much Better Than You, with which he won the FEISAL Award at
Bafici that year, as well as the Free Spirit Competition at the Warsaw Film Festival. He currently
lives in Buenos Aires and is preparing Mucha ex, poco sex, a Chilean-Argentine co-production.

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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jurado competencia derechos humanos
human rights competition jury

Leticia Jorge Romero
Nacida en Montevideo, Uruguay, en 1981, es guionista, directora y productora. Su primer largometraje, Tanta agua (Bafici ‘15), obtuvo varios premios internacionales y fue estrenado comercialmente
en muchos países del mundo. Su nuevo proyecto, Alelí, se encuentra en fase de producción. Es
docente de realización cinematográfica en la Universidad de la República y en el Instituto de Actuación de Montevideo. Desde 2015 coorganiza la muestra de cine Plano Americano.
Born in Montevideo, Uruguay, in 1981, she is a screenwriter, director and producer. Her first feature, So Much Water (Bafici ’15) won many international awards and was released commercially
in many parts of the world. Her new project, Alelí, is currently in pre-production. She teaches
filmmaking at the University of the Republic and Montevideo’s Acting Institute. She co-organizes
the film exhibit “Plano Americano” since 2015.

Joanna Lombardi
Escribió y dirigió los cortometrajes De noche (2009; Mejor Corto en el CONACINE de ese año) y
Una mujer (2011). En 2012, su primer largo, Casadentro, ganó el Zenit de Oro en el Festival de
Cine de Montreal y también el FIPRESCI. La película se exhibió en festivales de España, India,
Brasil y Suiza, entre muchos otros países. En 2014 filmó su segundo largometraje, Solos, estrenado en Rotterdam 2015 y exhibido en esta edición del Bafici.
She wrote and directed the shorts De noche (2009; Best Short at that year’s CONACINE) and Una
mujer (2011). In 2012, her first feature, In House won the Golden Zenith at the Montreal Film
Festival as well as the FIPRESCI award. The film was shown at festivals in Spain, India, Brazil and
Switzerland, among many other countries. In 2014, she made her second feature, Alone, which
premiered at Rotterdam 2015 and will be screened in the current edition of Bafici.

Nicolás Prividera
Nació en Buenos Aires en 1970. Es licenciado en Ciencias de la Comunicación por la UBA y
egresado de la ENERC, donde actualmente se desempeña como docente. Ha ejercido también
la crítica de cine, y ha dirigido dos películas: M (2007, Bafici ‘15) y Tierra de los padres (2012,
mención de FIPRESCI Argentina a la Mejor Película Nacional de ese año). En 2015 publicó el libro
El país del cine. Para una historia política del Nuevo Cine Argentino.
He was born in Buenos Aires in 1970. He has a Bachelor’s Degree in Communication Sciences by
the UBA, and graduated from the ENERC, where he currently teaches. He is also a film critic, and
has directed two films: M (2007, Bafici ‘15) and Fatherland (2012, FIPRESCI Argentina mention
for Best Local Film from that year). In 2015, he published the book El país del cine. Para una
historia política del Nuevo Cine Argentino.

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[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

jurado cortos argentinos
argentine short films jury

Lewis Bennett
Radicado en Vancouver, Canadá, ha exhibido sus documentales cómicos en festivales de cine
como el TIFF, Hot Docs y Slamdance. Entre 2012 y 2013 dirigió los cortos Parrot Island, Trevor
the Dinosaur, The Fat Diet, An Afternoon with Alexandra Morton, Shirley Sings, A Brief History of
British Columbia, Asian Gangs y Hey Vancouver, This Is You on Craigslist. En 2015 estrenó en el
SXSW su primer largo, The Sandwich Nazi. Todos sus films se exhiben en esta edición del Bafici.
Based in Vancouver, Canada, he has shown his comedic documentaries at film festivals such
as TIFF, Hot Docs, and Slamdance. Between 2012 and 2013, he made the short films Parrot
Island, Trevor the Dinosaur, The Fat Diet, An Afternoon with Alexandra Morton, Shirley Sings, A
Brief History of British Columbia, Asian Gangs, and Hey Vancouver, This Is You on Craigslist. In
2015, he premiered his feature-length debut, The Sandwich Nazi, at SXSW. All of his films are
screened at this year’s Bafici.

Karl-Heinz Klopf
Nacido en 1956 en Linz, Austria, estudió en la Universidad de Diseño Artístico e Industrial de
esa ciudad y ahora vive en Viena. La principal preocupación de su práctica artística son las
construcciones y la vida cotidiana en el ámbito urbano. Trabaja con diversos medios, como el
dibujo, la fotografía, las instalaciones y proyectos en el marco de la arquitectura y el urbanismo.
Realizó una docena de films, seis de los cuales se exhiben en el Foco que le dedica este Bafici.
Born in 1956 in Linz, Austria, he studied at the University for Artistic and Industrial Design of that
city and now lives in Vienna. The main concern of his artistic practice is constructed environments and the everyday life in the urban sphere. He works with various media, such as drawing,
photography, installations and projects in the context of architecture and urbanism. He made a
dozen films, six of which are screened at this Bafici’s Focus on his work.

Jazmín Stuart
Egresada como directora de la Universidad del Cine de Buenos Aires, también es actriz. Luego
de escribir y dirigir teatro y cortometrajes, en 2012 codirigió el film Desmadre. En 2014 filmó su
segunda película, Pistas para volver a casa, protagonizada por Érica Rivas y Juan Minujín. Actualmente actúa, dirige la serie Depto para UN3TV y escribe tres películas: El cuerpo, con Gabriel
Medina; Recreo, con Hernán Guerschuny; y su próximo largo en solitario, La bestia.
A graduate in filmmaking from Universidad del Cine in Buenos Aires, she’s also an actress. She
directed and wrote theater plays and short films, and in 2012 she co-directed the feature-length
film Desmadre. In 2014 she directed her second film, Pistas para volver a casa, starred by Erica
Rivas and Juan Minujin. She is currently working as an actress, directing the series Depto for
UN3TV, and writing three film scripts: El cuerpo, with Gabriel Medina; Recreo, with Hernán Guerschuny; and her next solo film La bestia.

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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jurados no oficiales
non official juries
ACCA

FIPRESCI

(Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina /

(Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica /
International Federation of Film Critic)
Federico Karstulovich (Argentina)
Carlota Moseguí (España / Spain)
Raúl Ortiz-Mory (Perú)

Argentine Film Reviewers Association)
Guillermo Courau
Daniel Cholakian
Javier Luzi

SAE + EDA

ADF
(Asociación Argentina de Autores de Fotografía
Cinematográfica / Argentine Association of Cinematographers)
Rogelio Chomnalez
Diego Roblado
Diego Russo
FEISAL
(Federación de Escuelas de Imagen y Sonido de Latinoamérica /
Image and Sound Schools Federation of Latin America)
Aldo Paparella
Dolly Pussi
Marcelo Trotta

(Sociedad Argentina de Editores Audiovisuales + Asociación
Argentina de Editores Audiovisuales / Argentine Society of
Audiovisual Editors + Argentine Association of Audiovisual
Editors)
Leandro Aste
César Custodio Santos
Anabela Latanzio
SIGNIS
(Asociación Católica Mundial para la Comunicación /
World Catholic Association for Communication)
Miguel Ángel Agüero (Paraguay)
Florencia Raggi (Argentina)
Elisa Vidal (Argentina)

gifs institucionales
Otra de las novedades de este Bafici: los característicos
cortos institucionales tendrán, esta vez, la forma de gifs
animados; el resultado de la intervención de varios directores sobre su propio material. Porque lo bueno, si breve,
dos veces bueno.

Another novelty in this Bafici: our typical official short
films will now be shaped as animated gifs: a result of
several directors’ interventions on their own material. As
they say, brevity is the soul of wit.

Flavio Nardini y
Cristian Bernard
76 89 03 (2000)
2º Bafici

Verónica Chen

Gastón Solnicki

Agua (2006)

Süden (2008)

8º Bafici

10º Bafici

Rodrigo Moreno,
Ulises Rosell y
Andrés Tamborino
El descanso (2001)
3º Bafici
Rodrigo Moscoso
Modelo 73 (2001)
3º Bafici
26

Juan Villegas
Sábado (2001)
3º Bafici
Celina Murga
Ana y los otros (2003)
5º Bafici
Martín Rejtman
Los guantes mágicos
(2003)
6º Bafici
Ana Poliak
Parapalos (2004)
6º Bafici

Santiago Giralt, Tamae
Garateguy y Camila Toker
UPA! Una película
argentina (2007)
9º Bafici

Iván Fund y
Santiago Loza
Los labios (2010)
12º Bafici

Gabriel Medina

Fabián Bielinsky

Los paranoicos (2008)

Nueve reinas (2000)

10º Bafici

18º Bafici

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

competencia oficial internacional
international official competition

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

international official competition

La larga noche de Francisco Sanctis
Francisco Sanctis’s Long Night
Adaptación de la novela homónima de Humberto Costantini,
situada en Buenos Aires en 1977. Un hombre recibe, en plena
dictadura, la información del paradero de dos personas buscadas por los militares. Ahora tiene la posibilidad de salvarlas,
aunque eso implica arriesgar su propia vida.

An adaptation of Humberto Costantini’s homonymous novel,
set in 1977 in Buenos Aires. In the midst of the dictatorship,
a man receives information of the whereabouts or two people who are being searched by the military. Now he has the
chance to save them, although that means risking his own life.

Esta es una película sobre decisiones bajo presión, una presión
ambiente estable, sólida, que se mete en la piel, en la respiración. Un film en el que los marrones y los grises son colores
presentes pero sobre todo estados de ánimo. Un relato que
construye su recorrido según la progresiva toma de decisiones
de su personaje principal, interpretado a la perfección por un
Diego Velázquez sutil y contenido. Una apuesta arriesgada que
transmite seguridad, que resuelve una adaptación literaria con
modos cinematográficos llevados a cabo con aplomo. Una película argentina que transcurre en los setenta y no se preocupa
por poner en primer plano las gaseosas en botellas de vidrio.
La ambientación es impecable, pero no es el punto de llegada,
es apenas un aspecto más de un film trabajado con seriedad,
austeridad y exactitud. Javier Porta Fouz

This is a film about decisions under pressure, an ambient pressure that’s stable, solid, that enters the skin and one’s breathing.
A film in which browns and grays are present colors but, above
all, states of mind. A story that builds its journey in accordance
to the progressive decision-making of its main character, played
masterfully by a contained, subtle Diego Velázquez. A bold approach that transmits security, that solves a literary adaptation
with cinematic modes carried out with aplomb. An Argentine
film that’s set in the ‘70s but isn’t worried about putting glass
soda bottles in the foreground. The setting is impeccable, but
it’s not the finish line; just one more aspect in a film crafted with
seriousness, austerity and precision. JPF

Directores / The Directors
Andrea Testa nació en Buenos Aires en 1987, y estudió en la ENERC,
donde realizó varios cortometrajes. Dirigió el documental Pibe chorro,
que se estrenará este año. Francisco Márquez nació en Buenos Aires
en 1981. Estudió en la ENERC, donde realizó varios cortometrajes. Dirigió
el documental Después de Sarmiento (2014).
Andrea Testa was born in Buenos Aires in 1987, and studied at ENERC,
where she directed several short films. She directed the documentary
feature Pibe chorro, to be released this year. Francisco Márquez was
born in Buenos Aires in 1981. He studied at ENERC, where he directed
several short films. He directed the documenatry feature Después de
Sarmiento (2014).
28

Argentina, 2016 / 76’ / DCP / Color / Español - Spanish
D, G: Andrea Testa, Francisco Márquez F: Federico Lastra
E: Lorena Moriconi DA: Julieta Dolinsky S: Abel Tortorelli P: Luciana
Piantanida, Andrea Testa, Francisco Márquez PE: Luciana Piantanida
CP: Pensar con las Manos I: Diego Velázquez, Laura Paredes,
Valeria Lois, Marcelo Subiotto, Rafael Federman
Contacto / Contact
Pensar con las Manos. Luciana Piantanida
T +54 9 11 3665 1937
E [email protected]
W pensarconlasmanos.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

competencia oficial internacional

La noche
The Night
Un camino vertiginoso, infinito y único por todos los reveses
nocturnos. Sexo, drogas y bebidas se alternan entre encuentro y encuentro, creando un continuado sin tapujos, frente a
una cámara tan curiosa como audaz, que se atreve a recorrerlo todo.

A vertiginous, infinite and unique walk through every nighttime
setback. Sex, drugs and drinking alternate between encounter and encounter, creating a above-board follow-on in front
of a camera as curious as it is audacious, that dares to cover
everything.

Extraordinaria en el sentido estricto del término, La noche exhibe una frialdad clínica y la secreta convicción de que el cine es
el instrumento de lo irrepetible. El director recorre la noche para
protagonizar una maratón interminable de encuentros sexuales,
ingesta de drogas, alcohol y amistades casuales, y así encontrar
la diferencia en el flujo incesante de una rutina que funciona
como refutación y conjuro de la vida ordinaria. Las imágenes
de Castro ostentan un halo de verdad y belleza insospechada
que asaltan al espectador con una fuerza que la mayor parte del
cine existente deja de lado, acaso por pudor o por simple falta
de coraje. La cámara pegada al cuerpo, el fuera de foco y el
sonido ambiente forjan un viaje impiadoso cuyo destino podría
ser el encuentro fugaz con los propios fantasmas, sin epifanías
ni comentario moral alguno. David Obarrio

Extraordinary in the strictest sense of the term, La noche displays a clinical coldness as well as the secret conviction that
film is the instrument of the unique. The director travels the
night in order to lead an endless marathon of sexual encounters,
drug-taking, alcohol and casual friendships and finally finding
the difference in the incessant flow of a routine that works as
rebuttal and conjuring of ordinary life. Castro’s images give out
an aura of unsuspected truth and beauty and assault the viewer
with a strength that most films put aside, perhaps out of modesty, or maybe for lack of courage. The camera glued to the body,
out-of-focus shots and ambient sound shape an impious journey whose destination could be the brief encounter with one’s
own ghosts, without no epiphanies or moral commentary. DO

Edgardo Castro

Argentina, 2016 / 135’ / DCP / Color / Español - Spanish

Nació en Buenos Aires en 1970. Se ha desempeñado como director,
actor y artista visual. Trabajó en cine junto a Martín Rejtman, Mariano
Llinás, Diego Lerman, Albertina Carri y Alejo Moguillansky, entre otros.
Es integrante fundador del Grupo KRAPP (danza-teatro) surgido en el año
2000. La noche es su ópera prima.
He was born in Buenos Aires in 1970. He has worked as a director, actor
and visual artist. He worked in film with Martín Rejtman, Mariano Llinás,
Diego Lerman, Albertina Carri and Alejo Moguillansky, among others. He
is founder of the KRAAP Group (dance-theater), which started in the year
2000. The Night is his first film.

D, G: Edgardo Castro F: Soledad Rodríguez E: Miguel de Zuviría
S: Gabriel Barredo, Guillermo Lombardi, Juan Martín Jimena,
Monociclo Estudio P: Florencia de Mugica, Edgardo Castro, Agustín Torre
PE: Florencia de Mugica, Edgardo Castro CP: Bomba Cine,
El Pampero Cine I: Dolores Guadalupe Olivares, Edgardo Castro,
Federico Figari, Paula Ituriza, Willy Prociuk, Luis Leiva
Contacto / Contact
Bomba Cine. Florencia de Mugica
T +54 9 11 5053 5821 E [email protected]
W bombacine.flavors.me

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

international official competition

Viviré en tu recuerdo
I Will Live with Your Memories
Casi quince años después de Yo no sé qué me han hecho tus
ojos, uno de sus directores reencuentra el material fílmico
perdido de su primer encuentro con Ada Falcón. Una “escena
muda” dispara su búsqueda por descifrar el enigma de la voz
ausente, en un viaje emocional en el que el cine se convierte
en un camino para desandar el tiempo.

Almost fifteen years after I Don’t Know What Your Eyes Have
Done to Me, one of its directors reunites with the lost footage
of their first encounter with Ada Falcón. A “silent scenes”
triggers his search in order to decipher the enigma of the
absent voice, in an emotional journey where film becomes a
path to retrace time.

Sergio Wolf vuelve al territorio inasible de su primera película (Yo
no sé qué me han hecho tus ojos) con una delicadeza y una gracia que resultan tan estimulantes como poco habituales. Viviré
en tu recuerdo gira en torno a una obsesión: una escena sin sonido descartada de aquella película se convierte en el motor de
esta nueva incursión del director en la vida secreta de Ada Falcón, la cantora tempranamente recluida, aislada y olvidada por
todo el mundo, salvo por un puñado de estetas compulsivos. Ada
ya no está entre los vivos, esas palabras faltantes se han vuelto
un enigma. La película es una indagación poética sobre las posibilidades del cine a la hora de establecer el estatuto de verdad
en lo que vemos en la pantalla, y le recuerda al espectador el
poder de persuasión de las imágenes, ese magma sensible en el
que los muertos bailan y recuperan la voz. David Obarrio

Sergio Wolf returns to the unattainable territory of his first film
(I Don’t Know What Your Eves Have Done To Me) with a delicacy and grace that are both stimulating and unusual. I Will Live
With Your Memories revolves around an obsession: a soundless
scene discarded from that film becomes the engine for this new
incursion by the director into the secret life of Ada Falcón, the
early secluded and isolated singer, forgotten by everyone but a
handful of compulsive aesthetes. Ada is no longer among the
living, and those silenced words have become an enigma. The
film is a poetic investigation on the possibilities of cinema when
retrieving truth to the things we see on the screen, and reminds
viewers of the power of persuasion of the image, that sensible
magma where the dead dance and find their voices back. DO

Sergio Wolf
Nacido en Buenos Aires en 1963, estudió comunicación en la UBA. Dirigió junto a Lorena Muñoz Yo no sé qué me han hecho tus ojos (Bafici
‘03), con Alejo Taube la trilogía documental Ritos de frontera (2002) y,
en solitario, El color que cayó del cielo (Bafici ‘14). Fue programador del
Bafici de 2005 a 2007, y su director artístico entre 2008 y 2012.
Born in Buenos Aires in 1963, he studied communication at the UBA. He
co-directed I Don’t Know What Your Eyes Have Done to Me (Bafici ‘03)
with Lorena Muñoz, the documentary trilogy Ritos de frontera (2002) with
Alejo Taube and, by himself, The Color Out of Space. He was a programmer at Bafici between 2005 and 2007, and its artistic director between
2008 and 2012.
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Argentina, 2016 / 62’ / DCP / Color & B&N / Español - Spanish
D, G, P: Sergio Wolf F: Fernando Lockett E: Hernán Rosselli
S: Emilio Iglesias M: Gabriel Chwojnik PE: Gabriel Kameniecki
I: Ada Falcón, Miguel Zavala, Edgardo Cozarinsky, Fernando Vega,
Sabrina Grinschpun CP: FUC, El Desencanto Film, MC Producciones SRL
Contacto / Contact
Sergio Wolf
T +54 9 11 5180 1553
E [email protected] ~ [email protected]

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PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

competencia oficial internacional

Girl Asleep
Chica dormida
Greta está por cumplir 15 años y no soporta dejar atrás su niñez. Pero después de su fiesta deberá encontrarse a sí misma
en un mundo incomprensible, erótico y un poco violento.

Greta is about to turn 15 and can’t bear to leave her childhood
behind. But after her party, she will have to find herself in an
incomprehensible, erotic, somewhat violent world.

Cambiarse de escuela, hacer amigos (y enemigos) nuevos,
despertar al sexo, seguir teniendo la misma familia típicamente
disfuncional de siempre: temores y temblores comunes entre las
chicas de 14 años de aquí y de allá, y también de la colorida
Australia setentosa que inventa Rosemary Myers. Pocas óperas
primas tienen tanta confianza en sus recursos como Girl Asleep,
y menos todavía tantos fundamentos para esa confianza. Actores (y sobre todo actrices) en estado de gracia, coreografías
multitudinarias, gags, persecuciones trepidantes, surrealismo,
erotismo, la Alicia de Carroll y las criaturas de Donde viven los
monstruos son algunos de los ingredientes que le dan forma, milagrosamente delicada y sutilmente profunda, al coming of age
más extraordinario que van a ver este año. Agustín Masaedo

Changing schools, making new friends (and enemies), waking
up to sex, retaining the same old typically dysfunctional family:
fears and tremors common between 14-year-old girls here and
there, and also those from the colorful ‘70s Australia invented by
Rosemary Myers. Few first features have as much confidence in
its resources as Girls Asleep, and fewer still have as much basis
for that confidence. Actors (and, above all, actresses) in a state
of grace, multitudinous choreographies, gags, frantic chases,
surrealism, eroticism, Carroll’s Alice and the creatures from
Where the Wild Things Are are just some of the ingredients that
give a miraculously delicate and subtly deep shape to the most
extraordinary coming-of-age you’ll see this year. AM

Rosemary Myers

Australia, 2015 / 77’ / DCP / Color / Inglés - English

Es la directora artística de Windmill Theatre, una galardonada compañía
de artes escénicas con sede en Adelaide, en el sur de Australia. Sus
créditos como directora para la compañía incluyen Pinocchio y The
Wizard of Oz.
She’s the artistic director of Windmill Theatre, an award winning theater
company based in Adelaide, South Australia. Her director credits for the
company include Pinocchio and The Wizard of Oz.

D: Rosemary Myers G: Matthew Whittet F: Andrew Commis
E: Karryn De Cinque DA: Jonathan Oxlade S: Pete Best
M: Harry Covill P: Jo Dyers PE: Teena Munn CP: Soft Tread
Enterprises, Windmill Theatre Company I: Bethany Whitmore,
Harrison Feldman, Matthew Whittet, Amber McMahon, Eamon Farren
Contacto / Contact
Artscope. Sata Cissokho
T +33 153 349 020
E [email protected]
W memento-films.com ~ girlasleepfilm.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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PREMIERE INTERNACIONAL / INTERNATIONAL PREMIERE

international official competition

Paradise! Paradise!
Paradies! Paradies!
¡Paraíso! ¡Paraíso!
En 1991, Kurdwin y sus padres se vieron obligados a huir de
Irak. Años después, su padre enfermo decide ir a visitar a sus
parientes a la ciudad de Dohuk para comprar una propiedad
allí. Su hija lo acompaña, cámara en mano, mientras visitan
agentes inmobiliarios y soldados en zona de guerra.

In 1991, Kurdwin and his parents were forced to flee from Iraq.
Years later, his sick father decides to visit relatives in the city
of Dohuk in order to buy a property there. His daughter comes
along, carrying a camera, while they visit real estate agents
and soldiers in a war zone.

Kurdwin Ayub registra la intimidad de un viaje junto a su padre.
Visitas a la familia se alternan con paseos inmobiliarios en los
que se busca el departamento ideal: la voluntad de su padre,
que ya está planeando un retiro, es encontrar un lugar para finalmente regresar a ese territorio sin Estado que orgullosamente llama “patria”. Mientras se suceden los juegos entre niños,
los bailes y las comidas en familia, el fantasma de una guerra
sin pausa pareciera filtrarse por debajo de la puerta. Los atractivos turísticos en los que posan para una foto incluyen, casi
como accidentes geográficos, los huecos que dejan las bombas
al abrir el pavimento; como si a cada paso se fuese abriendo
la tierra, el tour deviene en una imagen en la trinchera, tan real
como las sesiones entre niños que juegan a víctimas, justicieros
y verdugos, mientras la música suena fuerte y la cámara no deja
de grabar. Magdalena Arau

Kurdwin Ayub captures the intimacy of a trip she made with her
father. Family visits alternate with real estate tours searching for
an ideal apartment: her father’s will, as he’s planning to retire,
is to find a place so he can finally return to that stateless territory he proudly calls “homeland”. The ghost of an endless war
seems to slip through under the door, amidst child play, dances,
and family meals. The touristic attractions where they pose for
photos include the holes left by gravel-breaking bombs, almost
like geographic accidents. As if the earth opened up on each
step of the way, the tour becomes a trench image as real as
the game sessions where kids play and pretend to be victims,
avengers, and murderers, while the music blasts and the camera keeps recording. MA

Kurdwin Ayub
Nació en Irak y se crió en Viena. Dirigió alrededor de una docena de
cortos, exhibidos en el programa que le dedicó el Bafici ‘13.
She was born in Iraq and was raised in Vienna. She directed around a
dozen short films that were screened in the short film program Bafici ‘13
dedicated to his work.

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Austria, 2016 / 78’ / DCP / Color / Alemán - Inglés - Kurdo Árabe / German - English - Kurdish - Arabic
D, G, F, DA: Kurdwin Ayub E: Nooran Talebi S: Rudolf Potoschnig
P: Rudolf Takacs, Lixi Frank PE: Lixi Frank, Rudolf Takacs
CP: Rudolf Takacs & Rudolf Frank I: Kurdwin Ayub, Omar Ayub
Contacto / Contact
sixpackfilm. Dietmar Schwarzer
T +43 1 526 0990
E [email protected]
W sixpackfilm.com

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

competencia oficial internacional

Je me tue à le dire
Death by Death
Me mato diciéndolo
Este film explora la compleja relación entre una madre y su
hijo hipocondríaco, que se preocupa cada vez más por su salud. Cuando a ella le diagnostican cáncer, sus vidas se convierten en una carrera para ver quién morirá primero.

The film explores the complex relationship between a mother and a hypochondriac son increasingly worried about his
health. When she’s diagnosed with cancer, their lives become
a race to see who will die first.

Comedia negra y en blanco y negro, Je me tue à le dire está
muy lejos de usar esas características como atajo fácil y como
destino limitado. Los negros y los grises son su fondo de cocción para desarrollar una película en la que los personajes importan, son seres sufrientes y gozantes. Humanos hiperbólicos
que en sus intensidades, sus exageraciones y sus hipocondrías
–el protagonista es una caja de resonancia peluda de estos
temores– juegan sus relaciones: las de pareja y –aquí central
y emocionante– la de madre e hijo. Je me tue à le dire acierta
donde muchas otras películas con puntos de partida similares
se resquebrajan: la sorprendente ópera prima de Xavier Seron
combina el humor con la absurdidad, no anula ni se distancia
de las emociones, y se constituye como una singular comedia
negra sentimental. Javier Porta Fouz

A black comedy in black and white, Je me tue à le dire is far
from being the kind of film that uses those features as shortcuts
or a restricted goal. The black and gray tones are its melting
pot for developing a film in which characters matter. They are
people who can suffer and enjoy, hyperbolic humans whose intensities, exaggerations, and hypochondriac natures –the main
character is a hairy sounding board for those kinds of fears–
stake their relationships: their love affairs and –most especially
and movingly– their mother-daughter connections. Death by
Death gets it right where most films with similar starting points
break down: Xavier Seron’s surprising first film combines humor
with absurdity without cancelling or detaching itself from emotions, and stands as a unique sentimental black comedy. JPF

Xavier Seron
Después de estudiar derecho, ingresó en el Instituto de Radiodifusión
y Artes en 2001. En 2005, Nada insoluble, su película de graduación,
fue premiada en numerosas ocasiones y seleccionada en el Festival
de Cine de Venecia.
In 2001, and after studying law, he got into the Artes Broadcasting Institute. In 2005, Nada insoluble, his thesis film, won a number of awards
and was selected for the Venice Film Festival.

Bélgica / Francia - Belgium / France, 2016 / 90’ / DCP / B&N /
Francés - French
D: Xavier Seron P: Olivier Dubois CP: Novak Production
I: Jean-Jacques Rausin, Myriam Boye
Contacto / Contact
Stray Dogs. Nathan Fischer
T +33 65994 1284
E [email protected]

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33

international official competition

O espelho
The Mirror
El espejo
Por un llamado misterioso, un hombre es impulsado a entrar
en una quinta abandonada. El encuentro con una mujer desata
una inquietante experiencia en la que los recuerdos y los sueños parecen exhibir un poder narcótico. Basada en el cuento
anónimo de Machado de Assis.

Due to a mysterious phone call, a man is forced to enter an
abandoned country house. His encounter with a woman paves
the way for a disturbing experience in which memories and
dreams seem to display a narcotic kind of power. Based on the
story by Machado de Assis.

La película de Lima parece tallar imágenes que provienen del
sueño, o de una vigilia que se comporta como si no lo fuera.
Los actores parecen en trance. Los planos son de una belleza evidente y de una pertinencia que solo responde a los
términos que esta película formidable ha establecido para sí;
recuerdan un estado del cine en el que todo está aún por
hacerse. Un hombre que sigue a una mujer puede servir como
comienzo de cualquier historia –como el trazo al azar del “érase una vez”–. Con eso Lima sugiere el inicio de todas las
historias, para luego ofrecerle al espectador la incertidumbre
acerca del estatuto de lo narrado. La irrupción de material en
Super 8 enrarece la película, se invierten los roles, lo cotidiano
se vuelve extraño. O espelho devuelve imágenes de una perplejidad suprema. David Obarrio

Lima’s film seems to carve images originated in dreams, or in
a state of being awake that behaves as if it wasn’t so. Actors
seem to be in a trance. The shots are clearly beautiful and pertinent within the terms as this formidable film has established
for itself –they remind us of a state of cinema where everything
is yet to be invented. A man following a woman can serve as a
beginning for every story, like the randomly brushed “Once upon
a time”, Lima suggests with that the origin of every story, and
then offers to the viewers the uncertainty regarding the nature
of what is narrated. The irruption of Super 8 footage rarifies the
film, as roles get inverted, and everyday life becomes a strange
thing. The Mirror reflects images of supreme perplexity. DO

Rodrigo Lima
Nació en Río de Janeiro en 1975 y se graduó como periodista. Comenzó su carrera como editor trabajando en films de Júlio Bressane como
Cleopatra (2007) y Educación sentimental (2013). Dirigió el cortometraje
Para Eva (2009). O espelho es su primer largometraje como realizador.
He was born in Rio de Janeiro in 1975 and graduated as a journalist.
He started his career as an editor working in Júlio Bressane film, like
Cleopatra (2007) and Sentimental Education. He directed the short Para
Eva (2009). The Mirror is his first feature as a director.

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Brasil - Brazil, 2015 / 65’ / DCP / Color
Portugués - Portuguese
D, G, E: Rodrigo Lima F: Pablo Hoffmann
DA: Elaine Soares de Azevedo S: Damião Lopes M: Guilherme Vaz
P: Julio Bressane, Bruno Safadi PE: Fernanda Romero, Jura Capela
CP: TB Produções I: Ana Abbott, Augusto Madeira
Contacto / Contact
TB Produções. Bruno Safadi
T +55 21 988 618 880
E [email protected]

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

competencia oficial internacional

The People Garden
El jardín de las personas
Protagonizada por las hermosas Dree Hemingway y Pamela
Anderson, esta película cuenta la historia de Sweetpea, una
actriz que viaja a Japón para reencontrarse con su novio rockero. Cuando llega se entera de que él ha desaparecido mientras filmaba un videoclip en un misterioso bosque japonés.

A film starring the beautiful Dree Hemingway and Pamela Anderson that tells the story of Sweetpea, an actress who travels
to Japan to reunite with her rocker boyfriend. At her arrival,
she learns he has disappeared while shooting a music video in
a mysterious Japanese forest.

Sweetpea llega a Japón para encontrarse con su novio, un
rockstar tan hermoso como ella. Lo espera en el aeropuerto,
pero él nunca llega, y tampoco contesta sus llamadas. En su
reemplazo está Mak, quien parece haber sido enviado para hacer de chofer. La conduce hasta la entrada del bosque en el que
supuestamente van a encontrarse, con una cinta y un par de
indicaciones como única guía. Una vez allí, la película avanza
mientras Sweetpea, a tientas, trata de entender qué es lo que
pasa. Hombres misteriosos que ofician de guardaparques, personas que desaparecen sin dejar huella, caminatas entre paisajes imponentes, una mujer fatal que solo alimenta sospechas:
todo gravita en torno al rodaje del videoclip del artista perdido,
que parece seguir en marcha como si no hubiera otra opción
posible. Magdalena Arau

Sweetpea arrives in Japan to meet her boyfriend, a rockstar
as beautiful as she is. She waits for him at the airport but he
doesn’t show up or answers her calls. His replacement is Mak,
who appears to have been sent there as a driver. He takes her
up to the entrance of the woods in which they will supposedly
meet, with only a ribbon and a couple of directions as reference. Once there, the film moves forward as Sweetpea blindly
tries to understand what’s going on. Mysterious men working
as park rangers, people disappearing without a trace, walking
tours through stunning landscapes, a femme fatale who looks
nothing but suspicious: everything revolves around the shoot of
a music video of the lost artist, who appears to keep going as if
he didn’t have a choice. MA

Nadia Litz
Nació en Canadá en 1976. Estudió cine en la Universidad de Nueva York
y trabajó como actriz en varios largometrajes y series de televisión.
She was born in Canada in 1976. She studied filmmaking at the University of New York and worked as an actress in several films and TV series.

Canadá - Canada, 2016 / 80’ / DCP / Color
Inglés / Japonés - English / Japanese
D, G: Nadia Litz F: Catherine Lutes E: Simon Ennis DA: Zosia
Mackenzie S: Claudia Pinto M: Dirty Bitches P: Daniel Bekerman,
Coral Aiken, Jonathan Bronfman PE: Emily Alden, David Joseph Anselmo,
Mark Gingras, Ethan Lazar, Heidi Levitt, Lon Molnar CP: Scythia Films,
Aiken Heart Films, JoBro Productions I: Dree Hemingway, Jai West,
Pamela Anderson, James Le Gros, François Arnaud
Contacto / Contact
Scythia Films. Daniel Bekerman. T +1 416 897 5211
E [email protected] W scythiafilms.com

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PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

international official competition

Communication & Lies
So-tong-gwa geo-jit-mal
Comunicación y mentiras
Un hombre y una mujer con su ego herido emprenden un viaje
juntos, pero al poco tiempo ella decide regresar a Seúl. Unos
días más tarde, el hombre va a visitarla a su oficina y descubre
que ella ya no trabaja allí.

A man and a woman with a case of low self-esteem embark on
a trip together, but shortly after, she decides to return to Seoul.
A few days later, the man visits her in her office and discovers
she no longer works there.

No descubrimos la pólvora si afirmamos que el universo paralelo de los festivales de cine ha entrado en un proceso de autocomplacencia en el que las obras maestras se anuncian como
tales casi desde el primer día de filmación. En ese contexto
es una gran noticia encontrarse con una disonancia hermosa
como la ópera prima de Lee Seung-won, un film de amour fou
con todos los ingredientes necesarios y en dosis siempre excesivas: muerte, destrucción, deseo, traumas, mentiras, locura,
sumisión, a lo que se suma una pareja protagónica en estado de
gracia. Melodrama arrebatador y autodestructivo, Communication and Lies es un film con tripas de los que alejan consensos;
un animal furioso e indomable que nos habla de dos barcos
en llamas que se cruzan en la noche, espectáculo tan sublime
como condenado al naufragio. Fran Gayo

We’re not really inventing the wheel if we say the parallel universe of film festivals has entered a self-compliance process
where masterpieces are announced as such even on their very
first day of shooting. In that context, it’s big news that we’ve
found such a beautiful dissonance as Lee Seung-won’s debut
film, an amour fou film with all the necessary ingredients in constantly excessive amounts: death, destruction, desire, trauma,
lies, madness, submission, and a leading couple in a state of
grace. A breathtaking, destructive melodrama, Communication
and Lies is a gutsy film, one that stays away from consensus.
It’s a furious untamed animal that talks to us about two flaming
ships crossing each other in the night –a spectacle as sublime
as it is doomed to shipwreck. FG

Lee Seung-won
Dirigió varias obras de teatro y musicales. Este es su debut como realizador cinematográfico.
He directed many plays and musicals. This is his debut as a filmmaker.

Corea del Sur - South Korea, 2015 / 103’ / DCP / B&N
Coreano - Korean
D, G: Lee Seung-won F: Ji Seung-woo E: Choi Yong-woon
S: Ki Seung-pil, Lee Jong-ho P: Kim Sang-su PE: Kim Sang-su
CP: Surplus Project I: Jang Sun, Kim Kwon-hoo, Kim Sun-young
Contacto / Contact
M-Line Distribution. Mathilda Lee
T +82 2796 2427
E [email protected]
W mline-distribution.com

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[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

competencia oficial internacional

In the Last Days of the City
Akher ayam el medina
En los últimos días de la ciudad
En el centro de El Cairo en 2009, Khalid lucha para realizar una
película que capture el alma de su ciudad mientras encara la
pérdida de su propia vida. Junto a sus amigos, que le envían
imágenes de sus vidas en Beirut, Bagdad y Berlín se enfrenta
una región al borde del abismo filmando la dificultad y la belleza
de la vida.

Downtown Cairo, 2009. Khalid is struggling to make a film that
captures the soul of his city while facing loss of his own life.
Together with his friends, who send him footage from their
lives in Beirut, Baghdad and Berlin, he confronts a region on
edge through filming the difficulty and beauty of life.

La búsqueda de un departamento con techos altos, el encuentro con la mujer amada antes de que se vaya para siempre, las
visitas al hospital donde descansa mamá, el abrazo al amigo
que vuelve a Beirut o Bagdad o Berlín: todas formas del adiós
para Khalid, fragmentos de la despedida a una ciudad que pronto será otra, irreconocible y ajena. El Cairo, en ese invierno de
2009, está a punto de estallar aunque nadie lo sepa todavía;
aunque la agitación callejera tenga más que ver con partidos de
fútbol y demoliciones de edificios que con el descontento social
que llevará a la Plaza Tahrir. El malestar, en todo caso, toma la
forma de la incertidumbre, de una rara nostalgia del futuro y la
melancolía de comprobar que las ciudades, como las personas,
cambian pero siguen siendo las mismas. Agustín Masaedo

The search for an apartment with high ceilings; a meeting with
the woman he loves right before she leaves forever; visits to a
hospital where his mom is resting; a hug with a friend who is
returning from Beirut, or Bagdad, or Berlin: for Khalid, these are
all forms of goodbye, fragments of his farewell to a city that will
soon change and become unrecognizable, and strange. In the
winter of 2009, Cairo is about to explode even if no one knows
it yet; even if the street riots are more connected with soccer
matches and building demolitions than the social unrest that
will lead to Tahrir Square. The unease, in any case, will take the
shape of uncertainty, a weird nostalgia for the future, and the
melancholy of realizing that cities, like people, change and yet
remain the same. AM

Tamer El Said
Nació en El Cairo, Egipto, en 1972, y en 2007 fundó la productora Zero
Production. Escribió, produjo y dirigió varios cortos y el largometraje
documental Take Me (2004).
He was born in Cairo, Egypt, in 1972, and founded the production
company Zero Production in 2007. He wrote, produced and directed
several short films, as well as the documentary feature Take Me (2004).

Egipto - Egypt, 2016 / 118’ / DCP / Color
Árabe - Arabic
D: Tamer El Said G: Tamer El Said, Rasha Salti F: Bassem Fayad
E: Mohamed Abdel Gawad DA: Salah Marei S: Victor Bresse
M: Amélie Legrand P: Tamer El Said, Khalid Abdalla
CP: Zero Production I: Khalid Abdalla, Laila Samy, Hanan Youssef,
Maryam Saleh, Hayder Helo
Contacto / Contact
Still Moving. Pierre Menahem
T +33 6 6208 8179 E [email protected]
W stillmoving.fr ~ lastdaysofthecity.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

37

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

fuera de competencia - out of competition

international official competition

Oleg y las raras artes
Oleg and the Rare Arts
Incursión en el universo personal, mental y creativo de un
artista único que, a sus 89 años, continúa siendo una figura
enigmática para la cultura no solo rusa, sino de todo el mundo.

A foray into the personal, mental and creative universe of a
unique artist who, at 89, continues being not only an enigmatic
figure for Russian culture, but also for culture in general.

“En los momentos en que el reino de lo humano me parece
condenado a la pesadez, pienso que debería volar como Perseo a otro espacio”. Así enuncia Calvino su propuesta por la
levedad, y pareciera a la vez definir el territorio de esta película,
que abraza en sus formas a los palacios y a los bosques, a las
raras artes de Oleg, hechas de música y palabras, de sentidos
nuevos y movimientos de aire. La cámara lo sigue por un parque. Oleg pide que encuadren un tronco talado para que pueda
verse cómo supo ser su árbol; insiste con la certeza de que,
conjurando lo imposible, el árbol volverá a la vida. Rara magia la
de esta película: afirmación de un mundo que la cámara recorre
con la misma levedad con que Oleg camina, con sus brazos
cruzados, mirando a los viejos amigos de un tiempo presente y
pasado. Magdalena Arau

“When the kingdom of human seems doomed to heaviness,
I think I should fly like Perseus to a different space.” This is
how Calvino enunciates his advocacy for levity, while appears
to be defining the territory of this film, whose form embraces
palaces and forests, and Oleg’s strange art, made of music and
words, new feelings and air movements. The camera follows
him through a park. Oleg asks the camera to frame a chopped
down log so we can see the way his tree used to be –he insists
with certainty that the tree will start living again by conjuring the
impossible. A strange magic is present in this film: the affirmation of a world covered by the camera with the same lightness
Oleg uses to walk, with his arms crossed and looking at his old
friends from a present and past time. MA

Andrés Duque
Nacido en Venezuela en 1972, vive y trabaja en Barcelona, España. Es
licenciado en Periodismo, realizó un máster en Documental Creativo y
dirigió, entre otras, Iván Z (2005), Paralelo 10 (2005), y Color perro que
huye (2011).
Born in Venezuela in 1972, he lives and works in Barcelona, Spain. He
has a degree in journalism, did a Master’s in Creative Documentary Filmmaking and directed Iván Z (2005), Paralelo 10 (2005), and Color perro
que huye (2011).

38

España - Spain, 2016 / 67’ / DCP / Color / Ruso - Russian
D, G: Andrés Duque F: Carmen Torres E: Félix Duque
S: Boris Alexseev M, I: Oleg Karavaichuk P: Marta Andreu, Tània Balló,
Serrana Torres, Luís Miñarro PE: Marta Andreu, Tània Balló,
Serrana Torres CP: Intropía Media, Estudi Playtime
Contacto / Contact
Intropía Media, Estudi Playtime. Tània Balló,
Serrana Torres, Marta Andreu
T +34 637 925 405
E [email protected] ~ [email protected]
W intropiamedia.com ~ playtime.cat

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

competencia oficial internacional

Verengo
En una grabación familiar de hace casi 25 años, un niño juega
con la cámara de su padre. Ya adulto, vuelve al lugar de los
hechos para reflexionar sobre el efecto del paso de los años,
en un espacio en el que el tiempo parece detenido. El ciclo de
la vida visto por su protagonista y espectador.

In a 25 years-old home video, a kid insistently asks his dad
if he can play with the camera. Once an adult, he returns to
that place to reflect on how all those years that passed have
affected a place where time seems to have come to a halt. The
cycle of life as seen by its protagonist and spectator.

Todas las películas tienen (o deberían tener) un disparador. Tras
un tiempo de haber estado viviendo alejado de su tierra, Víctor
Hugo Seoane vuelve a casa y recibe de su padre un VHS en el
que están registrados varios años de la vida de su familia. Ese
momento, suerte de transmisión oral entre padre e hijo, pone en
marcha un film de clara vocación sensual en el que la sonoridad
de los diálogos, el olor del incienso en la iglesia o las manos de
quien cocina son dotados de una importancia inusitada. A partir
de su propia familia, a partir de los rostros de sus mayores,
de las celebraciones y rituales en los que todos llevan décadas participando, Seoane logra en Verengo reconstruir (quizás
deberíamos decir inventar) un mundo en el que refugiarse del
implacable paso del tiempo. Fran Gayo

Every film has (or should have) a trigger. After some time living
away from his homeland, Víctor Hugo Seoane returns home
and receives from his father a VHS containing several years
of his family life recorded. Sort of an oral transmission from
father to son, that precise moment sets off a film with a clear
sensual drive in which the sound of dialogues, the smell of
incense in a church, or the hands of a person cooking carry
an unexpected importance. Through his own family, the faces
of the elderly, the celebrations and rituals they engage in year
every year, Seoane’s Verengo manages to reconstruct (maybe
invent is a better term) a world in which one can take shelter
from the relentless passage of time. FG

Víctor Hugo Seoane
Nació en Vigo, España, en 1982. Es licenciado en Comunicación Audiovisual y Humanidades. Realizó los cortometrajes Na distancia (2008), El
vaivén (2019), O tempo dos nenos (2010) y Do voltar (2014).
He was born in Vigo, Spain, in 1982. He majored in Audiovisual Communication and Humanities. He directed the short films Na distancia (2008),
El vaivén (2019), O tempo dos nenos (2010) and Do voltar (2014).

España - Spain, 2015 / 60’ / DCP / Color & B&N
Gallego / Español - Galician / Spanish
D, G, F, E, S, P: Víctor Hugo Seoane PE: Isabel Seoane,
Jaione Camborda, Iván Marcos CP: Grupo de Creación Vaivén,
Esnatu Cinema I: Avelino Seoane, Josefa Eiró
Contacto / Contact
Víctor Hugo Seoane
T +34 616 580 803
E [email protected]

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

international official competition

Creative Control
Control creativo
Un inventor crea un par de anteojos de realidad aumentada, que
utiliza para engendrar un avatar de la novia de su mejor amigo.
Naturalmente, su fantasía tecnológica se vuelve contra él.

An inventor creates a pair of augmented reality glasses, which
he uses to build an avatar of his best friend’s girlfriend. Naturally, her technological fantasy turns against him.

Creative Control es una comedia ácida, de rasgos tenazmente
marcianos, con hipsters como protagonistas filmados en blanco
y negro y con una inesperada carga melancólica que parece
escandirse con todo el amor del mundo sobre sus espaldas.
La película se da el lujo de no tener prácticamente seres agradables en sus filas (menos entre los hombres); sin embargo, al
tiempo que se convierten en monstruos más o menos atemorizantes delante del espectador, todos parecen perdidos, destinados sin remedio a la ruina o a la alienación desde el primer
minuto. En la conciencia acerca de la catástrofe que acecha a
los personajes, en la gracia trágica de su derrumbe, se juega
una porción importante de la piedad matizada en medio de la
ironía malévola que parece asomar en cada escena de esta película distinguida y feroz. David Obarrio

Creative Control is an acid comedy with rough martian features,
hipsters as protagonists shot in black and white, and an unexpected melancholic charge that seems to be spread on it with
all the love in the world. The film even takes the liberty to feature no likeable characters at all (especially among the men).
However, as they turn into somewhat scary monsters before the
viewers’ eyes, they also seem lost, hopelessly destined for ruin
or alienation from the very first minute. The awareness of the
catastrophe luring on the characters, and the tragic grace of its
collapse, puts into play an important portion of the nuanced pity
amidst an evil irony, which seems to breathe in every scene of
this distinguished and ferocious film. DO

Benjamin Dickinson
Debutó como director con el largometraje First Winter (2012), y luego
dirigió el corto Super Sleuths (2014).
He made his directorial debut with the feature First Winter (2012), and
then directed the short Super Sleuths (2014).

Estados Unidos - US, 2016 / 97’ / DCP / B&N / Inglés - English
D: Benjamin Dickinson G: Benjamin Dickinson, Micah Bloomberg
F: Adam Newport-Berra E: Megan Brooks, Andrew Hasse
DA: John Furgason S: Paul Hsu M: Dražen Bošnjak P: Craig Shilowich,
Melody C. Roscher, Mark De Pace, Zachary Mortensen
PE: Cameron Brodie, Greg Steward, Emily Wiedemann CP: Ghot Robot
I: Benjamin Dickinson, Nora Zehetner, Dan Gill, Alexia Rasmussen
Contacto / Contact
Coproduction Office
T +33 15 602 6000
E [email protected] W coproductionoffice.eu

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[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

competencia oficial internacional

Le Nouveau
The New Kid
El nuevo
Benoît es un chico de catorce años que abandona el campo
para instalarse en París. Debe empezar desde cero en una
nueva escuela, hacer nuevas amistades y, de la mano de una
compañera sueca, descubrir el primer amor y las borracheras
con cerveza sin alcohol.

Benoît is a 14 year-old boy who leaves the countryside and
moves to Paris. He has to start from scratch in a new school,
make new friends, and –together with an Swedish schoolmate– find his first love and get drunk with non-alcoholic beer.

Pocos momentos de la existencia humana han despertado una
fascinación tan particular entre cineastas y guionistas como la
adolescencia. De Jean Eustache a Judd Apatow, pasando por
Louis Malle, Maurice Pialat o John Hughes, el cine ha intentado
descifrar hasta el último signo de la pubertad como si fuese
un mapa jeroglífico de nuestro propio devenir. Rudi Rosenberg
se suma a esta ilustre nómina, aunque sabe que el objetivo
de Le Nouveau no pasa por reinventar la historia del cine. Le
basta con haber dado forma a un film que no es más que una
luminosa fiesta de quince en la que, sin complejos, se celebran
cosas tan festejables como los cosquilleos del primer amor o
la incipiente amistad entre varones. Un film que muestra hacia
sus personajes un cariño y una lealtad que, en el fondo, lo son
también hacia el espectador. Fran Gayo

Few moments in human existence have fascinated filmmakers
and scriptwriters as adolescence. From Jean Eustache to Judd
Apatow, including Louis Malle, Maurice Pialat, or John Hughes,
cinema has tried to decrypt every symbol of puberty, as if it was
a hieroglyphic map of our own evolution. Rudi Rosenberg joins
this illustrious list, although he knows the goal of The New Kid
is not to reinvent film history. He does enough by shaping a film
that stands as a luminous, simple sweet sixteenth party that
celebrates positive things such as the tinglings of a first love or
the incipient friendship between boys. This is a film that shows
love and loyalty towards its characters, and deep down, also to
the audience. FG

Rudi Rosenberg
Nació en Francia en 1979. Trabajó como actor en numerosos largometrajes y dirigió los cortos 3 ans (2008) y Aglaée (2010).
He was born in France in 1979. He worked as an actor in several films
and directed the short films 3 ans (2008) and Aglaée (2010).

Francia - France, 2015 / 81’ / DCP / Color
Francés - French
D, G: Rudi Rosenberg F: Nicolas Loir E: Julie Lena
DA: Sebastien Meunier S: Arnaud Lavaleix M: Jonathan Morali
P: Mathias Rubin PE: Eric Zaouali CP: Récifilms, Cinefrance,
D8 Films, Mars Films I: Raphael Ghrenassia, Johanna Lindstedt,
Géraldine Martineau, Guillaume Cloud Rpussel
Contacto / Contact
Indie Sales Company. Martin Gondre
T +33 144 830 227 E [email protected]
W indiesales.eu/the-new-kid

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41

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

international official competition

A Magical Substance Flows into Me
Una sustancia mágica fluye hacia mí
Con una cruza de ficción y documental, Manna explora las
diferentes tradiciones musicales de las comunidades que
viven en Jerusalén y sus alrededores, a partir de la figura
del especialista judío alemán Robert Lachman y su trabajo
en Palestina.

Crossing documentary and fiction, Manna explores the different musical traditions of the communities that live in and
around Jerusalem with Jewish-German specialist Robert
Lachman and his work in Palestine as a kick-off point.

En los años treinta, el musicólogo Robert Lachmann afirmó a
través de su programa de radio que las fronteras entre la música árabe y judía son artificiales. Ocho décadas después, Jumana Manna recupera algunas de las grabaciones de campo que
Lachmann usaba en su programa y visita con ellas a intérpretes
de diferentes tribus y creencias: kurdos, marroquíes, samaritanos o beduinos que cruzan las reinterpretaciones de esas piezas con sus propios testimonios. El resultado –una emocionante
y vital reflexión sobre la idea del hogar, de su pérdida, pero
también de su utilidad como refugio contra la realidad– tiene
además algo de regreso a un estado edénico, a un momento
histórico que pervive más allá de las palabras de los estadistas,
en los melismas de una canción transmitida de generación en
generación. Fran Gayo

Back in the ‘30s, musicologist Robert Lachmann vindicated
through his radio show the fact that the borders between Arab
and Jewish music are artificial. Eight decades later, Jumana
Manna retrieves some of the field recordings Lachmann used
in his show, presenting them to musicians from different tribes
and religions: Kurdish, Moroccans, Samaritans, and Bedouins,
who reinterpret the pieces and also add their own testimonies.
The result is a moving and vital reflection on the notion of home,
its loss, and also its use as a refuge against reality. There’s also
a kind of return to a paradise-like state, a historical moment that
transcends the words of statesmen, in the melisma of a song
that was passed on through generations. FG

Jumana Manna
Nacida en Estados Unidos en 1987, es de origen palestino y vive en
Berlín. Se graduó de CalArts, la Academia Nacional de Artes de Oslo y
la Academia Bezalel de Arte y Diseño de Jerusalén. Sus trabajos fueron
exhibidos en el Tate Modern de Londres, el Sculpture Center de Nueva
York y el Kunstlerhaus Bethanien de Berlín.
Born in the US in 1987, she is of Palestine origin and is established in
Berlín. A graduate from CalArts, the Oslo National Academy of the Arts
and Jerusalem’s Bezalel Academy of Arts and Design, her works have
been shown at London’s Tate Modern, New Work’s Sculpture Center and
Berlin’s Kunstlerhau Bethanien.

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Territorios Palestinos / Alemania / Reino Unido / Suecia / Australia
Palestine Territories / Germany / UK / Swedeen / Australia
2016 / 68’ / DCP / Color
Árabe / Hebreo / Inglés - Arabic / Hebrew / English
D, G, DA, P: Jumana Manna F: Daniel Kedem E: Katrin Ebersohn,
Jumana Manna S: Jochen Jezussek PE: Polly Staple I: Adel Manna,
Aziza Manna, Aharon Amram, Liron Amram, Wasif Tawfiq Cahen
Contacto / Contact
Jumana Manna
T +49 15 2596 29550
E [email protected] W jumanamanna.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

competencia oficial internacional

Rosa Chumbe
La rutina de Rosa Chumbe se verá alterada cuando su hija de
18 años le robe sus pocos ahorros y se vaya de la casa abandonando a su propio hijo. Este incidente hará que Rosa siga los
pasos del Señor de Los Milagros, mientras se pierde entre el
humo de incienso y el fervor de la procesión.

The routine of Rosa Chumbe will be altered when her 18-yearold daughter steels the few savings she had and leaves the
house, abandoning her son. This incident will lead Rosa to follow the steps of the Lord of Miracles, while getting lost amidst
incense smoke and the fervor of procession.

Lejos del trajinado formato de pocos temas, pocos tonos, pocas
peripecias, poco margen de error, Jonatan Relayze Chiang hace
una apuesta temeraria para el cine independiente latinoamericano. Rosa Chumbe no es atractiva, no trabaja bien, no se
lleva bien con casi nadie: sobrevive a los tumbos, no cuida de
los demás. Cargada de misticismo, o con un resto atávico de
devoción, carga con la maldad de bajo vuelo del resentimiento y
con la piel endurecida ante una realidad que parece disolverse
entre alcohol, frustraciones y comida de colores. La ciudad de
Lima, filmada con una mirada cruda, pero apasionada y con
neones reminiscentes de Wong Kar-wai, es el marco de esta
combinación de comedia negra, tragedias urbanas y posibilidades de redención. Sus asperezas son parte de su andar, de su
riesgo, de su particularidad, de su manera osada de ser cine.
Javier Porta Fouz

Far from the over-used format of few themes, few tones, few
incidents, and a small margin of error, Jonatan Relayze Chiang makes a brave bet for Latin American independent cinema.
Rosa Chumbe is not an attractive woman, she doesn’t work well,
and gets along with almost no one: she bumps along through
life, without taking care of others. Charged with mysticism, or
an atavistic remain of devotion, she carries the low fi evilness of
resentment and a skin hardened by a reality that seems to dissolve in alcohol, frustration, and colorful food. This combination
of black comedy, urban tragedy, and redemption story is framed
by the city of Lima, captured with a raw yet passionate eye with
neon lights reminiscent of Wong Kar-wai. The film’s rough edges
are part of its nature, its risk-taking attitude, its uniqueness, and
its bold way of making cinema. JPF

Jonatan Relayze Chiang
Nació en Lima en 1981. Ha realizado una docena de cortometrajes en
16mm y en video. Trabajó en distintas áreas en varios largometrajes
peruanos y como editor de televisión para Discovery Channel.
He was born in Lima in 1981. He directed a dozen short films in 16mm
and video. He worked in different departments for several Peruvian films,
and as an editor for Discovery Channel.

Perú - Peru, 2015 / 72’ / DCP / Color
Español - Spanish
D, E: Jonatan Relayze Chiang G: Jonatan Relayze Chiang,
Christopher Vasquez F: Miguel Valencia DA: Aaron Rojas
S: Rosa María Oliart P: Eliana Illescas PE: Eliana Illescas
CP: Yin Zhang Films I: Liliana Trujillo, Cindy Díaz, Alejandro Romero
Contacto / Contact
Yin Zhang Films. Jonatan Relayze Chiang
T +34 912 920 081
E [email protected]
W rosachumbe.com

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international official competition

John From
Rita tiene 15 años y pasa el verano entre cálidas tardes de
amor adolescente y noches de fiesta junto a su amiga Sara.
Desde Portugal hasta el Pacífico Sur, los placeres de esta rutina darán un giro cuando la joven visite la exposición de un
nuevo vecino en el centro de la comunidad local.

Rita is 15 and spends the summer between warm afternoons
of teenage love and party nights with her friend Sara. From
Portugal to the South Pacific, the pleasures of this routine will
take a turn when the young girl visits the art show of a new
neighbor in the local community.

Nada de lo que nos ofrece esta película va por los carriles que
imaginamos ante el esqueleto argumental. João Nicolau despliega varias líneas que se van fortaleciendo en una singular sinergia: el seguimiento de Rita (encuadres y ángulos que realzan
la belleza fulgurante de Júlia Palha), la acumulación de pequeños gestos que descentran las acciones de los personajes (un
diálogo, una actitud de absurda elegancia, como ocurría en el
cine de João César Monteiro), y la introducción progresivamente
mayor de la fantasía en el mundo cotidiano. La excentricidad
de John From nos confirma que se pueden contar historias
conocidas y rarificarlas para hacerlas no accesibles sino encantadoras. Que sea un universo sin maldad y sin cinismo le
permite también, en una musicalización brillante, darle el mejor
uso posible a la lambada. Javier Porta Fouz

What this film offers has nothing to do with what we would
imagine from the plot outline. João Nicolau puts different storylines on display, which grow stronger in a unique synergy: the
follow-up Rita (framings and angles that highlight Júlia Palha’s
stunning beauty), the accumulation of small gestures that put
the characters’ actions off-center (a line of dialogue, an attitude
of absurd elegance, as in João César Monteiro’s films), and the
increasing insertion of fantasy in the everyday world. The eccentricity of John From confirms us that one can tell well-known
stories and rarefy them not to turn them into something inaccessible, but into something charming. The fact that its universe
lacks meanness and cynicism also allows it to make great use
of the Lambada through some brilliant musicalization. JPM

João Nicolau
Nació en Lisboa, Portugal, en 1975. Estudió antropología, y además es
director, actor, montajista y músico. Dirigió numerosos cortometrajes,
como Rapace (2006; Bafici ‘09), Song of Love and Health (2009), The
Gift of Tears (2012), Wild Haggis (2013) y un largometraje de ficción, The
Sword and the Rose (2010; Bafici ‘11).
He was born in Lisbon, Portugal, in 1975. He studied anthropology and is
also a director, actor, editor and musician. He directed several short films,
such as Rapace (2006; Bafici ‘09), Song of Love and Health (2009), The
Gift of Tears (2012), Wild Haggis (2013) and the feature-length fiction
The Sword and the Rose (2010; Bafici ‘11).

44

Portugal / Francia - Portugal / France, 2015 / 98’ / DCP / Color /
Portugués - Portuguese
D: João Nicolau G: João Nicolau, Mariana Ricardo F: Mário
Castanheira E: Alessandro Comodin, João Nicolau DA: Bruno Duarte
S: Miguel Martins M: João Lobo P: Luís Urbano, Sandro Aguilar
PE: Luís Urbano CP: O Som e a Fúria, Shellac Sud I: Júlia Palha,
Clara Riedenstein, Filipe Vargas, Leonor Silveira, Adriano Luz
Contacto / Contact
O Som e a Fúria. Luís Urbano
T +351 213 582 518
E [email protected] W osomeafuria.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

fuera de competencia - out of competition

competencia oficial internacional

Illegitimate
Ilegitim
Ilegítimo
Un comentario disparado en medio de un almuerzo desemboca en una severa discusión familiar que parece socavar la
confianza de los participantes de modo irreversible.

A comment in the middle of lunch leads to a severe family
argument that seems to sabotage its members’ trust irreversibly.

Al igual que en Hooked, su ópera prima que compitió en Bafici
en 2009, Sitaru plantea un dilema moral. En realidad muchos,
que se potencian, se solapan, se licuan, se recomponen y se
descomponen. Pocos cineastas contemporáneos pueden hacer
películas como Illegitimate, con esta crudeza y valentía, con la
propuesta de diversión aterradora de acompañar a estos personajes en sus montañas rusas íntimas. Sitaru nos mete en
la mesa familiar y nos lleva a una guerra de inaudita violencia
que cambia de dirección, que parece hacer ganar a cada uno
alternativamente, pero es una mera ilusión. Las discusiones y
reacciones furiosas y pasionales entre padres, hijos y hermanos
de esta familia increíble –pero filmada con convincente realismo– son la base de una comedia negra que no tiene miedo de
hacer volar todo por los aires. Javier Porta Fouz

Just like in Hooked, his first feature that competed in Bafici
2009, Sitaru lays out a moral dilemma. Actually, lots of them,
which nurture, overlap, liquefy, recompose and decompose
each other. Few contemporary filmmakers can make films like
Illegitimate, with such rawness and courage, and the scarily fun
idea of joining these characters in their intimate roller coasters.
Sitaru takes us into family dinners and leads us to an incredibly violent war that changes its direction, with each side alternatively finding victory, but that’s just an illusion. The furious,
passionate discussions and reactions of parents, children, and
siblings in this incredible –yet realistically filmed– family are the
basis for a black comedy that’s not afraid of blowing everything
up in the air. JPF

Rumania / Polonia / Francia - Romania / Poland / France, 2016
88’ / DCP / Color / Rumano - Romanian

Adrian Sitaru
Estudió dirección de cine en Bucarest, y debutó como realizador en 2008
con el largometraje Hooked, al que le siguieron Best Intentions (2011) y
Domestic (2012).
He studied filmmaking in Bucarest, and made his debut as a filmmaker
in 2008 with the feature Hooked, followed by Best Intentions (2011) and
Domestic (2012).

D: Adrian Sitaru G: Alina Grigore, Adrian Sitaru F: Adrian Silisteanu,
Alexandru Timosca E: Mircea Olteanu, Theo Lichtenberger
DA: Elena Manea S: Ioan Filip, Dan-Stefan Rucareanu
P: Anamaria Antoci PE: Yohann Cornu, Stanislaw Dziedzic,
Klaudia Smieja CP: Domestic Film, Film Produkcja, Damned Films
I: Adrian Titieni, Bogdan Albulescu, Cristina Olteanu, Alina Grigore,
Robi Urs
Contacto / Contact
Versatile. Alexandre Moreau
T +33 176 216 168
E [email protected] W versatile-films.com

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PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

international official competition

The Revolution Won’t Be Televised
La revolución no será televisada
Cuando el presidente de Senegal se postula para ser reelegido
en 2011, luego de dos mandatos, los raperos Thiat y Kilifeu
inician una revolución por la democracia. Rama Thiaw registra
los conflictos entre la música y la política, la calle y el Estado.

When the president of Senegal runs for reelection in 2011 after
two mandates, rappers Thiat and Kilifeu start a revolution for
democracy. Rama Thiaw captures the conflicts between music
and politics, the street and the State.

El relato de una campaña electoral, y de otra más. Protagonistas: músicos y políticos. Rap, hip hop y consignas contra la
reelección indefinida. Senegal, un país con mayoría de población joven, y un presidente que quiere envejecer (aún más) en
el cargo. The Revolution Won’t Be Televised está en movimiento
constante: es un documental hecho a lo largo de los años, con
una dedicación estremecedora, lúcida, cercana. Manifestaciones, detenciones policiales, protestas, conciertos. Despertarse
para ir a votar luego de haber dormido al aire libre. Esta es una
película que transcurre mayormente en la calle, pero cuando se
detiene y se refugia en la intimidad sigue con una energía extraordinaria. La directora Rama Thiaw tiene el extraño mérito de
extraer de una realidad llena de conflictos una película cargada
de futuro y, a su modo, también optimista. Javier Porta Fouz

The account of an election campaign, and another one. The
protagonists: musicians and politicians. Rap, hip hop and slogans against an indefinite reelection. Senegal, a country with
a majority of young population, and a president who wants get
old(er) in his position. The Revolution Won’t Be Televised is in
constant motion: it’s a documentary made throughout the years,
with a dedication that is heartrending, lucid, close. Demonstrations, arrests, protests, concerts. Waking up and going to vote
after having slept outdoors. This is a film that takes place mostly
on the street, but when it stops and finds shelter in intimacy, it
continues to have extraordinary energy. Director Rama Thiaw
has the strange merit of extracting from a conflict-infused reality a film full of future and, in its own way, also optimistic. JPF

Rama Thiaw
Nació en Nouakchott, Mauritania, en 1978. Estudió cine y economía en
París, y dirigió el documental Boul Fallé: The Wrestling Way (2009).
She was born in Nouakchott, Mauritania, in 1978. She studied film and
economy in Paris and directed the documentary Boul Fallé: The Wrestling
Way (2009).

46

Senegal / Francia - Senegal / France, 2016 / 110’ / DCP / Color /
Wolof / Francés - Wolof / French
D, DA, G, P: Rama Thiaw F: Amath Niane E: Axel Salvatori-Sinz,
Rama Thiaw S: Xavier Thibauld M: Keur Gui
CP: Boul Falle Images, Vrai-Vrai Films
Contacto / Contact
Boul Falle Images. Rama Thiaw
T +22 1 77 394 55 02
E [email protected]

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

competencia oficial internacional

Hedi
Inhebbek Hedi
Hedi se toma la vida como viene. Permite que su autoritaria
madre organice su casamiento y que su jefe lo envíe de viaje
en la misma semana en que festeja su boda. Allí conoce a la
organizadora de actividades de un hotel y, por primera vez, se
ve obligado a tomar una decisión.

Hedi takes life as it comes. He allows his authoritarian mother
to organize his wedding, and also agrees to be sent on a trip
by his boss on the week of the wedding. There, she meets the
activity organizer of a hotel and, for the first time, is forced to
make a decision.

Con un casting soberbio y la inmensa performance de Majd
Mastoura en el rol protagónico, el planteo del film –si bien puede
sonar clásico– resulta novedoso en el cine tunecino: después de
años de noviazgo y con el casamiento arreglado por parte de las
familias de los novios, una semana antes de la boda, Hedi se ve
en la disyuntiva de seguir la tradición (la ley) o su propio camino,
el del deseo. De un lado está la madre de Hedi, quien resulta ser
la gran orquestadora de la vida familiar y siempre tiene como
ejemplo al hermano mayor, quien ha hecho todo bien. Del otro,
Rim, la mujer de la que Hedi, en uno de sus viajes de trabajo, se
enamora, la que él elige y con la que vive una verdadera relación. Todas y cada una de las decisiones de dirección son aquí
aciertos que dan como resultado una ópera prima extraordinaria,
sorprendente y conmovedora. Violeta Bava

Featuring a superb cast and an immense performance by Majd
Mastoura in the lead role, the film’s idea –as classic as it may
sound– is new in Tunisian cinema: after years of being together
with his girlfriend and with their marriage arranged by both families, Hedi is faced with the choice of following tradition (and law)
or rather follow his own path –the one of desire. On one side,
there’s Hedi’s mom, who turns out to be the great conductor of
family life and is always citing his older brother as an example,
since he did everything good. On the other, there is Rim, the
woman Hedi falls in love with in one of his work trips –she’s the
one he has chosen, and with whom he has a real relationship.
Every single decision by the filmmaker here is right, and results
in an extraordinary, surprising, and moving debut film. VB

Mohamed Ben Attia

Túnez / Bélgica / Francia / Qatar / Emiratos Árabes Unidos Tunisia / Belgium / France / Qatar / UAE, 2016 / 89’ / DCP /
Color / Árabe - Arabic

Nació en Túnez en 1976, y estudió comunicación audiovisual en Francia.
Dirigió cinco cortometrajes, entre ellos Selma (2013).
He was born in Tunisia in 1976 and studied audiovisual communication in
France. He directed five shorts, including Selma (2013).

D, G: Mohamed Ben Attia F: Frederic Noirhomme E: Azza Chaabouni,
Ghalya Lacroix, Hafedh Laaridhi DA: Mohamed Denguezli
S: Jean-Sebastien Garbe M: Omar Aloulou P: Dora Bouchoucha
Fourati PE: Lina Chaabane Menzil, Delphine Tomson
CP: Nomadis Images I: Majd Mastoura, Rym Ben Messaoud,
Sabah Bouzouita, Omnia Ben Ghali, Hakim Boumessaoudi
Contacto / Contact
Luxbox. Anne Sophie Trintignac T +33 742 2612
E [email protected] W www.luxboxfilms.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

47

competencia oficial argentina
argentine official competition

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

argentine official competition

Crespo (La continuidad de la memoria)
Crespo (The Persistence of Memory)
Tras la muerte de su padre, Eduardo Crespo decide viajar para
filmar la película que tenía planeado hacer con él sobre la
ciudad de Crespo, la avicultura y la relación que los unía. La
cámara recorre los mismos espacios, a través de la memoria
colectiva y personal.

After the death of his father, Eduardo Crespo decides to travel in order to make the film he had planned to do with him
about the city of Crespo, poultry farming, and the relationship
between them. The camera goes through the same places,
through collective and personal memory.

Crespo es una ciudad situada en la provincia de Entre Ríos, pero
también es el apellido del responsable de esta película, que
hace de las repeticiones inopinadas, la intervención del azar y
la recurrencia de la memoria su materia prima y razón de ser. El
director dedica la película al recuerdo de su padre recientemente fallecido. Las imágenes indagan en las sombras flotantes de
ese hombre súbitamente añorado, como si el hijo auscultara las
oscilaciones del dolor dentro de sí mismo, para comprender al
padre pero también lo que lo rodeaba: sus libros, los más variados objetos que juntaba con extraña veneración, sus amistades,
su viuda, el propio pueblo cuyo nombre replicaba. Crespo, la
película, es una pieza conmovedora de amor filial y una aproximación al poder de evocación de las imágenes. David Obarrio

Crespo is a city located in the Entre Ríos province, but is also
the last name of the person who made this film, which uses
unexpected repetitions, chance, and the recurrence of memory
as its prime matter and reason to be. The director dedicates
the film to the memory of his father, who recently passed away.
The images dive into the floating shadows of that man who is
suddenly missed, as if his son was auscultating the oscillations
of his own pain in order to understand both his father and the
things that lived around him: his books, the diverse objects he
collected with a strange veneration, his friends, his widow, and
the town with the same name as him. Crespo, the film, is a moving piece of filial love and a poetic investigation on the evocating
power of images. DO

Eduardo Crespo

Argentina, 2016 / 65’ / DCP / Color & B&N / Español - Spanish

Nació en Entre Ríos, Argentina, en 1983. Dirigió varios cortos, entre ellos,
Amaina (Bafici ‘10) y el largometraje Tan cerca como pueda (2012). Ha
trabajado como productor, montajista, director de fotografía y guionista.
He was born in Entre Ríos, Argentina, in 1983. He directed several short
films, including Amaina (Bafici ‘10) and the feature-length film Tan cerca
como pueda (2012). He worked as a producer, editor, cinematographer,
and scriptwriter.

50

D, F, P: Eduardo Crespo G: Eduardo Crespo, Santiago Loza,
Ariel Gurevich E: Lorena Moriconi S: Guido Deniro
PE: Constanza Sanz Palacios I: Mali Seri, Clarita Laferrara,
Mirta Holzhus, Jorge Gieco, Osvaldo Chiappesoni
Contacto / Contact
Eduardo Crespo
T +54 9 11 5410 1649
E [email protected]
W facebook.com/crespofilm

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

competencia oficial argentina

Crimen de Las Salinas
The Crime of Las Salinas
Un hombre de 77 años se casa con una mujer de 33. Tres
años después, ella, con la ayuda de su hermano, lo asesina.
Cinco años más tarde, el Tribunal Superior de Justicia de
Córdoba los condena a cadena perpetua. El film elabora diferentes puntos de vista para obtener otra mirada del caso
que conmovió a un pueblo.

A 77-year-old man marries a 33-year-old woman. Three years
later, she murders him with the help of her brother. Five years
later, Córdoba’s Court of Law sentences them to a life in prison.
The film builds up many points of view in order to achieve an
new look on the case that upset a town.

Según el censo de 2010, San José de las Salinas, en el norte
cordobés, tenía 662 habitantes. En esa cuenta ya no estaba
Ramón Cáceres, que cinco años antes había muerto a manos
de su esposa y su cuñado: el único crimen de toda la historia
del pueblo. Se habían casado en secreto cuando Cáceres tenía
77 y ella 33. El caso ocupó algún espacio en la prensa (más que
nada por el insólito papel de un burro en su esclarecimiento)
y luego fue olvidado. Afortunadamente no por Distéfano, que
hizo uno de los documentales más rigurosos, lúcidos y atentos –tanto a los detalles del paisaje como a lo que dicen sus
entrevistados– del cine argentino reciente. Crimen de Las Salinas trasciende la crónica policial para armar, aunque en el film
siempre sea de día, el retrato inquietante de no pocas oscuridades. Agustín Masaedo

According to the 2010 census, San José de las Salinas, on the
north of the Córdoba province, had 662 inhabitants. That sum
no longer included Ramón Cáceres, who had died at the hands
of his wife and brother-in-law five years before: the only crime
in that town’s history. They had gotten married in secret when
Cáceres was 77 and she was 33. The case was covered by
the press (mainly because of the unbelievable part played by a
donkey in its solving) and was later forgotten. Fortunately, Distéfano didn’t, and made one of the most rigorous, lucid, attentive
–to details of the landscape and also to what his interviewees
say– Argentine documentaries in recent history. Crimen de Las
Salinas transcends the news story and builds up, even though
in the film it’s always daytime, the disturbing portrait of quite a
few obscurities. AM

Lucas Distéfano

Argentina, 2016 / 63’ / DCP / Color / Español - Spanish

Nació en Buenos Aires en 1965. Estudió en el Instituto Superior de Arte
Fotográfico de Avellaneda y asistió a los talleres de guion dictados por
José Martínez Suárez. Ha obtenido diversos premios del FNA y del Fondo
de Cultura de Buenos Aires. Dirigió el mediometraje Ballena blanca y los
cortos Un poco de rigor y Una muerte inútil.
He was born in Buenos Aires in 1965. He studied at Avellaneda’s Instituto Superior de Arte Fotográfico and attended José Martínez Suarez’s
screenwriting workshop. He won many awards from the FNA and Buenos
Aires’ Culture Fund. He directed the mid-length Ballena blanca and the
shorts Un poco de rigor and Una muerte inútil.

D, G, DA, P: Lucas Distéfano F: Alejandro Tarraf E, M: Diana Cardini
S: Sebastián Durán PE: Lucas Distéfano, Alejandro Tarraf,
Alberto Balazs CP: Vientocine, El Otro Lado Films I: Bety Rodríguez,
Antonio Bustos, Norma Barreto, Marcelo Rinaldi, Luis González
Contacto / Contact
Vientocine. Leonardo Cauteruccio
T +54 11 4797 9132
E [email protected]
W vientocine.com ~ facebook.com/crimendelassalinas

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

argentine official competition

El invierno llega después del otoño
Winter Comes After Autumn
Pablo pasa el otoño entre libros usados, celulares ilegales,
fiestas, cocaína y llamadas equivocadas. Su ex novia, Mariana, disfruta del invierno mientras divide sus días entre los
exámenes universitarios, dealers de drogas duras, azarosos
reencuentros con parejas amigas y un nuevo novio.

Pablo spends autumn among second-hand books, illegal cell
phones, parties, cocaine, and wrong calls. His ex-girlfriend,
Mariana, enjoys the winter while splitting her days between
college exams, dealers of hard drugs, random meetings with
couples she is friend’s with, and a new boyfriend.

Librerías, desgrabaciones de charlas, ediciones y presentaciones de libros, comentarios sobre artículos periodísticos, venta
de celulares, fiestas diversas. El ambiente porteño de jóvenes
con ocupaciones que orbitan alrededor del cine, la literatura y
el periodismo en una película texturada de Nouvelle Vague, que
desde su mismo título anuncia socarronamente su mirada, una
que mantiene la distancia y a la vez exhibe un conocimiento
cabal del ambiente y sus tics sin dar lugar a condescendencia
ni burla alguna. Los personajes dudan, se equivocan, arremeten
a destiempo, disfrazan sus temores y sus pasiones de conversaciones y conversaciones sobre conversaciones. Malena
Solarz y Nicolás Zukerfeld encontraron un singular tono de calidez nada invasiva para hacer este retrato múltiple, tan alejado
de las estridencias como indeclinablemente narrativo. Javier
Porta Fouz

Bookstores, conference transcripts, book editions and presentations, commentaries on newspaper articles, cell phone sales,
parties. A film with a Nouvelle Vague texture, featuring the Buenos Aires scene of young people with jobs in film, literature, and
journalism. Its title is a sarcastic announcement of its perspective, which stays at a distance while shows a thorough knowledge of that environment and its clichés, yet never enabling
any kind of condescendence or mockery. Characters doubt,
they make mistakes, they disguise their fears and passions with
conversations, and conversations about conversations. Malena
Solarz and Nicolás Zukerfeld have found a singular tone –warm
and not invasive– to make this multiple portrait, as distant to
stridency as it is relentlessly narrative. JPF

Nicolás Zukerfeld
Nació en Buenos Aires en 1982. Dirigió varios cortometrajes, entre ellos,
Escenas sobre la muerte de los niños (Bafici ‘09).
He was born in Buenos Aires in 1982. He directed several short films,
including Escenas sobre la muerte de los niños (Bafici ‘09).

Malena Solarz
Nació en Buenos Aires en 1982 y dirigió una de las secciones de A
propósito de Buenos Aires (2006).
She was born in Buenos Aires in 1982, and directed one of the portions
of A propósito de Buenos Aires (2006).

52

Argentina, 2015 / 90’ / DCP / Color / Español - Spanish
D, G: Nicolás Zukerfeld, Malena Solarz F: Fernando Lockett
E: Manuel Ferrari DA: Verónica Balduzzi S: Nicolás Payueta
P: Rogelio Navarro PE: Rogelio Navarro CP: Fidelia Cine, Punto y Línea
I: Marina Califano, Guillermo Masse
Contacto / Contact
Fidelia Cine. Rogelio Navarro
T +54 11 3110 5446
E [email protected]

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PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

competencia oficial argentina

El teorema de Santiago
Santiago’s Theorem
En 1969 el cineasta argentino Hugo Santiago dirigió Invasión,
su ópera prima, con guion de Jorge Luis Borges y Adolfo Bioy
Casares, y luego emigró definitivamente a Francia. Esta película documenta su regreso a Buenos Aires en 2013 para filmar
su última película, El cielo del centauro.

In 1969 Argentine filmmaker Hugo Santiago directed Invasión,
his opera prima, written by Jorge Luis Borges and Adolfo Bioy
Casares, and later settled in France. This film documents his
return to Buenos Aires in 2013 to shoot his latest film, Le ciel
du centaure.

Hugo Santiago es un director real, que incluso presentó su película El cielo del centauro en la apertura del Bafici pasado. Pero,
a la vez, es un director mítico; el que tuvo de guionistas a Borges, Bioy y Saer, el que convirtió a Buenos Aires en Aquilea pero
nunca dejó de pensar, desde afuera, en esa ciudad. El teorema
de Santiago es un ensayo ambicioso sobre la preparación, el
rodaje y finalmente la presentación de El cielo del centauro. Hay
referencias múltiples, admiraciones, mapas, pensamiento constante sobre cine –un texto de David Oubiña es especialmente
brillante– y también constante ubicación de Santiago como
padre cinematográfico, carismático y sabio. Tributo y crónica,
El teorema de Santiago es una película que con su elaborada
estructura simula resolver misterios mientras entrega otra sentida declaración de amor a Buenos Aires y piensa cómo contar
esta y otras historias porteñas. Javier Porta Fouz

Hugo Santiago is a real director, who even premiered his film
Le ciel du centaur at the Bafici opening last year. But he’s
also a mythical filmmaker, who had Borges, Bioy, and Saer as
scriptwriters, and turned Buenos Aires into Aquilea but never
stopped thinking about that city from a distance. El teorema de
Santiago is an ambitious essay on the preparation, shooting,
and premiere of Le Ciel du centaur. There are multiple references, admirations, maps, constant thinking about cinema
–a particularly brilliant text by David Oubiña– and a constant
positioning of Santiago as a cinematographic father with charisma and wisdom. A tribute and a chronicle, El teorema de
Santiago is a film with an elaborated structure that pretends to
solve mysteries, delivering yet another moving declaration of
love for Buenos Aires and thinking about a way to tell this and
other city stories. JPF

Ignacio Masllorens
Nació en Buenos Aires en 1973, y estudió diseño de imagen y sonido de
la UBA. Dirigió los films Hábitat (2013) y Martín Blaszko III (2011).
He was born in Buenos Aires in 1973, and studied image and sound design
at the UBA. He directed Hábitat (2013) and Martín Blaszko III (2011).

Estanislao Buisel
Nació en Buenos Aires en 1979. Estudió psicología y cine. Dirigió el
largometraje Barroco (2013).
He was born in Buenos Aires in 1979. He studied psycology and filmmaking. He directed the film Barroco (2013).

Argentina, 2015 / 96’ / DCP / Color / Español / Francés Spanish / French
D, G, E: Ignacio Masllorens, Estanislao Buisel F: I. Masllorens,
E. Buisel, A. Mendilaharzu, J. Herrera DA: J. Cuerell S: M. Canosa
M: C. Debussy, P. M. Dubois, G. P. Telemann P: G. Lozano, E. Busiel,
I. Masllorens PE: A. Llambí Campbell, F. Brom, E. Buisel, I. Masllorens
CP: El Rayo Verde, La Unión de los Ríos I: Hugo Santiago, Mariano
Llinás, Laura Citarella, Gustavo Biazzi, David Oubiña
Contacto / Contact
El Rayo Verde. Ignacio Masllorens T +54 11 5317 6353
E [email protected] W elrayoverde.jimdo.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

53

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

argentine official competition

Finding Sofia
Alex es un cineasta que vive en Brooklyn. Uno de sus cortos
animados se hizo viral y ahora intenta probar que puede hacer
algo más que videos divertidos. En ese camino, viaja hacia Argentina a conocer a Sofia, una muchacha con la que comenzó
una relación virtual.

El título bien podría haber sido Lost in Translation: estamos ante
personajes que se pierden en la traducción. El enamorado –infatuado– estadounidense que no habla español y que viene a
Argentina a buscar a Sofia porque lo flechó alguna coincidencia
en el intercambio simbólico de Internet. El pintor recalcitrante
que no habla inglés y lo rechaza, y cree que resiste. Y los usos
y costumbres que en cualquier intento de pareja son, claro, pérdidas en la traducción y posible ganancia en la diferencia; la
base de tantas comedias románticas en un ejemplar de alta
velocidad y recursos diversificados sobre un chico que viene a
conocer a una chica. A su modo una épica de conquista, Finding
Sofia es también una película que se ríe de los modos de producción y circulación del arte o lo que sea que se mueve como
tal, online y offline. Javier Porta Fouz
Nico Casavecchia
Nació en Argentina. Algunos de sus cortos son Buildings & Vampires y
Salesman in the Mirror. En 2013 su cortometraje A Boy and His Atom,
hecho en colaboración con científicos de IBM y creado a partir del movimiento de moléculas de monóxido de carbono, fue reconocido por el libro
Guinness como el film más pequeño del mundo.
Born in Argentina. Some of his shorts are Buildings & Vampires and
Salesman in the Mirror. In 2013, his short A boy and His Atom, made in
collaboration with IBM scientists and created by moving carbon monoxide
molecules, was recognized by the Guinness Book of World Records as
the smallest film in the world.

54

Alex is a filmmaker living in Brooklyn. One of his animated
shorts went viral and now he’s trying to prove that he can do
more than funny videos. While doing so, he travels to Argentina
to meet Sofia, with whom he started a virtual relationship.

The title might as well have been Lost in Translation: here we
have characters who get lost in their languages. The American
infatuated lover who doesn’t speak Spanish and travels to Argentina in search of Sofia, because he fell in love with some
coincidence in the symbolic exchange they had online. The
obstinate painter who doesn’t speak English and rejects it,
believing he’s resisting. And the common uses and habits in
every inspiring couple, which are, yes, losses in translation and
potential winnings thanks to those differences. The grounds for
so many romantic comedies are here in a high-speed sample
with diverse resources, about a young man who comes to meet
a girl. A pick-up epic in its own way, Finding Sofia is also a
film that laughs about the forms of production and circulation
of art, or whatever moves around –online and offline– acting
as such. JPF

Argentina / Estados Unidos - Argentina / US, 2016 / 105’ / DM /
Color / Inglés / Español - English / Spanish
D, G: Nico Casavecchia F: Eloi Moli E: Lynn Hobson DA: Ana Cambre
S: Animal Music M: Animal Music P: Andrew Geller PE: Serge Patzak,
Sam Penfield, Arvind Palep CP: 1st Avenue Machine
I: Sam Huntington, Andrea Carballo, Sofía Brihet, Rafael Spregelburd
Contacto / Contact
1st Avenue Machine. Nico Casavecchia
T +1 917 648 2655 E [email protected]
W 1stavemachine.com ~ findingsofia.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

competencia oficial argentina

Hierba
Cuatro personajes sobre la hierba evocan, a modo de calco,
a la célebre pintura de Manet. Homenajeando al cine silente, Raúl Perrone realiza una indagación sobre las posibilidades del deseo.

Four characters lying in the grass evoke Manet’s famous
painting. In this homage to silent film, Raúl Perrone inquires
into the possibilities of desire.

La que quizá sea la apuesta más radical de Perrone es también una de sus películas más hermosas e inasibles. Un cuadro
de Manet es el fondo sobre el que se mueven los personajes
en la primera escena, como si las criaturas pintadas cobraran
vida y se independizaran en un gesto de rebeldía y también de
perplejidad. Si la película parece oscilar entre las nociones de libertad, deseo velado y amor gentil montadas en un dispensario
de imágenes y actitudes de las pinturas de fines del siglo XIX, el
trabajo sobre el sonido, los primeros planos y el corte abrupto
remiten a vanguardias olvidadas sobre las que Perrone vuelve
con una perseverancia de alquimista. La belleza de los colores,
la pantomima dolorosa de los actores y el destilado de asombro e ingenuidad que se desprenden de Hierba sugieren que la
maestría del director es inagotable. David Obarrio

What is perhaps Perrone’s most radical enterprise is also one of
his most beautiful and elusive films. A painting by Manet is the
background for the characters in the first scene, as though the
painted creatures came to life and became independent in an
act of rebellion and, also, perplexity. If the film seems to oscillate between notions of freedom, veiled desire and gentle love
mounted on a dispensary of images and attitudes form late-19 th
century paintings, the way sound is used, the close-ups and the
abrupt cuts refer to forgotten vanguards Perrone goes back to
with the perseverance of an alchemist. The beauty of the colors,
the painful pantomime of the actors and the display of amazement and naiveté in Hierba suggest that the director’s mastery
is inexhaustible. DO

Raúl Perrone

Argentina, 2015 / 65’ / DCP / Color / Español - Spanish

Nació en Ituzaingó, provincia de Buenos Aires en 1952. Gran parte de su
vasta filmografía se exhibió en el Bafici, como Tarde de verano (‘06), La
Navidad de Ofelia y Galván y Canadá (‘07; premio a Mejor Director en
la Competencia Argentina), 180 grados (‘09), Los actos cotidianos (‘10),
P3nd3jo5 (‘13) y Ragazzi (‘15).
He was born in Ituzaingó, province of Buenos Aires, in 1952. Most of his
vast filmography was shown at Bafici, including Tarde de verano (‘06), La
Navidad de Ofelia y Galván and Canadá (‘07; Best Director Award from
the Argentine Competition), 180 grados (‘09), Los actos cotidianos (‘10),
P3nd3jo5 (‘13), and Ragazzi (‘15).

D, G, E, S: Raúl Perrone F: Raúl Perrone, Alejandro González,
Iván Moskovich, Martín Farina PE: Pablo Ratto CP: Les Envies Que Je
Te Desire, Trivial Media I: Dulce Huilen Azul, Guilermo Quinteros,
Evelyn Cazal, Néstor Gianotti, Oscar Purita
Contacto / Contact
Trivial. Pablo Ratto
T +54 9 11 5117 1969 +54 11 4837 9529
W trivialmedia.com.ar

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

55

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

argentine official competition

Juan Meisen ha muerto
Juan Meisen Is Dead
La desaparición de Juan permite recorrer la historia de cada
uno de los integrantes de un grupo de amigos. Con un leve tono
de comedia y cotidianidad, este drama intenta reflejar el inconsciente colectivo de una generación de jóvenes madrynenses.

The disappearance of Juan is an excuse to tell the story of each
member of a group of friends. With a slight, everyday comedic
tone, this drama tries to reflect the collective unconscious of a
generation youngsters from the city of Puerto Madryn.

Situada en Puerto Madryn y lejos del avistaje de ballenas, esta
ópera prima presenta a una generación joven y lugareña bastante desprogramada, viviendo el día a día, y sin mucho proyecto por delante. Con un casting que combina actores profesionales con no actores, el film, que destaca por su trabajo de
dirección, da cuenta de las distintas relaciones interpersonales
en un grupo de amigos: sus romances, celos, competencias,
noviazgos, peleas y desengaños, entre grandes momentos de
humor –construidos a base de diálogos memorables– y otros
en los que aparece una mirada crítica para pensar serias
cuestiones generacionales y coyunturales. Consecuente con la
perspectiva propuesta a lo largo del relato, y tal como título lo
preanuncia, la película le reserva a Juan, el joven protagonista,
un dramático desenlace. Violeta Bava

Set in Puerto Madryn and far from whale watches, this first feature presents a carefree generation of locals living the day-today, without many projects ahead of them. With a cast that combines professional and non-professional actors, the film, which
stands out for the way it’s directed, tells of the different interpersonal relationships among a group of friends: their romances,
jealousy, competitiveness, courtships, fights and disappointments, articulating great moments of humor –built from some
memorable dialogue– with others of a sharp tone, in which a
critical point of view appears to reflect on serious generational
and contextual issues. Consistent with the perspective brought
forward throughout its narrative, and as the title foreshadows,
Juan, the young protagonist, will face a dramatic outcome. VB

Felipe Bergaño
Nació en Buga Valle del Cauca, Colombia, en 1990. Terminó sus estudios
en la Universidad del Cine como profesor de dirección cinematográfica.
Juan Meisen ha muerto es su primer largometraje como realizador.
He was born in Buga Valle del Cauca, Colombia, in 1990. He finished
his studies at the Universidad del Cine as professor in filmmaking. Juan
Meisen Is Dead is his first feature as a director.

56

Argentina / Colombia, 2016 /80’ / DCP / Color / Español - Spanish
D, G: Felipe Bergaño F: Nicolás Vallejo E: Daniela Benedetti
DA: Estefania Riosa, Victoria Luro S: Gonzalo Komel
P: Alexan Sarikamichian CP: Universidad del Cine, Magenta Films,
Viento a Favor I: Benjamín Coelho, Sofía Brito, Federico Mosquera,
Luci Bogado, Pilar Firdman
Contacto / Contact
Magenta Films. Juan Diego Puentes, Nicolás Vallejo
T +54 11 3666 2681
E [email protected]
W facebook.com/juanmeisenhamuerto

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

competencia oficial argentina

Las lindas
The Pretty Ones
Melisa y sus amigas debaten acerca de lo que implica ser mujer. Pero estos relatos se contraponen con la experiencia de la
directora y protagonista, reconstruida a partir de imágenes de
archivo personal que desnaturalizan con humor los mandatos
y tabúes de cada género.

Melisa and her friends debate on what means to be a woman.
But these stories contrast to the director and protagonist’s, reconstructed from the personal archive footage that distort the
genre’s mandates and prohibitions with humor.

En su ópera prima, Melisa Liebenthal pone en juego su archivo
personal de fotos y videos, de su niñez y su adolescencia, para
revisarlo en el presente desde una perspectiva de género. Aparece allí, con buen sentido del humor, una mirada aguda y crítica
acerca de los comportamientos y las relaciones del grupo íntimo
de amigas, la moda y los looks adoptados en cada momento, las
canciones y las coreografías, los amoríos y los desengaños. En
medio de todo este mundo teen, la directora pone el acento en
cómo se prefigura un modelo de mujer al que pareciera que hay
que responder de acuerdo con cierta expectativa social. Con
gracia, astucia y gran espíritu lúdico, este trabajo autobiográfico
pone en evidencia por qué esos modelos no necesariamente se
condicen con los procesos personales más propios y genuinos.
Violeta Bava

On her first film, Melisa Liebenthal throws in her personal archive of pictures and videos from childhood and adolescence,
in order to review it from the present day through a gender perspective. With a good sense of humour, the film features an
acute and critical view of the behaviours and relationships within an close group of friends, as well as their temporary looks,
songs and choreographies, their love stories and heartbreaks.
In that teenage world, the director stresses the way in which
a certain notion of women forms should seemingly be met according to a certain social expectation. With grace, wit, and a
very playful spirit, this autobiographical piece sheds a light on
the way those role models doesn’t necessary match personal
and more genuine evolutions. VB

Melisa Liebenthal
Nació en Buenos Aires en 1991. Estudió dirección de cine en la FUC,
donde actualmente prepara su tesis de graduación. Actualmente trabaja
como editora y distribuidora de cortometrajes, y ha realizado los cortos
Airportness (2010) y Alegría del hogar (2013). Esta es su ópera prima.
She was born in Buenos Aires in 1981. She studied filmmaking at the
FUC, where she is currently preparing her graduation thesis. She currently works as a short film editor and distributor, and directed the short films
Airportness (2010) and Alegría del hogar (2013). This is her first film.

Argentina, 2016 / 77’ / DCP / Color & B&N
Español - Spanish
D, G: Melisa Liebenthal F: Lucas Pérez Sosto E: Sofía Mele,
Melisa Liebenthal S: Marcos Canosa M: Ángeles Otero
P: Eugenia Campos Guevara PE: Eugenia Campos Guevara
I: Josefina Roveta, Victoria D’Amuri, Sofía Mele, Camila Magliano,
Michelle Sterzovsky, Melisa Liebenthal
Contacto / Contact
T +54 9 11 6003 0320
E [email protected]
W facebook.com/laslindaspelicula

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

argentine official competition

Mi último fracaso
My Last Failure
Cecilia, una joven coreano-argentina, está realizando un documental. A partir de su relación con sus amigas coreanas, irá
descubriendo de qué manera las distintas identidades culturales determinan la vida de las personas en su aspecto más
íntimo: sus relaciones sentimentales.

Cecilia, a young Korean-Argentinian woman, is making a
documentary. Through her relationship with her Korean
friends, she will discover how the different cultural identities
determine the lives of people in their most intimate aspect:
their love relationships.

Hay muchas películas que atraviesan la ópera prima de Cecilia
Kang; hay un film familiar sobre su hermana, su madre, su tía, su
abuela… Hay también uno sobre el hecho de ser una mujer argentina y de orígenes coreanos visitando Corea. Y otro sobre ser
una mujer coreana que a la vez ejerce de porteña. Está el amor
familiar, la amistad, las pequeñas y grandes tragedias, la emancipación, el desamor, la creatividad. Y todas esas vías nunca nos
conducen a una sensación de deriva; son partes de un mosaico
que se acomoda en la cabeza del espectador gracias a un eje
sólido y fuertemente emocional: la propia vida de la directora que
en una espontánea y amorosa muestra de generosidad dedica
Mi último fracaso a (en este orden) una profesora de la infancia,
sus eternas amigas y su hermana. Fran Gayo

There are many films piercing through Cecilia King’s first feature; there’s a film about a family (her sister, her mother, her
aunt, her grandmother)… There’s also one about being an Argentinian woman of Korean descent visiting Korea. And another
one about being a Korean woman who, at the same time, acts
like someone from Buenos Aires. There’s family love, friendship,
the small tragedies and the great ones, emancipation, heartbreak, creativity. And none of these storylines drives us to a feeling of drift; they are parts of a mosaic that is pieced together in
the viewer’s head thanks to a solid, strongly emotional core: the
life of the director, who, in a spontaneous and loving display of
generosity, dedicates My Last Failure to (in this order) a teacher
from childhood, her eternal friends and her sister. FG

Cecilia Kang
Estudió cine en la ENERC. Dirigió varios cortometrajes que participaron
en diversos festivales, entre ellos, Videojuegos (2014).
She studied film at the ENERC. She directed many short films that were
part of many festivals, including Videojuegos (2014).

Argentina, 2016 / 61’ / DCP / Color
Español / Coreano - Spanish / Korean
D: Cecilia Kang G: Cecilia Kang, Virginia Roffo F: Diego Saguí
E: Sebastián Agullo S: Francisco Pedemonte P: Cecilia Kang, Virginia
Roffo CP: misbelovedones I: Ran Kim, Catalina Kang, Cecilia Kang
Contacto / Contact
misbelovedones. Cecilia Kang
T +54 9 11 6373 9860
E [email protected]
W misbelovedones.tumblr.com ~ facebook.com/miultimofracaso

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[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

competencia oficial argentina

Panke
Un hombre va a Berlín a buscar el cuerpo de su hermano
muerto. En ese trance, manda cartas imaginarias a su madre
en Burkina Faso, mientras reflexiona acerca de la suerte de
los inmigrantes.

A man goes to Berlin to search for the body of his dead
brother. While in trance, he sends imaginary letters to his
mother in Burkina Faso, while reflecting about the fate of
the immigrants.

Panke podría constituir una breve oda a la supervivencia, una
filigrana rebosante de pudor y concentración sobre la melancolía del inmigrante, construida con un tono tan convincente como
desapegado. El protagonista no tiene nada salvo el recuerdo
de su madre en Burkina Faso y el de un hermano que acaba
de morir. El hermano, sin embargo, demanda cosas; hay que
reconocer el cuerpo ante las autoridades de una ciudad desconocida, hacer los trámites correspondientes sin dominar el
idioma, ocuparse de su preparación para devolverlo a su país de
origen: todo un apartado prosaico de la muerte cuyos postulados se vuelven perentorios en medio del dolor y el desconcierto.
El personaje casi excluyente de esta película singular reflexiona
sobre el peso del desarraigo, mientras emprende un viaje a pie
que lo conduce a una improbable situación de tregua en sus
tribulaciones. David Obarrio

Panke could stand as a brief ode to survival; a very careful filigree about the melancholy of immigrants, made with a
both convincing and unattached tone. The main character has
nothing but the memory of his mother in Burkina Faso and his
brother who just died. His brother, however, demands things.
The body needs to be recognized before the authorities of an
unknown city, file the necessary papers without really speaking
the language, and take care of the arrangements to return the
body to its home country: a whole prosaic annex of death with
rules that become urgent amidst the pain and disconcert. The
almost sole character of this singular film reflects on the weight
of being uprooted as he sets on a trip by foot towards an unlikely
situation of truce on his tribulations. DO

Alejo Franzetti
Nació en Buenos Aires en 1985. Estudió en la Universidad del Cine. Sus
tres cortos Todas las veces (2006), El contrabajo (2008, ganador del
Fondo Metropolitano y de la Competencia de Cortos) y Dos experiencias
en el bosque (2014) fueron exhibidos en el Bafici.
He was born in Buenos Aires in 1985. He studied at Universidad del
Cine. His three short films Todas las veces (2006), El contrabajo (2008,
winner of the Metropolitan Fund and the Short Film Competition), and Dos
experiencias en el bosque (2014) were screened at Bafici.

Argentina / Alemania / Burkina Faso - Argentina / Germany /
Burkina Faso, 2016 / 46’ / DCP / Color
Bissa / Alemán / Francés - Bissa / German / French
D, G, F, E, P: Alejo Franzetti S: Ricarda Holztrattner
M: Bach Schumann CP: FUGA Films, Universität der Künste Berlin
I: Issaka Zoungrana, Konstantin von Sichart
Contacto / Contact
FUGA Films. Alejo Franzetti
T +49 173 725 4308
E [email protected]

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

59

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

argentine official competition

Primavera
Spring
Leopoldo es un niño de 11 años que creció rodeado de artistas.
Durante los tres meses de la primavera (la película comienza
el 21 de septiembre y termina el día de Navidad), el chico descubre el amor en una joven compañera de su clase de poesía
y vive su primera desilusión amorosa.

Leopoldo is an 11-year-old boy who grew up surrounded by
artists. During the three months of spring (the film begins on
September 21st and ends on Christmas Day) the boy founds
love with a young poetry classmate and experiences his first
heartbreak.

Solo o en grupo, Santiago Giralt tiene especial predilección por
los actores; no solo como parte de sus películas, sino porque
además le interesan la actuación y los ensayos como tema. En
Primavera va más allá: hay ensayos, pero también convivencia,
cruces y crecimientos varios entre familias, parejas, directores,
mánagers y otros roles que orbitan alrededor de actores y actrices, incluso hijos. Pero Primavera, desde su nombre, promete además un despertar: esta película de Giralt está llena de
colores, de humor, de gritos, de euforias, de romances. Si no
es nada sencillo trabajar con un elenco con tantos nombres y
rostros reconocibles, más difícil aún es relatar sin pausas conflicto tras conflicto y hacerlo con claridad expositiva. Giralt dirige
una orquesta enorme y le hace dar el tono exacto que él quiere:
uno estridente y alejado de cualquier apatía. Javier Porta Fouz

Alone or as part of a group, Santiago Giralt has a special preference for actors; not only as part of his films, but also because
he’s interested in acting and rehearsals as subjects. In Primavera, he goes one step beyond: there are rehearsals, but also
coexistence, arguments and growths among families, couples,
directors, managers, and other roles that have to do with actors and actresses; even children. But Primavera, from its very
name, also promises an awakening: this film by Giralt is full
of colors, humor, shouting, euphoria, romance. It isn’t easy to
work with a cast that includes so many recognizable names and
faces, but it’s even harder to narrate conflict after conflict without a pause, and doing so with expository clarity. Giralt conducts
an enormous orchestra and achieves the exact tone he’s looking
for: one strident and far from any kind of apathy. JPF

Santiago Giralt

Argentina, 2016 / 86’ / DCP / Color / Español - Spanish

Nació en Venado Tuerto en 1977. Hizo tres películas en colaboración:UPA!
Una película argentina (Bafici ’07), Las hermanas L. y UPA! 2 El regreso
(Bafici ’15) y seis en solitario: Toda la gente sola, Antes del estreno,
Anagramas (Bafici ’14), Here Kityy Kitty!, Jess & James (Bafici ’16) y
Primavera (Bafici ’16).
He was born in Venado Tuerto in 1977. He directed three collaborative
films: UPA! Una película argentina (Bafici ’07), Las hermanas L., and UPA!
2 El regreso (Bafici ’15) and six by himself: Toda la gente sola, Antes del
estreno, Anagramas (Bafici ’14), Here Kitty Kitty!, Jess & James (Bafici
’16) and Primavera (Bafici ’16).

60

D, G: Santiago Giralt F: Tincho Velasco E: Eliane Katz, Andrés Quaranta
DA: Marianela Fasce S: Jésica Suárez P: Diego Dubcovsky, Alex Zito,
Federico Carol PE: Diego Dubcovsky, Gastón Rothschild, Federico Carol
CP: BD Cine, AZ Films, Los Griegos, Sudestada Cine
I: Catarina Spinetta, Nahuel Mutti, Angelo Mutti Spinetta,
Mike Amigorena, Chino Darín
Contacto / Contact
BD Cine, AZ Films, Los Griegos
T +54 11 4832 8838
E [email protected] W bdcine.net

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

competencia oficial argentina

Primero enero
January
Recientemente divorciado, Jorge prepara la última visita a la
casa de las sierras antes de ponerla en venta. Allí planea compartir junto a su hijo Valentino una tradición familiar. Pero las
diferencias entre padre e hijo ponen en jaque su estadía.

Recently divorced, Jorge prepares his last visit to his house in
the mountains before putting it on sale. While there, he tries to
share a family tradition with his son Valentino. But the differences between father and son will threaten their stay.

Primero enero se ubica con comodidad en una línea diferente
del nuevo cine cordobés reciente: menos cinéfila y avasallante,
menos extrovertida, más delicada e íntima. El padre y el hijo
llevan la ausencia de la madre como pueden; el hombre se
guarda las diatribas delante del chico, pero cada tanto se le
escapa alguna acusación mascullada hacia la ex mujer. La película filma a los dos en pie de igualdad, aunque está claro que
el peso emotivo de la historia recae primero sobre el pequeño,
cuyo desconcierto el padre trata de apaciguar con caminatas
extenuantes y charlas de varones en vacaciones. Luego, recae
sobre el adulto, que se encuentra ante el deber novedoso de
llenar el tiempo con su hijo. Los planos aireados, la luminosidad
del paisaje y la discreción general del pulso narrativo establecen
el marco para una clase de emoción obstinada que impregna
cada escena. David Obarrio

January can comfortably be placed somewhere different from
the rest of the recent new cinema from the province of Córdoba:
less cinephiliac and overwhelming, less extroverted, more delicate and intimate. The father and the son deal with the mother’s
absence they way they can; the man avoids diatribes in front of
the boy, but every now and then he mumbles a few accusations
towards his ex-wife. The film captures both of them equally, although it’s clear the story’s emotional weight first falls in the
little kid. His father will try to ease his bewilderment through
extenuating walks and chats between men on vacation. Later,
the weight will fall on the adult, who’s faced with the duty of
spending time with his son. They airy shots, the luminosity of
the landscape and the general discretion of the narrative hand
establish the framework for a kind of obstinate emotion that
impregnates every scene. DO

Darío Mascambroni

Argentina, 2016 / 65’ / DCP / Color / Español - Spanish

Nació en Córdoba, Argentina, en 1988. Tras finalizar sus estudios en
cine escribió El tren seguirá pasando, guion suplente del concurso Ópera
Prima 2012 del INCAA. Primero enero es su primer largometraje como
director. Actualmente se encuentra preproduciendo Mochila de plomo,
proyecto ganador del concurso Raymundo Gleyzer.
He was born in Córdoba, Argentina, in 1988. After finishing his film studies, he wrote El tren seguirá pasando, reserve script at the INCAA’s First
Feature contest. January is his first feature as a director. He is currently
preproducing Mochila de plomo, a project that won the Raymundo
Gleyzer contest.

D, G: Darío Mascambroni F: Nadir Medina E: Lucía Torres
DA: Paola Raspo S: Federico Disandro P: Yanina Moyano
PE: Yanina Moyano, Darío Mascambroni I: Valentino Rossi,
Jorge Rossi, Eva Torres
Contacto / Contact
Darío Mascambroni
T +54 9 351 758 7666
E [email protected]

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61

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

argentine official competition

Quizás hoy
Today Maybe
Miguel, un treintañero que trabaja en un estudio jurídico, vive
pesadamente todas y cada una de sus actividades, hasta que
un día, al despertar para seguir con su rutina, advierte la posibilidad de cambiar su vida y su trabajo y conocer a la mujer
de sus sueños.

Miguel, a thirty-something who works at a law firm, suffers
each and every one of his activities, until one day, when he
wakes up in order to go on with his daily routine, he sees the
chance of changing his life and his job and meeting the woman
of his dreams.

Cuando su psicoanalista le sugiere que anote todo lo que piensa, siente y sueña por las noches, Miguel cobra la conciencia
atroz de que cada día de su vida es una fotocopia exacta del
anterior. En blanco y negro, además. Levantarse de la cama,
ir al baño, atravesar Buenos Aires en bicicleta, su trabajo en
un estudio jurídico: todo le cuesta horrores, todo lo hace con
pesadez y desgano, y así nos lo comunica directamente su aparatosa voz interior (cuando no está canturreando cosas como
“pedaleo, pedaleo, caca y pedo con olor a huevo”). Como si
algún extraterrestre con el sentido del absurdo altamente desarrollado aterrizara en un film de Ozu o Bresson, Quizás hoy
es la crónica marciana y desopilante del día en que la ciudad
entera parece conspirar para que Miguel cambie, por fin, de
vida. Agustín Masaedo

Miguel’s therapist suggests he should write down everything
he thinks, feels, and dreams at night. That makes him aware of
the fact that every single day in his life is an exact Xerox copy
of the day before –and in black and white. Getting out of bed,
going to the bathroom, bicycling across Buenos Aires, his job in
a law firm: he finds it all so hard to do, and goes on unwillingly
and heavy-handedly. And he tells us all this with his dorky inner voice, when he’s not singing things like “pedaling, pedaling,
poop and farting”. As if a film by Ozu or Bresson was invaded
by an alien with a highly developed sense of absurdity, Quizás
hoy is the Martian and hilarious chronicle of one day when the
whole city seems to be conspiring to get Miguel to finally change
his life. AM

Sergio Corach

Argentina, 2016 / 77’ / DCP / Color & B&N / Español - Spanish

Nació en diciembre de 1978 en Buenos Aires, y es egresado de la
ENERC. Ha dirigido algunos cortometrajes y videoclips.
He was born in December in 1978 in Buenos Aires and is an ENERC
graduate. He has directed some shorts and music videos.

D, DA, P, PE: Sergio Corach G: Sergio Corach, Pablo Maurette
F: Alejandro Padin E: Oscar Currás S, M: Raúl Moller-Jensen
CP: Concionator Otii I: Sergio Corach, Ezequiel Ludueña,
Luciana Rizzo, Luciana Sáez, Ana Laura Suárez Cassino
Contacto / Contact
Concionator Otii. Sergio Corach
T +54 11 4921 2569 +54 9 11 6926 7297
E [email protected]
W quizashoyfilm.blogspot.com.ar ~ facebook.com/quizashoyfilm

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

competencia oficial argentina

Raídos
Frayed

Los barrios que rodean la ciudad de Montecarlo, en la provincia de Misiones, están poblados casi enteramente por familias
cosechadoras de hojas de yerba mate, conocidos como tareferos. A los jóvenes no les queda otra opción que subsistir día
a día en los yerbales.

Lo primero que vemos es un intertítulo que nos sitúa en la provincia de Misiones y nos habla de los tareferos, o quienes cinco
meses al año se dedican a la recolección de la cosecha de
yerba mate. Hasta aquí, la única concesión a la convencionalidad de esta película. Afortunadamente, y eludiendo la distancia
entomológica, Raídos nos conduce a una experiencia sensorial,
exuberante, en la que los recolectores no funcionan como meras comparsas del film, entes que trabajan en silencio mientras
son registrados, sino como grupo humano que convive, discute
sobre los sueldos, despide al hijo que se va a la ciudad, se
entrega sin miedo a los excesos de la noche o comienza sus
jornadas laborales cuando apenas ha amanecido y el humo de
una hoguera se corta con los restos de niebla que permanecen.
Fran Gayo
Diego Marcone
Nació en Buenos Aires en 1984. Se graduó de la carrera de Diseño de
Imagen y Sonido de la UBA. Desde 2006 trabaja en posproducción de
sonido para cine y TV.
He was born in Buenos Aires in 1984. He graduated in image and sound
design at the UBA. Since 2006, he has been working in sound postproduction for film and TV.

The neighborhoods that surround the city of Montecarlo, in the
province of Misiones, are populated almost entirely by families
that harvest yerba mate, known as tareferos. The young have
no other choice but to subsist day after day at the plantations.

The first thing we see is an intertitle that sets the story in the
province of Misiones, and tells us about tareferos, or who up to
five months a year are recollection workers for the yerba mate
harvest. That’s the only concession the film does to conventional narrative. Fortunately, Raídos eludes any entomological
distance while leading us to a sensorial, exuberant experience,
where pickers are not mere extras or people working in silence
as they are being recorded, but they rather act as a human
group that coexists, discusses salaries, sends off a son who is
moving to the city, fearlessly dives into excess at night, or begins
its workdays at the break of dawn, as the smoke from a fire is
interrupted by the remains of the fog that still lingers on. FG

Argentina, 2016 / 75’ / DCP / Color
Español / Guaraní - Spanish / Guarani
D, G: Diego Marcone F: Lucas Timerman, Diego Marcone
E: Diego Marcone, Andrea Kleinman DA, PE: Alexis Trigo
S: Jerónimo Kohn, Alejandro Seba M: Dante Frágola, Pablo Breardi
P: Alexis Trigo, Diego Marcone CP: La Marmota Contenidos
I: Darío Lemos, Mauro Lemos, Walter Lemos, Sergio Correa
Contacto / Contact
La Marmota Contenidos. Alexis Trigo
T +54 9 11 5956 4809
E [email protected] W facebook.com/raidos.pelicula

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

argentine official competition

Solar
En 1991, con solo diez años, Flavio Cabobianco publicó su libro
Vengo del sol, que fue un best seller en Argentina. Veinte años
después, decide reeditarlo y acepta la propuesta de filmar un
documental sobre la historia de su familia.

In 1991, when he was only ten, Flavio Cabobianco published
his book Vengo del sol, which was a best seller in Argentina.
Twenty years later, he decides to republish it and accepts the
proposal of making a documentary on the history of his family.

Solar retrata a un niño prodigio del mundo new age que a los
diez años publicó el libro Vengo del sol y se convirtió en algo
así como un iluminado. También capta a un director que intenta
hacer una película sobre este niño devenido adulto y sostiene
un proceso por años, aceptando los accidentes o las pequeñas
catástrofes cotidianas y dando por tierra un mayor grado de
control que el que las circunstancias le permiten. Así, espejo de
sí misma, la película gira sobre su eje y, en lugar de fracasar,
se reafirma. El niño ahora adulto prefiere ya prescindir de intermediarios; el director asume que es mejor aceptar que oponer
resistencia, y en ese pase de manos en el que parecieran confabularse tanto el azar como las buenas decisiones es donde se
despliega una película que se vuelve única. Magdalena Arau

Solar portrays a child prodigy from the new age world who published the book I Come from the Sun at ten a visionary of sorts.
It also captures a director trying to make a film about this kid,
now a grownup, and sticks to a process for years, accepting the
accidents or the small everyday catastrophes and renouncing
a higher degree of control than the circumstances allow. This
way, a mirror of itself, the film spins on its own axis and, instead
of failing, it reaffirms itself. The former kid now prefers to do
without any middlemen; the director comes to terms with the
fact that accepting that is better than resisting, and it is in that
relay in which chance and good decisions seem to collude that
a unique film unfolds. MA

Manuel Abramovich
Nació en Buenos Aires en 1987, y estudió dirección de fotografía en la
ENERC. También participó del Talent Campus de Berlín y dirigió los cortos
La reina (2013; Bafici ‘14) y Las luces (2014, Bafici ‘15).
He was born in Buenos Aires in 1987, and studied cinematography at the
ENERC. He also attended Berlin’s Talent Campus and directed the shorts
La reina (2013; Bafici ‘14) and Las luces (2014, Bafici ‘15).

Argentina, 2016 / 73’ / DCP / Color
Español / Inglés - Spanish / English
D, P, PE: Manuel Abramovich G: Manuel Abramovich,
Flavio Cabobianco, Fernando Krapp, Javier Zevallos
F: Manuel Abramovich, Flavio Cabobianco E: Anita Remón
S: Sofía Straface I: Flavio Cabobianco, Marcos Cabobianco,
Alba Zuccoli de Cabobianco
Contacto / Contact
Manuel Abramovich
T +54 9 11 4779 0053
E [email protected] W cargocollective.com/mabramovich

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[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

competencia oficial argentina

Taekwondo
Fernando está de vacaciones con sus amigos en una quinta
en Ezeiza. Descansan en la pileta, toman alcohol, fuman, y
sacan a la luz sus intimidades más profundas mientras exhiben una libertad lúdica, como si fueran niños en una colonia
de vacaciones.

Fernando in on vacation with his friends at a holiday home in
Ezeiza. They rest in the pool, drink alcohol, smoke and bring
their deepest secrets to light while they display a playful freedom, as though they were kids at summer camp.

Con sus películas en solitario, Berger y Farina habían demostrado un talento singular (o dos talentos) para construir algo
así como ballets de cuerpos masculinos semidesnudos. Esta
comedia despreocupada y veraniega, que fluye entre diálogos
hiperbólicamente heterosexuales desmentidos con gracia sutil
por las imágenes, se revela como el campo de juego ideal
para dar un paso más en ese programa. Faunos que se abrazan al borde de la pileta, se exhiben en calzoncillos, se trenzan
en lucha amistosa, se miden: esos son los movimientos visibles de la coreografía que ejecuta Taekwondo. Pero, debajo
de su superficie luminosa, empapada por los rayos naranja
del sol, late una cualidad inasible que bien podría pertenecer
al mundo de los sueños o al de los deseos incluidos en los
sueños. Agustín Masaedo

With their solo films, Berger and Farina had shown a unique
talent (or talents) for making ballets of sorts populated by
half-naked male bodies. This carefree summer comedy, that
flows through hyperbolically heterosexual lines of dialogue
refuted with subtle flair by the images, proves to be the ideal
playing field to take one more step in that direction. Fauns
hugging each other beside the pool, in their underwear, getting into friendly fights, measuring each other: those are the
visible movements in the choreography carried out by Taekwondo. But underneath its luminous surface, soaked by the
sun’s orange beans, hides an ethereal quality that could well
belong to the dream world, or that of the desires included
in dreams. AM

Marco Berger

Argentina, 2016 / 105’ / DM / Color / Español - Spanish

Nació en Argentina en 1977. Dirigió los largos Plan B (Bafici ‘09),
Ausente (Bafici ‘11), Hawaii (Bafici ‘13) y Mariposa (2015).
He was born in Argentina in 1977. He directed the features Plan B (Bafici
‘09), Absent (Bafici ‘11), Hawaii (Bafici ‘13) and Butterfly (2015).

Martín Farina
Nació en Buenos Aires en 1982. Es licenciado en Comunicación. Dirigió
varios largometrajes, entre ellos, Fulboy (Bafici ‘14) y El hombre de paso
piedra (Bafici ‘15).
He was born in Buenos Aires in 1982. He majored in communication and
directed Fulboy (Bafici ‘14) and El hombre de paso piedra (Bafici ‘15).

D, DA, P: Marco Berger, Martín Farina G, E: Marco Berger
F: Martín Farina S: Jorge Barilari, Tomás Fernández Juan
M: Pedro Irusta PE: Marco Berger, Martín Farina, Veronica Argenzio
CP: Cinemilagroso I: Gabriel Epstein, Lucas Papa, Nicolás Barsoff,
Francisco Bertín, Andrés Gavaldá, Darío Miño, Juan Manuel Martino,
Gastón Re, Arturo Frutos
Contacto / Contact
Cinemilagroso
T +54 11 3004 2444 E [email protected]
W cinemilagroso.com.ar ~ filmtaekwondo.com.ar

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65

competencia vanguardia y género
avant-garde & genre competition

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

avant-garde & genre competition

Disco Limbo
Un chico se enamora de otro que ve por primera y única vez en
una fiesta, pero que luego desaparece entre la gente. Entonces, el enamorado emprende una búsqueda desesperada para
reencontrarse con su objeto de deseo.

A boy falls in love with another one he sees for the first and
last time at a party, but who then disappears among the
crowd. He then embarks on a desperate search to reunite
with his object of desire.

Un chico conoce fugazmente a otro en una fiesta y, luego de un
rapto de enamoramiento, lo pierde de vista. Empieza la búsqueda, que tiene tanto de amor como de exorcismo. Con la ayuda
de una amiga que ahora vive lejos, pero a su modo lo acompaña,
trata de localizarlo en fiestas y situaciones similares a las del
primer encuentro. Pero nada de esto es lo que parece. Sobre
terreno conocido para la ficción, Disco Limbo planta bandera
inventando su idioma hecho de paisajes montañosos, voces de
doblaje, topografías animadas, tutoriales, videojuegos, desiertos,
karaokes y fiestas interminables. El resultado es un viaje en el
que tiempo y espacio no son necesariamente amigos, y donde
entre palabra e imagen hay tanta distancia como entre el chico
que busca y el que –concluimos– escapa. Magdalena Arau

A young man briefly meets another young man in a party and
loses sight of him after a experiencing a quick crush. The search
begins, with both love and exorcism. With the help of a girlfriend who now lives far away but keeps him company in her
own way, he tries to find him in parties and similar situations to
that of their first encounter. But none of this is actually what it
seems. Disco Limbo plants its flag on common fiction grounds
and creates its own language, made of mountain settings,
dubbed voices, animated topographies, tutorials, video games,
deserts, karaoke, and endless parties. The result is a journey in
which time and space aren’t necessary companions, and where
there’s so much distance between words and pictures as it exists between the boy who is searching and the one who –we can
conclude– is escaping. MA

Fredo Landaveri / Mariano Toledo
Nacieron en Buenos Aires en 1987, y se conocieron estudiando diseño
de imagen y sonido en la UBA. A partir de allí, colaboraron juntos en la
realización de varios videoclips para artistas como Wendy Sulca y Los
Sultanes. Disco Limbo es su primer largometraje.
They were born in Buenos Aires in 1987, and met while studying image
and sound design at the UBA. Later, they collaborated with each other in
the making of many music videos for artists like Wendy Sulca and Los
Sultanes. Disco Limbo is their first feature.

68

Argentina, 2016 / 70’ / DCP / Color & B&N
Español / Italiano - Spanish - Italian
D, E: Fredo Landaveri, Mariano Toledo G, P, PE: Fredo Landaveri,
Mariano Toledo, Ivana Brozzi F: Mariano Toledo S: Begoña Cortázar,
Andres Marks, Juan Caille, Ivana Brozzi M: Ivana Brozzi CP: Vaca Ninja
Contacto / Contact
Vaca Ninja. Mariano Toledo
T +54 9 11 5505 8773
E [email protected]
W discolimbo.com.ar

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

competencia vanguardia y género

Una novia de Shanghai
A Shanghai Bride
Dos pícaros deambulan por una ciudad extraña, sin hogar ni
familia, y se ganan la vida mientras fantasean con un golpe
de suerte.

Two scoundrels wander through the strange city, without a
family or a home, making a living and fantasizing about a
stroke of luck.

Una novia de Shanghai tiene un tono de fábula, una comicidad
distante llena de elegancia y la convicción cabal de que el
cine es una aventura sin beneficio de inventario. Un salto al
vacío en el que las imágenes nunca deben mostrar todo, pero
deben ser capaces de sugerirlo y también lanzarse sobre el
mundo y abarcar lo que se pueda, exhibiendo una determinación y una destreza que no siempre se está seguro de poseer.
Tras el impactante comienzo del film, en el que parecen bullir
cientos de historias y de tramas posibles, hermanadas por el
hilo invisible con el que se teje el misterio de una gran urbe,
el director encuentra a sus protagonistas, una pareja de buscavidas que practica la indolencia pero también la ilusión de
los desesperados: la “película asiática” de Andrizzi es también
el relato de un sueño imposible en el que los muertos hacen
andar a los vivos. David Obarrio

A Shanghai Bride has a fable tone, a very elegant, distant comic
element, and the full certainty that cinema is an adventure with
no chance of an inventory. It’s a plunge in which images should
never ever show everything, instead they must be able to suggest it, and also throw themselves to the world and reach as far
as they can, exhibiting a determination and skill that may not be
there. After the shocking beginning of the film, where hundreds
of stories and plots appear to be boiling up and connected by
the invisible thread that weaves the mystery of a huge city, the
director also finds its protagonists, a couple of indolent hustlers
with the illusions of the desperate ones: Andrizzi's “Asian film”
is also the story of an impossible dream in which the dead make
the living walk. DO

Mauro Andrizzi

Argentina / China, 2016 / 70’ / DCP / Mandarín

Nació en Mar del Plata, Argentina, en 1980. Estudió guion en la ENERC, y
en 2006 fundó su productora Mono Films. Dirigió los largometrajes Mono
(2007), Iraqi Short Films (2008; Bafici ‘09), En el futuro (2010; Bafici ‘13)
y Accidentes gloriosos (2011; Bafici ‘12).
He was born in Mar del Plata, Argentina, in 1980. He studied screenwriting
at the ENERC and founded his production company Mono Films in 2006.
He directed the features Mono (2007), Iraqi Short Films (2008; Bafici ‘09),
In the Future (2010; Bafici ‘13) and Glorious Accidents (2011; Bafici ‘12).

D, G: Mauro Andrizzi F: Yao Zi-long E: Francisco Vázquez Murillo
DA: Wang Jing-ping S: Manuel de Andrés PE: Pablo Salomón,
Mauro Andrizzi CP: Mono Films I: Lorena Damonte, Jiao Jian,
Hu Chen-gwei, Sun Yu-han, Lian Hong-feng
Contacto / Contact
Mono Films. Mauro Andrizzi, Pablo Salomón
T +54 9 11 5644 2358 ~ +54 11 4074 6161
E [email protected] ~ [email protected]
W monofilms.com.ar

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

69

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

fuera de competencia - out of competition

avant-garde & genre competition

Homo Sapiens
¿Qué quedará de nuestras vidas después de que nos hayamos
ido? Eso es lo que pregunta esta película, que explora la finitud
y la fragilidad de la existencia humana vista desde un posible
futuro apocalíptico.

What remains of our lives after we’re gone? That’s the question posed by this film, which explores the finiteness and frailty
of human existence from a possible apocalyptic future.

El director de Over the Years (que también pasó por el Forum de
la Berlinale) logra que sus documentales de observación tengan
una extraña narrativa que nos atrapa desde el primer minuto de
proyección. En este caso, la proeza es mayor porque la película
no tiene diálogos ni voces humanas (aunque sean silentes). Se
trata de la edición de planos de lugares abandonados, en los
que la naturaleza va retomando el control de aquello que alguna
vez el hombre supo dominar. Fábricas destartaladas, carreteras
en las que crecen los yuyos, cines y teatros en ruinas dialogan
en un continuo sin que se oiga otro sonido que el del silencio.
El resultado es tan intrigante como sobrecogedor, un encuentro
improbable entre scouting de locaciones para películas de Tsai
Ming-liang y ficción postapocalíptica. Fernando E. Juan Lima

The director of Over the Years (which was also part of the Berlinale’s Forum) succeeds in giving his observation documentaries
a strange narrative that gets us hooked from the first minute of
their projection. In this case, the prowess is greater because this
film has no dialogue or human voices (not even silent ones). It’s
a montage of shots of abandoned places, where nature starts
regaining control on what men once dominated. Rundown factories, highways where weeds grow and theaters in ruins converse in a continuum without us hearing any sound other than
that of silence. The result is as intriguing as it is overwhelming,
an unlikely meeting between a location scouting for Tsai Mingliang films and post-apocalyptic fiction. FEJL

Nikolaus Geyrhalter
Nació en Viena, Austria, en 1972. A los 22 años fundó la compañía Nikolaus Geyrhalter Filmproduktion, focalizada en documentales y ficciones
de autor. Entre sus documentales como realizador se encuentran Pripyat
(1999), Elsewhere (2001), 7915 Km (2008), Abendland (2011) y Over
the Years (Bafici ‘15).
He was born in Vienna, Austria, in 1972. At the age of 22, he founded the
Nikolaus Geyrhalter Filmproduktion company, focused on auteur documentaries and fictions. His documentaries as a filmmaker include Pripyat
(1999), Elsewhere (2001), 7915 Km (2008), Abendland (2011), and Over
the Years (Bafici ‘15).

70

Austria, 2016 / 94’ / DCP / Color
D, F: Nikolaus Geyrhalter E: Michael Palm S: Peter Kutin,
Florian Kindlinger P: Nikolaus Geyrhalter, Michael Kitzberger,
Wolfgang Widerhofer, Markus Glaser PE: Michael Kitzberger
CP: NGF - Nikolaus Geyrhalter Filmproduktion
Contacto / Contact
Autlook Filmsales. Salma Abdalla
T +43 720 346 934
E [email protected]
W autlookfilms.com ~ homosapiens-film.at

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

competencia vanguardia y género

Vintage Print
Estampado antiguo
Una fotografía vieja constituye el punto de partida de esta exploración. La imagen data de fines del siglo XIX y, mediante
ella, el cineasta austríaco nos traslada al epicentro de la naturaleza cinematográfica.

An old photograph works as the starting point of this exploration. The image dates from the late-19th Century, and through
it, the Austrian filmmaker transports as to the epicenter of cinematic nature.

Como un Santiago Álvarez al cuadrado (al 4K, más precisamente), Siegfried A. Fruhauf –descendiente de la Gran Generación
austríaca de Tscherkassky, Deutsch y Arnold– redefine con Vintage Print la potencialidad del cine en tanto imaginación puesta
al servicio de una economía de recursos asombrosa. Si el pionero del cine de montaje cubano pasó a la inmortalidad con su
frase “denme dos fotografías, una moviola y algo de música y
les haré una película”, Fruhauf adelgaza la receta creando trece
minutos hiperkinéticos a partir de un único negativo de vidrio
de un siglo y medio de antigüedad en descomposición. De la
figuración a la abstracción, de lo analógico a lo digital, de lo
documental a lo experimental, el logro definitivo de Vintage Print
es poner en marcha una road movie en sus propios términos, en
la que lo primero que queda atrás es la propia noción de lo que
es el cine. Pablo Marín

Like a Santiago Álvarez squared (or multiplied by 4K, to be
more precise), Siegfried A. Fruhauf –a descendant of Austria’s
Great Generation of Tscherkassky, Deutsch and Arnold– redefines with Vintage Print the power of film as imagination, at the
service of an amazing economy of resources. If the pioneer of
Cuban montage cinema became immortal when he left us his
phrase “give me two photographs, a moviola, and some music,
and I’ll make you a film,” Fruhauf slims down that recipe by creating thirteen hyperkinetic minutes out of a single, century-old
glass negative in decomposition. Ranging from figurative to abstract art, analogy to digital, and documentary to experimental,
Vintage Print’s definitive achievement is that it reverses a road
movie in its own terms, and the first thing that is left behind is
the very same notion of cinema. PM

Siegfried A. Fruhauf
Nació en Austria en 1976, y se formó como gerente comercial. Estudió
diseño visual experimental en la Universidad de Diseño Artístico e Industrial de Linz. Realizó numerosas obras y espectáculos en el área de cine,
video y fotografía.
He was born in Austria in 1976, and trained as a business manager. He
studied experimental visual design at the University of Artitic and Industrial Design in Linz. He directed several plays and shows in the areas of
film, video and photography.

Austria, 2015 / 13’ / DCP / Color
D: Siegfried A. Fruhauf F: Siegfried A. Fruhauf E: Siegfried A. Fruhauf
S: Anna Katharina Laggner, Siegfried A. Fruhauf, Christoph Ruschak
P: Siegfried A. Fruhauf
Contacto / Contact
sixpackfilm. Dietmar Schwarzer
T +43 1526 0990
E [email protected]
W sixpackfilm.com

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71

avant-garde & genre competition

A morte de J.P. Cuenca
The Death of J.P. Cuenca
La muerte de J.P. Cuenca
En 2008, Cuenca recibe la sorprendente noticia de su propia
muerte: en un revés extraño, alguien había robado su nombre
y muerto con él. ¿Quién es ese alguien? El realizador se lanza
a una búsqueda en la que la ficción y el thriller están servidos
en bandeja.

In 2008, Cuenca receives the surprising news of his own
death. In a strange turn, someone had stolen his name and
died with it. Who is that person? The filmmaker embarks
on a search where fiction and the thriller genre are offered
on a tray.

Poco importa que A morte de J.P. Cuenca se asiente en el carril
de la autorreferencialidad, o que el episodio sobre el robo de la
identidad del propio director esté más o menos cerca de los hechos reales. La densidad del cine de Cuenca se encuentra en el
momento en que su mirada decide explorar coordenadas en las
que lo ficcional y lo testimonial parecen confundirse, pero ese
es solo el puntapié para acceder a zonas donde lo irresuelto es
la regla, donde la deriva de un thriller díscolo trastabilla frente
al rigor del plano corto en clave documental, donde es posible
poner la comicidad en tensión con la intriga. Y si la figuración
desquiciada del barrio de Lapa en Río de Janeiro se percibe
como si fuera un personaje suplementario, es por la capacidad
que tiene la película de preguntarse no solo por las mutaciones
de la identidad del personaje, sino también por las de la ciudad
y las del cine mismo. Eduardo D. Benítez

It’s not that important that The Death of J.P. Cuenca settles for
the referential, or that the episode about the director’s identity theft is more or less close to fact. The density of Cuenca’s
cinema can be found at the very moment his eye decides to
explore coordinates in which fact and fiction seem to mix, but
that is only the kick-off point from where to reach zones where
the unresolved is the norm, where the drift of a mischievous
thriller stumbles upon the rigor of the documentary-style close
shot, where it’s possible to put hilarity and suspense under tension. And if the unhinged capturing of the Lapa neighborhood in
Rio de Janeiro is perceived as though it were a supplementary
character, it is due to the capability the film has of asking itself
not only for the mutations in the character’s identity, but also for
those of the city and film itself. EDB

João Paulo Cuenca
Nació en Río de Janeiro, Brasil, en 1978. Es autor de cuatro novelas y
una antología de historias breves. Sus libros han sido traducidos a ocho
idiomas. A morte de J.P. Cuenca es su primer largometraje como director.
He was born in Rio de Janeiro, Brazil, in 1978. He wrote four novels and
an anthology of short stories. His books have been translated into eight
languages. The Death of J.P. Cuenca is his directorial debut.

Brasil - Brazil, 2015 / 90’ / DCP / Color
Portugués - Portuguese
D, G: J. P. Cuenca F: Pedro Urano E, PE: Marina Meliande
DA: Mariana Jannuzzi S: Bernardo Uzeda M: Daniel Limaverde
P: Marina Meliande, Felipe Bragança CP: Duas Mariola Filmes
I: João Paulo Cuenca, Ana Flavia Cavalcanti, Paulo Roberto Pires,
Geraldo Margela, Ivo Raposo
Contacto / Contact
Duas Mariola Filmes. Marina Meliande
T +55 11 948 965 714 E [email protected]
W duasmariola.com.br ~ amortede.jpcuenca.com

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[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

competencia vanguardia y género

Boi Neon
Neon Bull
Toro Neón
Iremar trabaja en las vaquejadas, el tradicional rodeo del noroeste de Brasil. Pero el país está cambiando dramáticamente,
y la floreciente industria textil de la región despierta nuevas
ambiciones en él, que empieza a soñar con el diseño de moda.

Iremar works in the vaquejadas, the traditional rodeo of northwest Brazil. But the country is changing, and the flourishing
textile industry sprouts new ambitions in him, as he starts
dreaming of fashion design.

Situado en el noreste de Brasil, este film galardonado en el último Festival de Venecia hace foco en el mundo de las vaquejadas, una práctica tradicional en la que dos vaqueros montados
a caballo tienen como objetivo derribar a un toro agarrándolo de
la cola. Se podría trazar un paralelismo entre el protagonista del
film y su director. Por un lado, el primero confecciona, de manera minuciosa y apasionada –y sin que sepamos hacia dónde
se dirige su acción–, un traje de baile que brillará al final; por
el otro, Gabriel Mascaro va tejiendo la trama de su película con
precisión y agudeza, y pone el eje de su mirada en las acciones
cotidianas de los personajes, en la particularidad del contexto
rural en el que se encuentran, con la confianza de que nos conducirán a un desenlace deslumbrante. Violeta Bava

Located in Northeast Brazil, this film –awarded in the last Venice
film festival– focuses on the world of vaquejadas, a traditional
custom where two cowboys on horseback must take down a
bull by grabbing its tale. You could draw a parallel between the
film’s main character and the director. On one side, you have
the protagonist making –in a passionate and thorough manner,
without us knowing why– a dance suit that will shine in the end.
On the other, Gabriel Mascaro builds the plot of his film with precision and sharpness, and turns his eye towards the characters’
everyday actions and the unique nature of their rural context,
confident that they will lead us to a dazzling outcome. VB

Gabriel Mascaro
Nació en Brasil en 1983, y se graduó en comunicación social en la Universidad Federal de Pernambuco. Dirigió los largos documentales KFZ-1348
(2008), Um lugar ao sol (2009), ambos exhibidos en el Bafici ‘09, y
Doméstica (Bafici '13).
He was born in Brazil in 1983, and graduated in social communication
at the Federal University of Pernambuco. He directed the documentary
features KFZ-1348 (2008), High-Rise (2009), both screened in Bafici
‘09, and Doméstica (Bafici '13).

Brasil / Uruguay / Holanda - Brazil / Uruguay / Netherlands,
2015 / 104’ / DCP / Color / Portugués - Portuguese
D, G: G. Mascaro F: D. García E: F. Epstein, E. Serrano
DA: M.Mesquita S: F. Oliver M: Otávio Santos, Cláudio N,
Carlos Montenegro P: Rachel Ellis PE: R. Ellis,S. Saravia, M. Slot
CP: DESVIA, Canal Brasil, Malbicho Cine, Viking Films I: J. Cazarré,
A. Santana, C. Pessoa, M. Jinkings, V. de Oliveira
Contacto / Contact
Artscope. Sata Cissokho
T +33 1 5334 9020 E [email protected]
W memento-films.com ~ boineon.com.br

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73

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

avant-garde & genre competition

Les Démons
The Demons
Los demonios
Mientras en Montreal se produce una ola de secuestros de niños, Félix está terminando su año escolar en un barrio aparentemente tranquilo. Poco a poco, sus demonios imaginarios comienzan a reflejar los de la perturbadora realidad que lo rodea.

While a wave of child kidnappings takes place in Montreal, Felix is finishing his school year in an apparently quiet neighborhood. Slowly, his imaginary demons start to reflect the ones
present in the disturbing reality around him.

Lassage firma su película como lo hacía Carpenter: Philipe
Lassage’s Les Démons. Y si en las películas de terror clásicas
los monstruos son metáforas de miedos internos, acá el proceso es inverso. Les Démons se filma como Halloween, con largos
planos secuencia, pero acá son más cortos e íntimos. En un
cuarto, en un vestuario, en un cumpleaños. Los miedos de la
película de Lassage son los que son, sin máscara: Félix, de diez
años, descubre su sexualidad con culpa; sus padres atraviesan
una crisis matrimonial y él está lleno de incertidumbres. Mientras tanto, unos niños comienzan a desaparecer en Montreal.
Los demonios de Les Démons van desde pequeños traviesos
hasta verdaderos hombres de la bolsa. El inesperado final feliz
con la canción “Pata, pata” es tan liberador como sacarse un
miedo (y un psicópata real) de encima. Daniel Alaniz

Lassage signs his film just like Carpenter did: Philipe Lassage’s
The Demons. And while monsters are metaphors for internal
fears in classic horror, here we have the exact opposite. The
Demons is shot lie Halloween, with long sequence shots, but
they’re shorter and ore intimate. They happen in a bedroom, in
a locker room, in a birthday party. The fears in Lassage’s film
are what they are, unmasked: Felix is ten years old and he’s discovering his sexuality with guilt; his parents are going through
a marriage crisis, and he is filled with uncertainties. Meanwhile,
children start to disappear in Montreal. The demons in The
Demons range from tiny knotty ones to actual bogie men. The
unexpected happy ending with the song “Pata, pata” is as liberating as getting a fear (and a psycopath) out of your system. DA

Philippe Lesage

Canadá - Canada, 2015 / 118’ / DCP / Color / Francés - French

Nació en Canadá y se desempeñó como profesor de cine en Dinamarca.
Es conocido por sus documentales y su largometraje de ficción Copenhague: A Love Story (2014), seleccionado en numerosos festivales.
He was born in Canada and worked as a film professor in Denmark. He is
known for his documentaries and his fiction feature Copenhague: A Love
Story (2014), which was screened in many festivals.

D, G: Philippe Lesage F: Nicolas Canniccioni E: Mathieu BouchardMalo DA: Marjorie Rhéaume S: Marcel Chouinard, Pascal Van
Strydonck, Lionel Guenoun P: Galilé Marion-Gauvin
PE: Galilé Marion-Gauvin CP: Les Films de l’Autre, L’Unité Centrale
I: Edouard Tremblay-Grenier, Pier-Luc Funk, Yannick Gobeil-Dugas,
Laurent Lucas, Sarah Mottet
Contacto / Contact
Be for Films. Claire Battistoni
T +32 485 147 390 E [email protected]
W beforfilms.com

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[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

competencia vanguardia y género

No Men Beyond This Point
Ningún hombre a partir de aquí
Este falso documental con aires de comedia está situado en
un mundo distópico en el que las mujeres pueden reproducirse asexualmente y los hombres se han vuelto inútiles para la
sociedad. Las cosas se complican cuando la población masculina decide que es tiempo de organizar una rebelión.

A faux documentary set in a dystopian world where women
can reproduce asexually and men have become useless to
society. Things get complicated when the male population decides it’s time to organize a rebellion.

Una película especulativa a partir de una premisa extrema: el
fin de los hombres; no de la humanidad, sino del género masculino. Una comedia reflexiva en las formas del mockumentary
explotado con la seguridad que puede otorgar partir desde una
buena idea, una con potencia, una de esas que inmediatamente tienen el poder de resumir y promocionar un relato. Pero
esta película de Mark Sawers está lejos de vivir con respiración
mínima: No Men Beyond This Point apunta a la guerra de los
sexos, a las imposturas, a la forma en que se resquebrajan los
discursos únicos y totalizantes. Desde cada grieta, desde cada
contradicción, afirma con claridad, gracia y potencia polémica
que sabe que sus temas han poblado la comedia entre (pocos) hombres y (muchas) mujeres desde hace décadas. Javier
Porta Fouz

A speculative film with an extreme premise: the end of men –
not humanity, only the male gender. This is a thoughtful comedy
with the shape of a mockumentary that gets exploited with the
type of certainty that is based on a good idea –a powerful one,
the kind it can immediately summon up and promote a story.
But this film by Mark Sawers is definitely not living on shallow
breaths: No Men Beyond This Point taps into the war of the sexes, impostures, and the way totalizing, unique discourses often
come apart. Through every crack and every contradiction, the
film states –with clarity, grace, and a controversial power– its
awareness of the fact that these themes have been present in
comedies about (few) men and (many) women for decades. JPF

Mark Sawers
Nació en Vancouver, Canadá. Creó numerosos proyectos para cine y televisión, entre ellos el cortometraje Shoes Off! (1998), ganador del premio
Mejor Cortometraje de la Semana de la Crítica del Festival de Cannes, y
el largometraje Camera Shy (2012).
He was born in Vancouver, Canada. He created several film and TV projects, including the short film Shoes Off! (1998), which won the Best Short
Film award at the Critics’ Week in Cannes, and the feature-length film
Camera Shy (2012).

Canadá - Canada, 2015 / 80’ / DCP / Color & B&N
Inglés - English
D, G, E, PE: Mark Sawers F: Thomas Billingsley, Christopher Charles
Kempinski DA: Theresa Konrad S: Kirby Jinnah M: Don MacDonald
P: Kaleena Kiff, Galen Fletcher CP: Radius Squared Media Group
I: Patrick Gilmore, Kristine Cofsky, Tara Pratt, Cameron McDonald,
Rekha Sharma
Contacto / Contact
Radius Squared Media Group. Kaleena Kiff
T +1 604 618 4469 E [email protected]
W radius-squared.com ~ nomenbeyondthispoint.com

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

avant-garde & genre competition

The Bodyguard
El guardaespaldas
Tras la muerte de su maestro de kung fu, Wu abandona la
ciudad y consigue trabajo como guardaespaldas de la chica
más rica del pueblo. Allí debe apelar a su destreza en las artes
marciales para enfrentar a un ejército de villanos.

Following the death of his kung fu master, Wu leaves the
city and gets a job as a bodyguard of the richest girl in
town. He will need to use his martial arts abilities to face
an army of villains.

Protagonista, director, guionista y aventurero de cada secuencia, Yue Song está en llamas de principio a fin. Esta es una
película de superacción, una película de kung-fu en modo iridiscente que autoriza a llamar a su creador delante y detrás de
cámaras como el nuevo Jackie Chan (antes de que sea tarde:
quédense a ver los créditos). Una película empapada de cinefilia, que procesa sus influencias –Titanic, James Bond, Kill Bill
y el melodrama más superficial e hiperbólico– a velocidad demencial pero sin perder claridad, que se ríe de cada convención
poniéndola a volumen 11 (la secuencia paródica de la playa
convierte a la de La pistola desnuda en una de Claude Sautet), y
que exhibe devoción por el movimiento. Ojos y almas acostumbrados a la acción en el cine, están a punto de experimentar un
nuevo comienzo. Javier Porta Fouz

Protagonist, director, screenwriter and adventurer of every sequence, Yue Song is on fire from beginning to end. This is an
all-out action movie, a kung-fu movie in iridescent mode that
authorizes one to call its creator in front of and behind the
cameras the new Jackie Chan (before it’s too late: stay for the
end credits). A film steeped in cinephilia that processes its influences –Titanic, James Bond, Kill Bill and melodrama at the most
superficial and hyperbolic– at a demented pace but without ever
losing clarity, that laughs at every convention by turning it up to
11 (the parody sequence at the beach turns The Naked Gun into
a film by Claude Sautet), and displays a devotion for movement.
Eyes and souls accustomed to action at the movies are about to
experience a new beginning. JPF

Yue Song

China / Hong Kong, 2016 / 90’ / DCP / Color / Mandarín

Es luchador de artes marciales. Debutó como director con King of the
Streets (2012).
He is a martial artist. He made his directorial debut with King of the
Streets (2012).

D, G, P: Yue Song PE: Yue Song, Patricia Kong CP: Pan-Asia Visual
Art Media, Yue Song Film and Television, Hai Run Film and Television,
Malaysia SKT Song Jiang Media, Sheng Pin International Film and
Television, Chang Long Film and Television I: Yue Song, Yu Xing,
Collin Chu, Chan Man-wai
Contacto / Contact
All Rights Entertainment. Pearl Chan
T +852 2388 6007
E [email protected]
W allrightsentertainment.com

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

competencia vanguardia y género

Alice in Earnestland
Seong-sil-han na-la-ui Ael-li-seu
Alicia en el País de la Honestidad
En esta película de acción, Soo-nam lucha para pagar las facturas de su marido en estado vegetativo. Pero, a pesar de su gran
esfuerzo, el marido parece condenado a no despertar nunca.

In this action film Soo-nam struggles to pay the bills of his
husband, who’s in a vegetative state. But in spite of her great
effort, the husband seems doomed to never wake up again.

Heroína de la desgracia, Soo-nam persigue fines pequeños
con caudal de sangre a montones. Forzada por la vida, a esa
desproporción le suceden sus pases mágicos dejando incendios intencionales, amputaciones y muertes de diversa índole
en el camino, mientras Soo-nam procura no perder lo poco
que tiene –incluido su marido en estado vegetativo–. Comedia
negra de velocidad frenética y electricidad en partes iguales,
Alice in Earnestland es un viaje sin freno por las formas de
matar más disímiles, incluyendo una venganza llevada adelante con paciencia de santa. Porque, por más que ella se
esfuerce intentando la bondad y el sacrificio en sus formas
más puras, las cosas se le dan tan difíciles como fáciles le
resultan sus golpes mortales, en una especie de arte marcial
contra el mundo en su cara más disparatadamente injusta.
Magdalena Arau

A heroine of disgrace, Soo-nam pursues small goals with huge
amounts of bloodshed. Life forced her to that unbalanced situation with magic tricks that include intentional fires, amputations,
and all kinds of deaths on the way, as she tries to keep what
little she has –including her husband in vegetative state. A black
comedy with equal amounts of frenzied speed and electricity,
Alice in Earnestland is a non-stop journey through extremely
different ways of killing, including a revenge that is carried on
with a holy patience. Because even if she tries hard to be kind
and sacrifice herself for others in the purest ways, things are too
hard for her, except for the terribly easy ways she finds to spread
her mortal punches, in a sort of martial art against the craziest
and more unfair side of the world. MA

Ahn Gooc-jin
Nació en Seúl en 1980. Después de graduarse del Departamento de
Teatro y Cine en la Universidad de Kyung Hee, estudió dirección en la
Academia Coreana de Artes Cinematográficas. Realizó los cortos Stop By
My House (2008) y Double Clutch (2010).
He was born in Seoul in 1980. After graduating from the Department of
Theater and Film of the University of Kyung Hee, he studied filmmaking at
the Korean Academy of Film Arts. He made the shorts Stop By My House
(2008) and Double Clutch (2010).

Corea del Sur - South Korea, 2015 / 87’ / DCP / Color
Coreano - Korean
D, G: Ahn Gooc-jin F: Lee Seok-jun E: Ahn Gooc-jin, Kim Woo-il
S: Hwang Yu-jin M: Jang Young-gyu P: Lee Ji-seung, Park Chan-ok
PE: Yu Young-sik, Choe Equan CP: Kafa Films
I: Lee Jun-hyun, Lee Jeong Hyun, Seo Young-hwa
Contacto / Contact
CJ Entertainment. Hawon Kim
T +82 2371 8470
E [email protected]
W lineup.cjenm.com/films ~ kafa.ac

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77

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

avant-garde & genre competition

Esa sensación
That Feeling
Un virus que hace decir y hacer cosas a la gente. Una cadena
contagiosa de torpeza, una mujer que se relaciona patológicamente con objetos de la ciudad y un hombre que espía a su
padre por las calles: tres divertidas historias sobre el amor, la
fe y la voluntad.

A virus that makes infected people say and do things. A
contagious chain of clumsiness, a woman who relates in a
pathological way to objects in the city, and a man who spies
on his father on the streets: three funny stories about love,
faith, and will.

Si hay algo que une el cine de Juan Cavestany, Julián Génisson
y Pablo Hernando es su querencia por levantar las ciudades
que muestran en sus films a partir de espacios despoblados,
semi desérticos, lugares donde siempre parece que hubo un
proyecto de construir algo y ese algo se dejó a medias: áreas de
servicio, descampados, chatarrerías, glorietas, el mundo, más
allá de sus propios conflictos íntimos, no parecería existir en
torno los personajes de Gente en sitios, Berserker o La tumba
de Bruce Lee. Ahora, estos tres magos del vitriolo ibérico se
reúnen en un film colectivo (que no episódico) donde se ratifica
que el retrato más realista de la realidad española, desde hace
décadas ya, es el que pasa por el barniz del extrañamiento,
el ángulo imposible y el sonido de un acúfeno atravesando la
pantalla. Fran Gayo

If there’s one element that connects the cinema of Juan Cavestany, Julián Génisson, and Pablo Hernando that is their fondness
with lifting up the cities they depict in their films through unpopulated, semi-deserted spaces, places where there’s always
an unfinished project to build something. Service areas, wastelands, junk yards, roundabouts, and the world –beyond its own
intimate conflicts– didn’t seem to exist around the characters
in People in Places, Berserker or La tumba de Bruce Lee. Now,
these three wizards of Iberian vitriol gather in a collective –yet
not episodic– film, which confirms that –for decades now– the
most realistic portrait of Spanish reality is that one featuring
an alienating feel, impossible angles, and the sound of tinnitus
across the screen. FG

los Directores / The Directors
Juan Cavestany: Nació en Madrid en 1957. Dirigió varios cortos y
largometrajes, como Gente en sitios (2013; Bafici ‘14). Julián Génisson: Nació en Madrid en 1982. Es guionista y director de La tumba de
Bruce Lee (2013). Pablo Hernando: Nació en Vitoria-Gasteiz en 1986.
Dirigió varios cortos y los largometrajes Cabás (2012) y Berseker (2015).
Juan Cavestany: He was born in Madrid in 1957. He directed several
short and feature-length films, including Gente en sitios (2013; Bafici
‘14). Julián Génisson: He was born in Madrid in 1982. He wrote and
directed La tumba de Bruce Lee (2013). Pablo Hernando: He was
born in Vitoria-Gasteiz in 1986. He directed several short films, and the
feature-length films Cabás (2012) and Berseker (2015).
78

España - Spain, 2016 / 80’ / DCP / Color
Español - Spanish
D, G, F: Juan Cavestany, Julián Génisson, Pablo Hernando
E: Raúl de Torres S: Juan Luis Cordero M: Aaron Rux
P: Juan Cavestany PE: Juan Cavestany I: Lorena Iglesias,
Vito Sanz, Jorge Suquet
Contacto / Contact
Juan Cavestany
T +34 661 815 396
E [email protected]
W facebook.com/Esa-Sensación

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

competencia vanguardia y género

Bone Tomahawk
Tomahawk de hueso
Un superelenco formado por Kurt Russell, Patrick Wilson,
Matthew Fox y Richard Jenkins se adentra en el Salvaje Oeste
para rescatar a un grupo de personas que se encuentran cautivas dentro de unas cuevas caníbales.

A super-cast featuring Kurt Russell, Patrick Wilson, Matthew
Fox and Richard Jenkins gets into the Wild West to rescue a
group of people captive in some cannibal caves.

Esta ópera prima de Zahler tiene varios puntos de contacto
con Los ocho más odiados, de Quentin Tarantino. Ambos son
westerns protagonizados por Kurt Russell y gran elenco, ambos
combinan elementos clásicos del género con otros más propios
de película de terror (con alta cantidad de gore incluido), ninguno es políticamente correcto y ambos beben del western clase B
más que de los grandes clásicos del género. Pero la primera película de Zahler es mucho mejor que la de Q. T.: genera mucha
más tensión con unos villanos temibles, todos los personajes
están muy bien desarrollados (y en mucho menos tiempo) y
respetan los silencios y misterios propios de los que habitan el
cine de cowboys. Brutal, intensa y extraña, Bone Tomahawk es
un combo western-horror de los que se ven poco. Diego Lerer

Zahler’s first feature has a lot in common with Quentin Tarantino’s The Hateful Eight. They are both westerns starring Kurt
Russell and other greats, they both combine classic elements
from the genre with others that have more to do with horror
films (including gore in large amounts), none of them is politically correct and both of them are more influenced by B-grade
westerns than the great classics of the genre. But Zahler’s film
is much better than Q.T.’s: it gathers a lot more tension with
some fearsome villains, all the characters are well-developed
(and in much less time) and respect the silences and mysteries
of those who inhabit cowboy films. Brutal, intense and strange,
Bone Tomahawk is quite a unique horror-western combo. DL

S. Craig Zahler
Nació en Miami en 1973. Es novelista, guionista, músico, cineasta y
director de fotografía.
He was born in Miami in 1973. He’s a novelist, scriptwriter, musician,
filmmaker and cinematographer.

Estados Unidos - US, 2015 / 133’ / DCP / Color / Inglés - English
D, G: S. Craig Zahler F: Benji Bakshi E: Greg D’Auria, Fred Raskin
DA: Freddy Waff S: Roland Vajs M: Jeff Herriott, S. Craig Zahler
P: Dallas Sonnier, Jack Heller, Wayne Marc Godfrey, Robert Jones,
David Gilbery PE: R. Scott Fort, David Gilbery, Wayne Marc Godfrey,
Robert James, Hengameh Panahi, Peter Sherayko, Jon D. Wagner
CP: Caliber Media Company I: Kurt Russell, Patrick Wilson, Matthew Fox,
Richard Jenkins, Lili Simmons
Contacto / Contact
Pascale Ramonda
T +33 662 013 241 E [email protected]
W pascaleramonda.com ~ facebook.com/bonetomahawkmovie

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

avant-garde & genre competition

Solitary Acts
Actos solitarios
Serie de tres películas que siguen impúdicamente a una mujer
desde su niñez hasta sus años de adolescencia en los que
explora su sexualidad.

Three films that are part of a series that shamelessly follows
a woman from her childhood though her teenage years, while
she explores her sexuality.

Estos actos solitarios se ejecutan contra toda esperanza, pero
sobre todo contra todo intento de vulnerar eso que, con las prevenciones del caso, podemos llamar autonomía. Una mujer se
masturba, besa su reflejo en el espejo, o masturba a un compañero. Las imágenes muestran manos y genitales en primer
plano debajo de un rayado discontinuo y una irrupción parpadeante de carteles, frases enunciadas por una voz en off que no
rehúye del relato en primera persona ni de la responsabilidad
plena de lo exhibido. Los detalles autobiográficos, la insularidad
del acto –en pie de guerra con las prevenciones paternas– o la
indagación radical acerca de los límites de la propia intimidad
permiten apreciar a una cineasta que concibe cada plano como
una forma que siente, recuerda y se comenta a sí misma, sin
perder nunca la capacidad de reflexionar. David Obarrio

These solitary acts are done against all hope, but mostly against
any attempt at damaging something we could –cautiously– call
autonomy. A woman masturbates, kisses her own reflection on
a mirror, or masturbates a partner. The images show close-ups
of hands and genitals under some discontinued scratching and
a flickering irruption of signs with phrases spoken by a voice
over that doesn’t avoid the first person narration or its full responsibility for the things we are watching. The autobiographical
details, the insular nature of the act –fully confronting parental
precautions– and a radical inquiry into the limits of intimacy
allow us to appreciate a filmmaker who thinks of every shot as
a form that is able to feel, remember, and comment on itself
without ever losing its ability for reflection. DO

Nazlı Dinçel
Nació en Ankara, Turquía, en 1989. Obtuvo una licenciatura y un máster
de la Universidad de Wisconsin, Milwaukee. Actualmente vive en Ann
Arbor, Michigan.
She was born in Ankara, Turkey, in 1989. She has a bachelor’s and a
master’s degree at the University of Wisconsin, Milwaukee. She currently
lives in Ann Arbor, Michigan.

80

Estados Unidos / Turquía - US / Turkey, 2016 / 25’ / 16mm /
Color / Inglés - English
D: Nazli Dinçel
Contacto / Contact
Nazli Dinçel
T +1 415 265 5802
E [email protected]

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

competencia vanguardia y género

Something Between Us
Algo entre nosotros
La cineasta experimental ha creado un estudio del movimiento; una coreografía de luz y fantasía que no posee ni
un solo fotograma animado, y en el que arcoíris y diamantes
llenan la pantalla.

The experimental filmmaker has created a study in movement; a choreography of light and fantasy that doesn’t have
a single animated frame, and in which the rainbow and diamonds fill the screen.

Una de las grandes películas de Stan Brakhage, The Text of
Light, es una investigación en torno a los efectos generados
a partir de proyectar la luz a través de un cenicero de cristal.
Es una de sus mejores películas, pero posiblemente también
una de las más bellas. Ese parece ser también el objetivo
de Jodie Mack con Something Between Us: buscar lo bello
a través de la luz. Mack se sirve en su caso de joyas, de
piedras preciosas y también del agua para extraer reflejos
lumínicos. De repente, se inicia un tintineo y esos reflejos
comienzan su peculiar baile, una sinfonía de luces, un ballet
psicodélico que recuerda poderosamente los experimentos
previos de Mack con el 3D. Jaime Pena

One of Stan Brakhage’s great films, The Text of Light, is an investigation on the effects generated by projecting light through
a crystal ashtray. It’s one of his best films, but perhaps also
one of his most beautiful. This also seems to be Jodie Mack’s
goal in Something Between Us: to search for beauty through
light. In her case, Mack makes use of jewelry, precious gemstones and also water to extract light reflections. Suddenly,
some tinkling starts, and those reflections its peculiar dance,
a symphony of light, a psychedelic ballet that powerfully brings
to mind Mack’s previous experiments with 3D. JP

Jodie Mack

Estados Unidos - US, 2015 / 10’ / 16mm / Color

Nació en Londres en 1983. Obtuvo un máster en Cine, Video y Nuevos
Medios de la Escuela del Instituto de Arte de Chicago en 2007, y actualmente enseña animación en el Dartmouth College. Dirigió varios cortos
en 16mm, que fueron exhibidos en Bafici ‘15.
She was born in London in 1983. She got a Master’s in Film, Video and
New Media from the School of the Art Institute of Chicago in 2007, and
currently teaches animation at Dartmouth College. She directed many
16mm shorts that were shown at Bafici ‘15.

D, G, F, E, DA, S, M, P, PE: Jodie Mack
Contacto / Contact
Dartmouth College. Jodie Mack
T +1 773 595 2312
E [email protected]
W jodiemack.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

81

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

avant-garde & genre competition

Malgré la nuit
Despite the Night
A pesar de la noche
Lens regresa a París para encontrar a su único y verdadero
amor, Madeleine. A medida que la búsqueda de ella continúa,
conoce a una enfermera con la que comienza una historia de
amor marcada por los celos y la autodestrucción.

Lens returns to Paris to find his only true love, Madeleine. As
his search continues, he meets a nurse with whom he starts a
love story marked by jealousy and self-destruction.

Cineasta de la intensidad, de los cuerpos y de las sombras,
Grandrieux extrema aquí las características de su estilo expresionista, cuyo centro es la imposibilidad de separar el deseo
de la muerte, la violencia y el dinero. La profusión de escenas
sexuales conecta una trama que se parece a un tren fantasma
impulsado por el amor entendido como una pasión incompleta,
a menos que esté abierto a las pulsiones más oscuras, más
aberrantes, más abyectas. Malgré la nuit es el recorrido por
un infierno subterráneo de traiciones y manipulaciones al que
acceden sus personajes huérfanos, carentes de toda contención que no sea la necesidad de llegar al límite. Bon voyage.
Jonás Zabala

A filmmaker of intensity, of bodies and of shadows, Grandieux
maximizes here the characteristics of his expressionist style,
which centers on the impossibility of separating desire from
death, violence and money. The abundance of sexual scenes
connects a plot that resembles a ghost train driven by love understood as a passion that’s incomplete, unless it’s open to the
darkest, most unusual and abject impulses. Malgré la nuit is the
journey through an underground hell of betrayal and manipulation by its orphan characters, who lack any kind of stability and
are always on the edge. Bon voyage. JZ

Philippe Grandrieux
Nació en Francia en 1954. Estudió cine en el Instituto Nacional Superior
de Artes del Espectáculo en Bruselas y realizó su primera videoinstalación en 1976. Dirigió varios films, entre ellos La vie nouvelle (2002;
Bafici ‘03) y Il se peut que la beauté ait renforcé notre résolution - Masao
Adachi (2011; Bafici ‘14).
He was born in France in 1954. He studied film at Brussels’ Institut
National Supérieur des Arts du Spectacle and made his first video installation in 1976. He has directed many films, including A New Life (2002;
Bafici ‘03) and The Beauty May Have Strengthened Our Resoluteness
- Masao Adachi (2011; Bafici ‘14).

82

Francia - France, 2016 / 155’ / DCP / Color
Francés / Inglés - French / English
D: Philippe Grandrieux P: Catherine Jaques CP: Lopsem
I: Arianne Labed, Roxane Mesquida, Kristian Marr, Paul Hamy
Contacto / Contact
Films Boutique. Josephine Settmacher
T +49 30 6953 7850
E [email protected]
W filmsboutique.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

fuera de competencia - out of competition

competencia vanguardia y género

A Dragon Arrives!
Ejhdeha Vared Mishavad!
¡Llega un dragón!
Un detective, un geólogo y un ingeniero de sonido investigan a
un preso político que se ahorcó en un barco abandonado en el
medio del desierto iraní.

A detective, a geologist and a sound engineer investigate the
case of a political prisoner that committed suicide by hanging
himself in an abandoned ship in the middle of the Iranian desert.

Cuenta la leyenda que, durante el rodaje de The Brick and the
Mirror (exhibida en este Bafici), el sonidista desapareció de
un momento a otro. Según parece, literalmente, se lo tragó la
tierra. Se establecen dos hipótesis posibles: la acción de los
servicios secretos de inteligencia, o bien el cumplimiento de un
maleficio anunciado, pues si a los muertos no se les da debida
sepultura extrañas fuerzas subterráneas se activan. Como en
un viaje por los infiernos, el desierto abre sus fauces, y lo que
en principio adquiere la apariencia de un thriller sobrenatural
deviene en documental, en noir, muta en varios pasajes musicales y, reptando como animal en la arena, desliza guiños de
comedia disparatada y peripecias como en la más clásica de
las aventuras. Porque en esta película se engullen todos los
géneros posibles, unos a otros, con la misma fuerza con que la
tierra se quiebra. Magdalena Arau

According to the legend, a sound technician suddenly disappeared during the shooting of The Brick and the Mirror
(screened at this edition of Bafici). Apparently, he was literally
swallowed by the earth. Two different hypotheses: it was either
the intelligence services, or rather the fulfillment of an announced curse, because when you don’t provide a proper burial
to the dead, strange underground forces emerge. The desert
opens its mouth like in a journey through hell, and what at first
seems to be a supernatural thriller becomes a documentary, a
film noir, and mutates into several musical scenes. Crawling line
a sand animal, the film also hints at crazy humor and the kind
of events from classic adventure movies. Because in this film
every possible genre swallows the other, with the same force
that breaks the Earth open. MA

Mani Haghighi

Irán - Iran, 2016 / 108’ / DCP / Color / Persa - Farsi

Nació en Teherán, Irán, en 1969. Estudió filosofía, y trabaja como actor,
guionista y realizador. Dirigió varios largometrajes, entre ellos Paziraie
Zadeh (2012), y protagonizó Melbourne (2014).
He was born in Teheran, Iran, in 1969. He studied philosophy, and works
as an actor, screenwriter and filmmaker. He directed many shorts including Paziraie Zadeh (2012), and starred in Melbourne (2014).

D, G, P: Mani Haghighi F: Houman Behmanesh E: Hayedeh Safiyari
DA: Amir Hossein Ghodsi S: Amir Hossein Ghasemi
M: Christophe Rezai PE: Mehdi Davari, Chavosh Shirani, Lili Golestan,
Taraneh Alidoosti, Alireza Bazel, Mani Haghighi I: Amir Jadidi,
Momayun Ghanizadeh, Ehsan Goudarzi, Kiana Tajammol, Nader Fallah
Contacto / Contact
The Match Factory. Sergi Steegmann
E [email protected]
W the-match-factory.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

83

avant-garde & genre competition

Demon
Demonio
Inspirada en una leyenda de origen judío (el dybbuk), la aterradora Demon narra la historia de un joven que visita la ciudad natal de su futura esposa. Como regalo de bodas, reciben un terreno para construir su casa, pero desconocen que, debajo de los
cimientos de su nueva propiedad, se ocultan restos humanos.

Inspired by a Jewish legend (the dybbuk), the terrifying Demon
tells the story of a man who visits his future wife’s hometown.
As a wedding gift, they receive a piece of land so they can
build their own house, but they are not aware that human remains rest beneath the foundations of their new property.

Como lo demostraba el último y mejor episodio de Relatos salvajes, las bodas pueden ser asediadas por demonios diversos;
en el caso de esta película ominosa, de forma bastante literal.
Un casamiento en el campo, los novios, la familia, los invitados, borracheras, sexo, comida, gritos eufóricos y el círculo
recomienza. Y la aparición de la amenaza atávica, del peligro,
del miedo. Marcin Wrona dispone la que fue su última película
como el relato de un asedio inasible pero a la vez concreto,
peligroso, progresivamente desesperante. El terror y la posesión
como posibilidad, luego como probabilidad y después como
presencia. El hecho de que Wrona logre este relato sugestivo,
poco amigable, casi agresivo en su malevolencia, sin apelar a
grandes artificios ni golpes arteros nos habla de un director que
tenía mucho por darle al cine. Javier Porta Fouz

As we saw in the last and finest episode of Wild Tales, weddings
can be haunted by different demons –and in this ominous film,
it happens in a quite literal way. A wedding celebration in the
countryside, the bride and groom, the family, the guests, drunkenness, sex, food, euphoric shouting, and the circle starts all
over again –and an atavistic threat of danger and fear emerges.
Marcin Wrona sets out his last film as the depiction of an unfathomable siege that is yet concrete, dangerous, and progressively distressing. Horror and possession stand as a possibility, then as a probability, and then as an actual presence. The
fact that Wrona delivered this suggestive, unfriendly story that
is almost aggressively evil, without using much artifice or low
blows, speaks of a filmmaker who had a lot to contribute to
cinema. JPF

Marcin Wrona

Polonia / Israel - Poland / Israel, 2015 / 94’ / DCP / Color
Polaco / Inglés / Yiddish - Polish / English / Yiddish

Nació en Tarnów, Polonia, en 1973 y falleció en 2015. Se graduó de la
Universidad Jagellónica y del Instituto de Cine Binger en Ámsterdam.
Dirigió los largometrajes My Flesh, My Blood (2009) y The Christening
(2010). Murió en 2015.
He was born in Tarnów, Poland, in 1973 and died in 2015. He graduated
from the Jagiellonian University and the Binger Film Institute in Amsterdam. He directed My Flesh, My Blood (2009) and The Christening (2010).
He died in 2015.

84

D, P: Marcin Wrona G: Marcin Wrona, Pawel Maslona F: Pawel Flis
E: Piotr Kmiecik DA: Anna Wunderlich S: Tomasz Sikora
M: Krzysztof Penderecki, Marcin Macuk CP: Magnet Man Film,
Transfax Film Productions I: Itay Tiran, Tomasz Schuchardt,
Andrzej Grabowski, Agnieszka Żulewska
Contacto / Contact
Reel Suspects. Alberto Álvarez Aguilera
T +33 6 9549 6563 E [email protected]
W reelsuspects.com ~ magnetmanfilm.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE
Foto / Photo: Robert Palka

competencia vanguardia y género

The Lure
Corki dancingu
El señuelo
Dos sirenas se unen a una banda de músicos relacionados con
el mundo del baile de Varsovia de unos años ochenta de fantasía. Música estridente, luces de neón y brillantes lentejuelas.

Two mermaids join a band of musicians linked to the world
of dance in ‘80s Warsaw. Strident music, neon lights and
sparkling sequin.

Silver y Gold son dueñas de una belleza sobrenatural. Literalmente sobrenatural: son sirenas; ejemplares únicos, peligrosamente angelicales, de la mítica especie de las mujeres-pez,
que emergen del río Vístula como salidas del tenebroso cuento
de hadas que anticipan los hipnóticos créditos iniciales. Y que
enseguida llevan su lozanía hasta ese lugar perdido en el espacio-tiempo que es la escena nocturna, pop y un poco punk de
Varsovia en los años ochenta; un lugar de liberación sensorial y
emocional en los últimos tramos de la era soviética. Echadas a
andar en un mundo de hombres horribles, las chicas no tardarán en revelar su naturaleza depredadora, dando forma a esta
suerte de reversión lisérgica, bailable y sedienta de sangre de
“La sirenita” de Andersen, con un poder de encantamiento tal
que nadie –ni de un lado ni del otro de la pantalla– va a quedar
a salvo. Mariano Kairuz

Silver and Gold have a supernatural beauty. It’s literally supernatural: they are mermaids; unique and dangerously angelical
specimens of the mythical fish-women species, who emerge
from the Vístula river as if coming from the spooky fairy tale that
precedes the hypnotic opening credits. And they quickly take
their vigor to a lost place in space-time: the pop and slightly
punk night-scene of ‘80s Warsaw, a place of sensorial and
emotional liberation during the last years of the Soviet era. Living in a world of horrible men, the girls will soon reveal their
predatory nature, and shape this sort of lysergic, danceable,
and bloodthirsty revisiting of Andersen’s “The Little Mermaid”,
with such a charming power that no one –on both ends of the
screen– will be safe. MK

Agnieszka Smoczynska

Polonia - Poland, 2015 / 92’ / DCP / Color / Polaco - Polish

Nació en Breslavia, Polonia, en 1978. Estudió radio y televisión en la
Universidad de Krzysztof Kieslowski.
She was born in Wroclaw, Poland, in 1978. She studied radio and television at the Krzysztof Kieslowski University.

D: Agnieszka Smoczynska G: Robert Bolesto F: Kuba Kijowski
E: Jaroslaw Kaminski DA: Joanna Macha S: Maria Chilarecka,
Marcin Lenarczyk M: Barbara Wronska, Zuzanna Wronska
P: Wlodzimierz Niderhaus PE: Wlodzimierz Niderhaus CP: WFDiF
Contacto / Contact
WFDiF. Marika Cieslik
T +48 225 593 313
E [email protected]
W wfdif.pl

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

85

avant-garde & genre competition

Cinzas e brasas
Ashes and Embers
Cenizas y brasas
En la edición portuguesa de la novela Campo de sangue,
la escritora Dulce María Cardoso afirma que “la belleza puede
ser un pretexto para volverse loco”. El disparador es un reencuentro con los ardores de una relación propia, sobre la que
escribió su primer libro.

In the Portuguese edition of the novel Campo de sangue,
author Dulce María Cardoso states that “beauty can be a pr
etext for going insane.” The inspiration is a reunion with an old
flame, about whom she wrote her first book.

Este cortometraje de Mozos, ciertamente un caso distinguido
de belleza y misterio, produce una extraña aleación entre literatura y cine, no como si se tratara de dos disciplinas donde
una se ve vampirizada por la otra, sino como si fueran las caras de una misma moneda, llamadas a convivir y a repelerse
mutuamente. Como toda película perteneciente a una especie
solitaria, Cinzas e brasas exhibe una arrogancia única mientras tiembla, un poco inerme, sin ninguna seguridad de que
los pliegues de la ficción constituyan alguna clase de garantía
de supervivencia para objetos tan raros. Memoria y fantasmas
son dos palabras que se dicen fácilmente, pero en esta película singular, construida con todo el refinamiento del mundo,
parecen destinadas a constituir el fin último del cine, y su afán
más perdurable. David Obarrio

Certainly an outstanding case of beauty and mystery, this short
film by Mozos creates a strange alloy of literature and cinema,
and not in the way one discipline is a vampire for the other, but
rather as if they were the different faces of the same coin, drawn
to coexist and repel each other. As if every film belonged to a
lonely species, Ashes and Embers shows a unique arrogance
as it trembles, somewhat defenseless, with no certainty that the
folds of fiction constitute any kind of survival guarantee for such
strange objects. Memory and ghosts are two words that are
easily said, but in this singular and very refined film they seem
destined to become the ultimate goal of cinema, and its most
endurable desire. DO

Manuel Mozos
Nació en Lisboa, Portugal, en 1959. Antes de ingresar en la Escuela
Superior de Teatro y Cine, donde se especializó en montaje, estudió
historia y filosofía. Dirigió Ruínas (2009; Bafici ‘10) y João Bénard da
Costa - Outros amarão as coisas que eu amei (Bafici ‘15).
He was born in Lisbon, Portugal, in 1959. After entering the Upper School
of Theater and Film, where he specialized in editing, he studied history
and philosophy. He directed Ruínas (2009; Bafici ‘10) and Others Will
Love the Things I Have Loved (Bafici ‘15).

86

Portugal, 2015 / 21’ / DCP / Color
Portugués / Portuguese
D: Manuel Mozos G: Luís Mário Lopes F: Iana Ferreira
E: Manuel Mozos, Luís Nunes S: José Pedro Figueiredo, Mário Dias,
Nuno Carvalho P: João Viana PE: João Viana CP: Papaveronoir Filmes
I: Isabel Ruth, Ana Ribeiro, Gustavo Sumpta
Contacto / Contact
Agencia - Portuguese Short Film Agency. Salette Ramalho
T +351 252 646 683
E [email protected]
W curtas.pt/agencia

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

competencia vanguardia y género

Maria do Mar
En una casa de campo, dos hermanos y un grupo de amigos
veinteañeros se ven sorprendidos por una inesperada presencia femenina. El joven Nicolau observa todo con la fascinación
de un outsider y el encanto de quien vive un momento único
e irrepetible.

Two brothers and a group of friends in their twenties are surprised by an unexpected female presence in a country house.
Young Nicolau observes everything with the fascination of an
outsider and the charm of someone who is living a unique and
unrepeatable moment.

Ese punto exacto, ese fulgor del enamoramiento de aquel verano pasado, de esa época en que todo era presente y futuro. Ese
punto exacto lo encuentra João Rosas en Maria do Mar, la película, y también en Maria do Mar, la chica, el objeto de atención
de las miradas de los reunidos en este fin de semana en esta
casa de campo cerca de Sintra. Nicolau observa a su hermano
Simão y a sus amigos, sus rituales de “más grandes”, escucha
las conversaciones, mira, absorbe ese momento fundamental
capturado en un mediometraje que se impone como uno de los
grandes relatos del coming of age del cine reciente. La grandeza de esta película se cruza con su amabilidad, con su duración
de 35 minutos, con su precisión para narrar y, sobre todo, para
describir un lugar del espacio y de la memoria emocional del
amor o, mejor dicho, del deslumbramiento. Javier Porta Fouz

That exact point, the brightness of a love affair from last summer, a time when everything was both present and future. João
Rosas finds that exact point in Maria do Mar, the film, and
Maria do Mar, the girl and object of attention for the eyes of
those gathered at a country house near Sintra for the weekend.
Nicolau observes his brother Simão and his friends in their “big
brother” rituals, he listens to their conversations, looks, absorbs
that essential moment captured by this medium length film that
stands as one of the finest coming of age stories of recent cinema. And the greatness of this film is linked with its kindness, its
35 minutes duration, its precision for storytelling and, especially,
its description of an area of love’s and its emotional memory
–or, better said, its bedazzlement. JPF

João Rosas

Portugal, 2015 / 35’ / DCP / Color / Portugués - Portuguese

Nació en Lisboa, Portugal, en 1981. Se formó en la Escuela de Cine de
Londres. Publicó tres libros de cuentos, y dirigió los cortometrajes My
Mother Is a Pianist (2006), Entrecampos (2013) y el documental Birth
of a City (2009).
He was born in Lisbon, Portugal, in 1981. He trained at the London Film
School. He published three books of short stories, and directed the short
films My Mother Is a Pianist (2006), Entrecampos (2013) and the documentary Birth of a City (2009).

D, G: João Rosas F: Paulo Menezes E: Luís Miguel Correia, João
Rosas DA: Nádia Henriques S: Tiago Matos M: Juraj Ferina, Pavle
Miholjevic P: Luís Urbano, Sandro Aguilar, João Matos PE: Susana
Nobre CP: O Som e a Fúria, Terratreme Filmes I: Francisco Melo,
Mariana Galvão, Miguel Carmo, André G. Pinto, Paola Giuffrida
Contacto / Contact
Terratreme Filmes, O Som e a Fúria. Pedro Peralta
T +351 212 415 754
E [email protected] ~ [email protected]
W terratreme.pt

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

87

avant-garde & genre competition

Stand By for Tape Back-Up
Esperando el backup del casete
Tras la muerte de su abuelo, el poeta Ross Sutherland toma
fragmentos de películas antiguas y programas de televisión y
los reconstruye, transformándolos en una meditación audiovisual sobre la memoria y la muerte.

After the death of his grandfather, poet Ross Sutherland takes
fragments from old films and TV shows and reconstructs them,
turning them into an audiovisual meditation on memory and
death.

Los diversos soportes que hemos inventado los seres humanos
para conservar nuestros recuerdos buscan reproducir –obvio– el
funcionamiento de nuestra propia memoria. Quizá sea blasfemo
decir esto en un festival de cine, pero más que el nitrato, el celuloide o el DCP, la cinta de video es (¿fue?) el medio que más
cerca estuvo de lograr esa utopía, sobre todo en la instancia de
recuperación de los recuerdos. Rebobinar, pausar, darle al FF o
al stop; encontrar superposiciones casuales, zonas desgastadas,
finales abruptos: pasa en la vida, pasa en los VHS. Sutherland
entendió como nadie la perfecta analogía analógica; primero la
convirtió en show de stand-up y ahora la fijó –la grabó– en una
película sabia, graciosa, poética, rapera, oscura, incierta, conmovedora: como la mismísima memoria. Agustín Masaedo

The diverse mediums us humans have invented in order to
preserve our memories seek to reproduce –obviously– the
functioning of our own memory. Maybe it’s blasphemous to say
this at a film festival, but more than nitrate, celluloid or DCP,
videotapes are (were?) the medium that got closer to fulfilling
that utopia, mainly in the instance of memory recovery. Rewinding, pausing, fast-forwarding or stopping; finding casual
superimpositions, worn-out areas, abrupt endings: it happens
in life, it happens on VHS. Sutherland understood the perfect
analog analogies better than anyone; first, he turned it into a
stand-up comedy show and has now fixed it –taped it– in a film
that’s wise, funny, poetic, rapper-y, dark, uncertain, moving: like
memory itself. AM

Ross Sutherland

Reino Unido - UK, 2015 / 65’ / DCP / Color / Inglés - English

Nació en Edimburgo en 1979. Tiene cuatro libros de poemas y es miembro del colectivo de poesía Aisle16.
He was born in Edinburgh in 1979. He has four books of poems and is a
member of the poetry collective Aisle16.

88

D, G, I: Ross Sutherland E, P: Ross Sutherland, Charlie Lyne
Contacto / Contact
Ross Sutherland
T +44 771 944 6025
E [email protected]
W rosssutherland.co.uk ~ standbyfortapebackup.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE
Foto / Photo: Wolfgang Lehmann

competencia vanguardia y género

Traces of Garden
Huellas de jardín
Una relación poética entre colores, formas y movimiento. Imágenes que incluyen agua, árboles, paisajes y una escena de
amor, donde todo se transforma y se repite y ninguna imagen
es idéntica a la otra.

A poetic connection between colors, forms, and movement.
Images that feature water, trees, landscapes, and a love scene
where everything transforms and repeats itself, and no picture
is identical to another one.

Si el anterior film de Wolfgang Lehmann, el mosaico estroboscópico Drangonflies with Bird and Snake, suponía un tour de
force para la retina del espectador más aguerrido, llama la atención el salto al tono sosegado y pictórico de Traces of Garden,
un regreso a los bosques en el que el director parece buscar
una puesta al día de los acercamientos a la naturaleza de los
primeros impresionistas. Durante 70 minutos, el nuevo film de
Lehmann nos pasea, guiados por un canto de pájaros constante
que va mutando del registro limpio a la distorsión, por un sendero de copas de árboles en descomposición constante, haciendo
gala de una caligrafía delicada a la que incorpora nuevas figuras
retóricas como el glitch y el pixelado, deformaciones digitales
de las que logra extraer un inesperado lirismo. Fran Gayo

Since Wolfgang Lehmann’s previous film, the stroboscopic mosaic Drangonflies with Bird and Snake, offered a tour de force to
the retinas of brave viewers, it’s surprising to see this jump into
the mild and pictorial tone featured in Traces of Garden, a return
to the woods in which the director seemingly tries to update
the closeness with nature of the first impressionist painters. For
70 minutes, Lehmann’s new film takes us through a path of
decomposing treetops guided by a constant tweeting of birds,
and shows off a delicate hand that calls upon new rhetorical
figures like glitch and pixels, digital deformations from which he
extracts an unexpected lyrical quality. FG

Wolfgang Lehmann
Nació en Alemania en 1967. Desde 1994 ha dirigido numerosos cortos,
como Image of Myself - Act, Study N°2 (2003), Route to Cape Town
(2005), Play y Birds by the Sea (ambos de 2008), y el largometraje
Dragonflies with Birds and Snake (2011; Bafici ‘12).
He was born in Germany in 1967. Since 1994 he has directed several
short films, including Image of Myself - Act, Study N°2 (2003), Route to
Cape Town (2005), Play and Birds by the Sea (both in 2008), and the
feature-length film Dragonflies with Birds and Snake (2011; Bafici ‘12).

Suecia / Alemania - Sweden / Germany, 2016
71’ / DCP / Color & B&N
D, G, F, E, DA, P, PE: Wolfgang Lehmann S, M: Ralf Freudenberger
CP: Wolfgang Lehmann Film I: Amparo Tamayan, Shichiro Ozu
Contacto / Contact
Wolfgang Lehmann Film. Wolfgang Lehmann
T +46 768 948 171
E [email protected]
W imagewolfganglehmann.de ~ imagewolfganglehmann.de

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

89

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

avant-garde & genre competition

The Island Funeral
Maha Samut Lae Susaan
El funeral de la isla
Una pareja de jóvenes emprende un largo viaje hacia las afueras de la ciudad, pero en el camino descubren un mundo fantasmagórico y más peligroso de lo que pensaban.

A young couple embark on a long trip to the city’s outskirts, but
on their way, they discover that the world outside their car is
more dangerous than they thought.

El arte de filmar a las personas como si fueran apariciones sobrenaturales y a la naturaleza misma como una dimensión tan
ajena que resulta animada y nueva es algo que ya conocíamos
en el cine tailandés, gracias a películas como Uncle Boonmee
Who Can Recall His Past Lives, de Apichatpong Weerasethakul.
Pimpaka Towira crea un ambiente hechizado todavía más sutil
para contar el viaje de tres amigos desde la gran ciudad (apenas un recuerdo en flashes hipersaturados) hacia una isla, a
través de un territorio en el que la situación política se encarna
en militares en motocicletas, templos musulmanes, mujeres
con chador. “¿Sabés que acá mataban gente?”, señala uno
de los protagonistas frente a una mezquita abandonada, y esa
violencia, referida casi como una leyenda, se materializa en la
forma del cine de un género que superpone jirones de terror y
fantasmas demasiado materiales en la oscuridad casi total del
paisaje campestre. Marina Yuszczuk

The art of filming people as though they were supernatural apparitions and nature itself as a dimension so otherworldly that it
becomes animated an new is something we already knew from
Thai cinema, thanks to films like Apichatpong Weerasethakul’s
Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives. Pimpaka Towira
creates an even subtler haunted atmosphere in order to tell the
voyage of three friends from the big city (barely a memory in
hyper-saturated flashes) to an island, through a territory where
the political situation includes military men in motorcycles, Muslim temples, women with chador. “Did you know that they used
to kill people here?,” one of the protagonists points out in front
of an abandoned mesquite, and that violence, referred to almost
as a legend, materializes in the form of cinema of a genre that
superimposes bits of horror and ghosts that are too material in
the almost total darkness of the rural landscape. MY

Pimpaka Towira

Tailandia - Thailand, 2015 / 105’ / DCP / Color / Tailandés - Thai

Nació en Tailandia en 1967, y se formó en cine en la Universidad
de Bangkok. Debutó como realizadora en 2003 con el largometraje
Husband.
She was born in Thailand in 1967, and trained at the University
of Bangkok. She made her debut as a filmmaker in 2003 with the
feature Husband.

D: Pimpaka Towira G: Kong Rithdee, Pimpaka Towira
F: Phuttiphong Aroonpheng E: Harin Paesongthai, Benjarat Choonuan,
Uruphong Raksasad DA: Vikrom Janpanus S: Akritchalerm Kalayanamitr
P: Pimpaka Towira, Chatchai Chaiyon PE: Pimpaka Towira
CP: Extra Virgin I: Heen Sasithorn, Aukrit Pornsumpunsuk,
Yossawat Sittiwong, Pattanapong Sriboonrueang, Wanlop Rungkamjad
Contacto / Contact
Mosquito Films Distribution. Donsaron Kovitvanitcha
T +66 837 101 238 E [email protected]
W mosquitofilmsdistribution.com ~ facebook.com/theislandfuneral

90

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

competencia vanguardia y género

Le Moulin
Ri Yao Ri Shi San Buzhe
Poesía, literatura, pintura y cine convergen en este lírico ensayo fílmico sobre los poetas taiwaneses que protestaron en la
década del treinta contra la superioridad cultural japonesa y la
dominación del realismo en la poesía.

Poetry, literature, painting and film converge in this lyrical film
essay about the Taiwanese poets who protested against Japan’s cultural superiority and the predominance of realism in
poetry during the ‘30s.

Hay gestos elevados tan decididos como breves y condenados al fracaso. Tratar de refrenar el colonialismo japonés en
el Taiwán de los años treinta puede ser uno. Encarar esa resistencia editando una revista de poesía surrealista pasa a la
categoría de gestos sublimes. En su ópera prima, Huang Ya-li se
suma a otra campaña destinada al naufragio: la de incursionar
en un género tan condenado a la elefantiasis como el de la
reconstrucción histórica, y hacerlo con una delicadeza pareja a
los movimientos de estos jóvenes poetas que rotulan, cosen y
encuadernan cada ejemplar de su revista. El resultado es una
obra única por la que desfilan Cocteau, Teinosuke Kinugasa,
Proust o Buñuel, un homenaje de belleza arrebatadora a todos
esos “happy few” bendecidos con el don de visualizar un caballo
que galopa sobre un tomate. Fran Gayo

Some elevated gestures are just as determined as they are brief
and doomed to failure. Trying to fight back Japanese colonialism in Taiwan, back in the ‘30s, could be an example of that.
And to carry on that resistance by publishing a surreal poetry
magazine transcends to the category of sublime gestures. In
her first film, Huang Ya-li joins yet another campaign destined to
shipwreck: making an incursion into a genre doomed to gigantism: the period piece; and doing it so with the same delicacy
as the movements of these young poets who label, sow, and
bind every copy of their magazine. The result is a unique film
where Cocteau, Teinosuke Kinugasa, Proust, or Buñuel parade
by; a tribute to the breathtaking beauty of all those “happy few”
who are blessed with the gift of visualizing a horse galloping on
a tomato. FG

Huang Ya-li

Taiwán - Taiwan, 2015 / 162’ / DCP / Color & B&N
Japonés / Mandarín - Japanese / Mandarin

Nació en Taiwán, y debutó como realizador en 2009 con su corto The
Pursuit of What Was.
He was born in Taiwan, and made his debut as a filmmaker in 2009 with
his short The Pursuit of What Was.

D, G, E: Huang Ya-li F: Hyperreality Mer, Huang Ya-li DA: Chang I-feng
S: Huang Ya-li, Yannick Dauby M: Hsieh Chieh-ting P: Huang Ya-li,
Chang Wen-Pei, Chang Ming-tho, Hvang Doin-Chi PE: Yen Hung-ya
CP: Roots Films, Punch Cinema I: Liang Chun-wen, Lee Ming-wei,
Ian Shen, Even Shen, Deven Ho
Contacto / Contact
Ablaze Image. June WU
T +886 233 221 220
E [email protected] W ablazeimage.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

91

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE
Cortesía de / Courtesy of Ablaze Images Ltd

avant-garde & genre competition

The Laundryman
Qing tian jie yi hao
El lavandero
Nada es lo que parece en la lavandería de la hermosa A-Gu,
porque detrás de los lavarropas se brinda otro tipo de servicio,
en el cual las sustancias químicas e instalaciones presentes
en el local pueden resultar muy útiles para “limpiar” cualquier
tipo de evidencia.

Nothing is what it seems in the laundromat of beautiful A-Gu,
because what they offer behind the washing machines is a
service in which the chemicals and equipment they have in
the store can be very useful to “clean up” any kind of evidence.

En el lavadero dirigido por la bella A-Gu, el verbo limpiar se usa
en casi todas sus acepciones. Pero, cuando el mejor de los asesinos a sueldo que operan tras esa pulcra fachada empresarial
empieza a ser molestado por los fantasmas de sus víctimas, se
impone una limpieza de un tipo no contemplado hasta entonces.
El servicio de valet (que también tiene algo de ballet) ectoplásmico está a cargo de una psíquica con facilidad para la posesión, talento que terminará por desatar una guerra sucia entre el
anónimo killer y A-Gu. Saltando de género en género con gracia,
velocidad y esa luz melancólica que patentó Wong Kar-wai (su
Jet Tone Films es una de las productoras), la ópera prima de Lee
Chung reivindica para el cine oriental una capacidad de sorpresa
que empezábamos a extrañar. Agustín Masaedo

In the laundromat run by the beautiful A-Gu, the word cleaning is
used in all of its meanings. But when the finest hit man –among
the many operating behind this clean business front– starts to
be disturbed by the ghosts of his victims, it is time for a kind of
cleaning they haven’t contemplated before. A psychic woman
runs the ectoplasm valet service (with a bit of ballet in it) and
has a capacity for possessions –a talent that will unleash a dirty
war between the anonymous killer and A-Gu. Jumping from one
genre to the other with grace, speed, and that melancholic glow
patented by Wong Kar-wai (his company Jet Tone Films is one of
the producers here), Lee Chung’s first film vindicates Asian cinema’s capacity for surprise, which we were starting to miss. AM

Lee Chung
Nació en Taiwán, y estudió cine en la Universidad de Columbia en Nueva
York. En 2009, su tesis Mochi fue proyectada en varios festivales y
premiada en su país natal.
He was born in Taiwan, and studied filmmaking at the University of
Columbia in New York. In 2009, his thesis film Mochi was screened in
several festivals as well as awarded at home.

Taiwán - Taiwan, 2015 / 112’ / DCP / Color
Mandarín / Taiwanés - Mandarin / Taiwanese
D: Lee Chung G: Lee Chung, Chen Yu-hsun F: Yao Hung-i
E: Yao Hung-i, Yang Wei-hsin, Chiang Yi-ning, Shieh Meng-ju
DA: Wang Chih-Chen S: Kuo Li-chi M: Wen Tzu-chieh
P: Lee Lieh, Roger Huang CP: 1 Production Film Co.
I: Chang Hsiao-chuan, Sui Tang, Wan Qian, Yeo YannYann
Contacto / Contact
Ablaze Image Ltd.. June WU
T +886 2 3322 1220
E [email protected] W ablazeimage.com/the-laundryman-info

92

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

competencia oficial latinoamericana
latin american official competition

APERTURA / OPENING
fuera de competencia - out of competition

latin american official competition

Las plantas
Plants
Florencia, de 17 años, debe hacerse cargo de su hermano mayor que se encuentra en estado vegetativo. Intentando sobrevivir sin dinero ni nadie que cuide de ellos, la joven descubrirá
el cómic Las plantas y comenzará a explorar su sexualidad a
través de Internet.

Florencia is 17 years old, and she must take care of her brother, who is a vegetative state. Trying to survive with no money
and no one taking care of them, the young girl will discover
the comic book The Plants and start to explore her sexuality
through the Internet.

En el cómic que Florencia lee devotamente, las plantas invaden
la ciudad durante la luna llena, como si fueran fantasmas. En su
mundo, esa fantasía dibujada pareciera también cobrar vida. Su
casa está rodeada de un jardín que por momentos adquiere ese
poder, enrareciendo el ambiente y aportando visiones confusas.
Como sumergida en una atmósfera vegetal, Florencia debe lidiar con el tiempo que le toca vivir, en el que su entorno afectivo
languidece a la vez que sus obligaciones cubren cada vez más
sus ratos libres. Ella se despide de la adolescencia reinventando
los modos de relacionarse con los otros, diseñando aventuras
con algunos hombres, bailando con sus amigos, volviendo a
leer Las plantas como un rito para el encantamiento del mundo.
Magdalena Arau

In the comic book Florencia reads devotedly, plants invade the
city during full moon nights, as if they were ghosts. In her world,
this drawn fantasy also seems to come alive. His house is surrounded by a garden that at times gains that power and brings a
strange vibe to the environment as well as confusing visions. As
if submerged in a vegetal atmosphere, Florencia must deal with
the time she finds herself in, where the people close to her languishes at the same time her obligations progressively cover her
free time. She says goodbye to adolescence reinventing the way
she relates to others, designing adventures with men, dancing
with friends, and re-reading Plants as a ritual for casting a spell
on the world. MA

Roberto Doveris

Chile, 2015 / 90’ / DM / Color / Español - Spanish

Trabaja como editor general de CinemaChile y dirige Niña Niño Films,
donde ha realizado más de 30 videoclips y varios cortos. Las plantas es
su primer largometraje.
He works as a general editor at CinemaChile and runs Niña Niño Films,
through which he directed over 30 music videos and several short films.
Plants is his feature film debut.

D, G: Roberto Doveris F: Patricio Alfaro E: Roberto Doveris,
Pilar Rodríguez DA: Natalia Mardones, Antonia Garretón
S: Diego Aguillar M: Violeta Castillo, Ignacio Redard
P: Rocío Romero, Roberto Doveris PE: Rocío Romero
CP: Niña Niño Films, Mimbre Producciones I: Violeta Castillo,
Ingrid Isensee, Mauricio Vaca, Ernesto Meléndez
Contacto / Contact
Patra Spanou Film Marketing & Consulting. Patra Spanou
T +49 15 2019 87294
E [email protected] W patraspanou.com

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[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

competencia oficial latinoamericana

Las calles
The Streets
En Puerto Pirámides las calles no tienen nombre. Julia, maestra de la única escuela del lugar, desarrolla un proyecto escolar
que compromete a sus alumnos en un objetivo común: buscar
nombres para denominar las calles.

In Puerto Pirámides, streets have no name. Julia, a teacher in
the only existing school in the area, develops a school project
that engages her students in a shared goal: look for names
for the streets.

Las calles podría pensarse como una película sobre la palabra.
Sobre el hecho de contar y de nombrar, sobre los secretos y las
confesiones, y sobre el lenguaje como materia de la memoria.
En un diálogo entre generaciones, los jóvenes son los responsables de elaborar la pregunta, y es la escuela el espacio que
busca pensar para ello una técnica. A la vez son los mayores
quienes responden dando cuenta de sus historias, que no son
otra cosa que la historia del pueblo. Y así como la palabra, que
siempre es ficción que construye realidad, la película sostiene su registro en esa zona intermedia en la que la puesta en
escena ficcional procura las condiciones para que el registro
documental puro marque los tiempos y vaya al encuentro de las
personas. Magdalena Arau

Las calles could be regarded as a film about words, about
describing and naming, about secrets and confessions, and
about language as the matter of memory. In a dialogue between
generations, young people are responsible for elaborating the
question, and School is the place that tries to come up with a
technique for it. In turn, the elderly answer through their stories,
which are basically the story of the town. And like the word
–which is always a fiction– builds a reality, the film sustains
its tone on that intermediate area in which a fictional setting
provides the conditions for the pure documentary genre to mark
the pace and reach out to people. MA

María Aparicio

Argentina, 2016 / 81’ / DCP / Color / Español - Spanish

Nació en Córdoba, Argentina, en 1992, y estudió cine y televisión en la
Universidad Nacional de Córdoba. Desde el año 2011 integra la productora Vientosur Cine, establecida en la ciudad de Córdoba.
She was born in Córdoba, Argentina, in 1992, and studied film and television at the Cordoba National University. In 2011, she joined the production company Vientosur Cine, based in the city of Córdoba.

D: María Aparicio G: María Aparicio, Nicolás Abello F: César Aparicio,
Santiago Sgarlatta E: Martín Sappia S: Juan Manuel Yeri,
Nicolás Giecco M: Fernando Uñates P: Natalia Gamarro
CP: Vientosur Cine, Blackmaría I: Eva Bianco, Mara Santucho,
Gabriel Pérez
Contacto / Contact
Vientosur Cine. María Aparicio
T +54 9 351 372 6030
E [email protected]
W lascallespelicula.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

95

latin american official competition

Romántico italiano
Italian Romantic
Salgado sigue a Camila Toker durante el Festival de Mar del
Plata. Mientras ella habla por teléfono, la cámara filma la rambla y colecciona escenas marplatenses que culminan en un
ralenti mientras suena una canción romántica italiana.

Salgado follows Camila Toker during the Mar del Plata Film
Festival. While she talks on the phone, the camera captures the
boardwalk and collects Mar del Plata scenes that culminate in
a slow motion piece, while we hear an Italian romantic song.

Aquello que vemos y que se escamotea, los sonidos, murmullos
y música de una ciudad, el seductor andar de una mujer –la
bella Camila Toker–, el deseo silencioso de un hombre que filma
y persigue, los típicos habitantes de la ciudad costera y, su contraparte, los turistas son las líneas que atraviesan Romántico
italiano. Cine dentro del cine como una muñeca rusa infinita.
Filmada en el contexto del último Festival de Mar del Plata, la
película exhibe desde los primeros planos de la mujer en una
entrevista fantasmagórica hasta sus devaneos amorosos mientras recorre la ciudad y a la vez relata sus experiencias. Un gran
compilado de aquello que motoriza la experiencia de ver, hacer
y sentir el cine desde adentro y desde afuera, como protagonistas, directores o espectadores. Marcela Gamberini

Some of the lines that run across Italian Romantic are the
things we see and are whisked away, sounds, the murmurs
and music of a city, the seductive walk of a woman –the
beautiful Camila Toker–, the silent desire of a man filming and
chasing, the local people of a beach resort and their counterpart, the tourists. Cinema within cinema, like an endless
Russian doll. Shot during the last Mar del Plata Film Fest, the
film’s images range from close-ups of the woman giving a
ghostly interview to her love flings as she goes through the
city sharing her experiences. A great compilation of the things
driven by the experience of watching, making, and feeling
films, either from inside or outside of it, as protagonists, directors, or spectators. MG

Adriano Salgado
Nació en Buenos Aires en 1971. Estudió cine en la FUC y participó en
varios cortos como sonidista. Debutó como director con La utilidad de un
revistero (2013), que obtuvo el premio a mejor película argentina en el
Festival de Mar del Plata.
He was born in Buenos Aires in 1971. He studied film at the FUC and
participated in several short films as a sound engineer. He debuted as
director with La utilidad de un revistero (2013), which won the Best
Argentine Film award at the Mar del Plata Film Festival.

96

Argentina, 2016 / 65’ / DM / Color
Español - Spanish
D, G, F, E, DA, S, P, PE: Adriano Salgado
CP: Sociedad Mostrenca I: Camila Toker
Contacto / Contact
Sociedad Mostrenca. Adriano Salgado
T +54 11 5936 3858
E [email protected]

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE INTERNACIONAL / INTERNATIONAL PREMIERE

competencia oficial latinoamericana

La última Navidad de Julius
Julius’s Last Christmas
El cineasta Edmundo Bejarano captura un momento en la vida
del poeta Julio Barriga, un personaje entrañable al que se
aproxima ingresando a su casa y dejando que el propio autor
lea sus poemas y relate su amor por Amy Winehouse.

Filmmaker Edmundo Bejarano captures a moment in the life
of poet Julio Barriga, a charming character he approaches by
entering his house and letting the author himself read him his
poems and tell him about his love for Amy Winehouse.

El trotamundos Bejarano ya practicó el retrato de poetas con
Washington Cucurto y Fabián Casas, pero tuvo que volver a su
terruño para encontrar un bardo a la altura de su punkitud. Pisando los 60, Julio Barriga es el Iggy Pop bigotón de Tarija. En
ese escenario de calles polvorientas y patios vacíos, “escribe
cartas urgentes a sí mismo y practica el ejercicio de la soledad
que heredó del fallecido gran poeta Roberto Echazú, su héroe
del silencio”. Esas cartas –con versos tan auténticos y autoflagelantes como “Ya estás teniendo mucho rock & roll / con la
misma camisa”– no son lo único que escribe: Julius (el frágil, el
impredecible, el conmovedor) está en trance de convertirse en
El hombre que amaba a Amy Winehouse. Conocerlo es quererlo,
o algo así. Agustín Masaedo

Globetrotter Bejarno had already practiced the portrayal of poets with Washington Cucurto and Fabián Casas, but he had to
return to his hometown in order to find a bard as punk as he
is. About to turn 60, Julio Barriga is Tarija’s mustachioed Iggy
Pop. In that scenery of dirt roads and empty patios, “he writes
urgent letters to himself and practices the exercise of solitude
he inherited from the late great poet Roberto Echazú, his hero
in silence.” These letters –with verses as authentic and selfpunishing as “You’re having lots of rock & roll / Wearing the
same shirt”– are not the only things he writes: Julius (the fragile
one, the unpredictable one, the poignant one) is about to become The Man Who Loved Amy Winehouse. To know him is to
love him, or something like that. AM

Edmundo Bejarano

Bolivia, 2015 / 48’ / DM / Color / Español - Spanish

Nació en Tarija en 1978, y estudió literatura y cine en Berlín, donde vive
desde hace 15 años. Dirigió varios cortos, entre los que se destaca Los
lemmings contraatacan (2014), exhibido en el 28° y 29° Festival Internacional de Mar del Plata.
He was born in Tarija in 1978 and studied literature and film in Berlin,
where he has been living for the past 15 years. He directed many shorts
including Los lemmings contraatacan (2014), shown at the 28 th and 29 th
editions of the Mar del Plata International Film Festival.

D, G, F, E, P: Edmundo Bejarano DA: Santiago Barrionuevo S: La Sonola
PE: Juan Rux CP: Tuntun Productions, Laptra, Festín Mutante
I: Julio Barriga, Fernando Barrientos
Contacto / Contact
Tuntun Productions. Edmundo Bejarano
T +49 179 779 1485
E [email protected]
W www.facebook.com/Tuntuneando ~ laultimanavidaddejulius.de

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

97

latin american official competition

Carregador 1118
Loader 1118
Mientras se separa de su esposa, Tony debe seguir con su pesada rutina de cargar camiones en el Ceagesp, el mayor almacén de Latinoamérica. Su cuerpo exhausto carga los recuerdos
y el dolor de un amor perdido.

While splitting from his wife, Tony must follow his heavy routine of loading trucks at the Ceagesp, the largest warehouse in
Latin America. His exhausted body carries the memories and
sorrow of a lost love.

Tony tiene el cuerpo marcado. Sus piernas están algo chuecas; sus pies, bastante ampollados; su torso, como inclinado
hacia adelante. Camina, mira, da vueltas. Están llegando los
otros. Ya alguien entró, y ahora se para cerca de él, también a
dar vueltas. Ambos eligen su herramienta de trabajo, que se
renueva cada día hacia el final de la jornada, cuando sus ojos
ya acompañan el estado de sus pies. Tony está agotado; sin
embargo, después de bañarse, todos los días de alguna forma
festeja. Este documental lo retrata y lo describe “enfiestado”.
Entonces, en el día a día de lo transportado, de los transportistas y de los transportadores, Consonni y Marques descubren
un personaje que convierte esta película en testimonio de lo
atractivamente abrumadora que puede ser la inagotable traslación urbana. Josefina García Pullés

Tony’s body is marked. His legs are a bit crooked; his feet are
pretty blistered; his torso is kind of tilted forward. He walks, observes, and wanders around. The others are coming. Someone
is already in, and now stands next to him, also wandering. They
both pick their work tools, which gets renewed everyday when
work is over and their eyes match the state of their feet. Tony is
exhausted; yet he somehow celebrated everyday after showering. This documentary portrays him and describes this celebrating version of him. In the everyday life of transported goods,
transport workers, and transporters, Consonni and Marques
discover a character who turns this film into a testimony of how
enticingly overwhelming urban transport can be. JGP

Eduardo Consonni
Nació en Brasil en 1978. Es uno de los miembros y fundadores del PI,
un colectivo de arte que colabora con diferentes movimientos sociales.
He was born in Brazil in 1978. He is one of the founding members of the
PI, an art collective that collaborates with different social movements.

Rodrigo T. Marques
Nació en Brasil en 1979. Trabajó como productor de comerciales y, en
2005, empezó a dirigir y editar documentales.
He was born in Brazil in 1979. He worked as a producer of commercials,
and in 2005, he started directing and editing documentaries.

98

Brasil - Brazil, 2015 / 64’ / DM / Color
Portugués - Portuguese
D, G, E, DA, P, PE: Eduardo Consonni, Rodrigo T. Marques
F: Rodrigo T. Marques S, M: Marcos Alma, Eduardo Consonni,
Rodrigo T. Marques CP: Complô I: Antonio da Silva
Contacto / Contact
Complô. Eduardo Consonni y Rodrigo T. Marques
T +55 11 996 568 801 +55 11 991 142 210
E [email protected] ~ [email protected]
W complo.tv

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE INTERNACIONAL / INTERNATIONAL PREMIERE

competencia oficial latinoamericana

El Tila: Fragmentos de un psicópata
Tila: Fragments of a Psychopath
Tras un apagón repentino en la cárcel, el Tila aparece ahorcado ante la mirada sorprendida de sus guardias. Una periodista se obsesiona por sacar a la luz una de las historias más
macabras y sórdidas que se puedan registrar en la historia
policial chilena.

After a sudden blackout in the prison, Tila’s dead body hangs
before the eyes of some surprised guards. A journalist becomes obsessed with shedding light on one of the most macabre and sordid stories ever recorded on Chilean police history.

Alguna vez, durante los años ochenta, Henry: Retrato de un
asesino paralizó al mundo con su relato descarnado sobre un
psicópata sediento de sangre. Décadas después, con El Tila:
Fragmentos de un psicópata, los ecos de la película de John
McNaughton resuenan en la historia de un homicida de pasado
atribulado. Allí, unas cámaras de seguridad monitorean sus últimos días: vive incómodo consigo mismo y con los demás, casi
en su último estertor. Su pasado se cuela en forma de escritos,
y una periodista intentará sacarlos a la luz. Repelente y brutal,
El Tila no utiliza subrayados ni estridencias para construir un
retrato seco pero sumamente incómodo. Y, a contramano de las
narraciones clásicas, los ojos que llevan adelante el cuento no
son los de la víctima, sino los del asesino. En una línea: psycho
killers en la vida real. Hernán Panessi

In the Eighties, Henry: Portrait of a Serial Killer paralyzed the
whole world with its raw depiction of a bloodthirsty psychopath.
Decades later, the echoes of John McNaughton’s film sound in
El Tila: Fragmentos de un psicópata, a story about a homicide
with a troubled past. Security cameras record his last days: he
lives in discomfort with himself and others, almost like a death
rattle. His past filters through his writings and a journalist will try
to reveal them. Repellent and brutal, El Tila avoids overstressing
and loud elements while building a dry yet very uncomfortable
story. Going against classic storytelling, the view that guides the
story here is not the victim’s, but the killer’s. In a nutshell: psycho killers in real life. HP

Alejandro Torres Contreras
Estudió artes en la Universidad de Chile y realización cinematográfica
en la Escuela de Cine de Chile. Cofundó la productora Cinepsis y realizó
cortometrajes como Los anteojos, Ismael Hernández, Epifanía y El duende verde. El Tila: Fragmentos de un psicópata es su primer largometraje.
He studied arts at the University of Chile and filmmaking at the Chile Film
School.He co-founded the production company Cinepsisand directed
several short films, including Los anteojos, Ismael Hernández, Epifanía
and El duende verde. El Tila: Fragmentos de un psicópata is his first
feature-length film.

Chile, 2015 / 97’ / DCP / Color
Español - Spanish
D, G: Alejandro Torres Contreras F: Vicente Mayo León
E: Martín Bohte DA: Sebastián Accorsi M: Roberto Torres
P: Felipe Morales CP: Cinepsis, Escuela de Cine de Chile
I: Nicolás Zárate, Trinidad González, Daniela Ramírez,
Daniel Alcaíno, Rodrigo Soto
Contacto / Contact
Cinepsis. Alejandro Torres Contreras
T +56 9 8434 7921 E [email protected]
W facebook.com/peliculatilafragmentosdeunpsicopata

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

99

PREMIERE INTERNACIONAL / INTERNATIONAL PREMIERE

latin american official competition

Inmortal
Immortal
Con una fuerza insoslayable, la corriente decide sobre los
cuerpos humanos que deja el conflicto armado. Mientras tanto
una chica busca algún rastro de su novio, y un hombre rescata
esos cuerpos que la marea arrastra a la costa colombiana.

The unstoppable, strong current decides on the bodies the
armed conflict leaves behind. Meanwhile, a girl searches for
any trace of her boyfriend, and a man rescues the bodies the
tides leave on the Colombian shore.

Cosme vive en un pequeño pueblo de la costa colombiana, un
lugar en el que el mar es el que decide sobre la vida y la muerte
y trae a la costa los cuerpos que arroja el conflicto armado,
algo que los lugareños asumen con la naturalidad propia de la
costumbre. Si alguien muere, los rituales incluyen bailes con el
cajón en alto; y las anécdotas más mundanas se relacionan con
cuerpos en descomposición y accidentes fatales. Cosme trabaja
rescatando esos cuerpos que trae la corriente; Hellens va a su
encuentro con la ilusión de reconocer un brazo que podría ser
de su novio. A partir de allí, y en un elogio del cine inmediato, el
relato avanza con lo puesto y permite que la realidad invada la
película, tuerza el rumbo y ofrezca accidentes de puro vitalismo.
Libertad cinematográfica en sentido pleno, fuera de todo canon.
Magdalena Arau

Cosme lives in a small town in the Colombian coast, a place
where the sea decides about life and death, bringing to the
coast the bodies the armed conflicts throws, something the locals take with the naturalness of the everyday. If somebody dies,
the rituals include dances with the coffin raised; and the most
mundane anecdotes are related to decomposing bodies and
fatal accidents. Cosme works retrieving the bodies the current
brings; Hellens goes to meet him with the illusion of recognizing a body that could be her boyfriend’s. From then on, and in
praise of immediate cinema, the tale moves on with simplicity,
allowing for reality to invade the film, make detours and offer
purely vital accidents. Full cinematic freedom, away from any
kind of canon. MA

Homer Etminani
Nació en Teherán, Irán, en 1974, y actualmente vive en Colombia. Licenciado en Filosofía y Letras por la Universidad de Barcelona y diplomado
por el Centre d’Estudis Cinematogràfics de Catalunya (CECC), dirigió
Nation (2011).
He was born in Tehran, Iran, in 1974, and currently lives in Colombia. A
graduate in Philosophy and Literature from the University of Barcelona
who majored at the Catalonia Cinema Studies Center (CECC), he directed
Nation (2011).

100

Colombia / España - Colombia / Spain, 2016
74’ / DCP / Color / Español - Spanish
D, G, F, E, S, PE: Homer Etminani DA, P: Carmen Viveros CP: FakeFilms
I: Cosme Peñate, Hellens Rentería, Yesenia Quiróz, Rita Quiróz
Contacto / Contact
FakeFilms. Homer Etminani
T +57 304 364 8151
W hetminani.wix.com/fakefilms

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

competencia oficial latinoamericana

Territorio
Filmado en Ecuador, el viaje empieza en el océano, a través de
las montañas, y desciende en la selva. Una experiencia atemporal a partir de imágenes de personas y paisajes a la espera
de ser observados.

Shot in Ecuador, it’s a journey that starts at the ocean, continues through the mountains and descends in the jungle.
A timeless experience through images of people waiting to
be watched.

Alexandra Cuesta cita al eterno errante Henri Michaux como
uno de los disparadores de su primer largometraje. No deja de
ser curioso, entonces, que la secuencia con la que comienza
Territorio (primer film de Cuesta rodado en su Ecuador natal)
nos muestre una lancha que se dirige a la costa. Es muy probable que para Cuesta la imagen del agua esconda la misma
connotación que para el autor de “La mer des mamelles”: el
regreso al hogar, a la protección, al seno materno. Sin desviarse
de los planteamientos formales de su obra anterior, Cuesta traza
un recorrido que atraviesa el país de norte a sur, dibujando una
cartografía humana en la que se trata de alcanzar un equilibrio
imposible entre la mirada ajena del viajero y la esforzada familiaridad de quien temporalmente vuelve a casa. Fran Gayo

Alexandra Cuesta cites eternal wanderer Henri Michaux as one
of the inspirations for her first feature. It’s curious, then, that
the opening sequence of Territorio (the first film Cuesta shot in
her native Ecuador) shows us a boat heading for the shore. It is
very likely that, to Cuesta, the image of water hides the same
connotation than it does to the author of “The Sea of Breasts”:
returning home, being sheltered in the mother’s womb. Without
detouring from the formal approaches of her previous work,
Cuesta traces a journey that crosses the country from north
to south, drawing a human cartography in which the aim is to
achieve an impossible balance between the foreign traveler’s
gaze and the earnest familiarity of those who return home temporarily. FG

Alexandra Cuesta
Nació en Ecuador en 1980, y estudió fotografía en Savannah, Georgia,
y luego cine en CalArts. Dirigió varios cortometrajes, como Piensa en mí
(2009) y Despedida (2012).
She was born in Ecuador in 1980, and studied photography in Savannah,
Georgia and then film at CalArts. She directed many shorts, like Piensa
en mí (2009) and Despedida (2012).

Ecuador, 2016 / 65’ / DCP / Color
Español - Spanish
D, F: Alexandra Cuesta E: Alexandra Cuesta, Pablo Mazzaolo
S: Xavier Muller P: Alexandra Cuesta, Alfredo Mora, Micaela Rueda
Contacto / Contact
Alexandra Cuesta
T +1 607 422 0335
E [email protected]
W alexandracuesta.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

101

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

latin american official competition

UIO: Sácame a pasear
UIO: Take Me for a Ride
Sara cursa el último año de la secundaria, no tiene muchos
amigos y está atrapada entre una madre dominante y un padre distraído. Pero todo cambia cuando conoce a Andrea, su
nueva compañera de clase, con la que comenzará una relación íntima en secreto.

Sara is in her last year of high school, doesn’t have many
friends and is trapped between a dominating mother and an
inattentive father. But everything changes when she meets
Andrea, her new schoolmate, with whom she will start an intimate relationship in secret.

UIO hace de la intimidad su territorio. En una especie de danza
de encantamiento, la película se esmera en encontrar la distancia justa para dar cuenta del espacio que separa a dos chicas
que se conocen en el momento en que ya la escuela se termina,
y con eso la adolescencia deja paso a otra cosa. Prescindiendo
de peripecias narrativas y dejando las fricciones con el exterior
a un lado, es en ese mundo privado –refugio ante toda inclemencia– donde las imágenes se instalan y respiran. En el modo
en que se miran por primera vez, en las primeras conversaciones, en las primeras salidas, la película pareciera decirnos que
no hay nada más allá de eso, y esa intimidad que construye
se vuelve cada vez más poderosa y secreta. Magdalena Arau

UIO makes intimacy its territory. In some sort of enchantment
dance, the film struggles to find the right distance in order account for the space between two girls who meet when school
is ending and adolescence gives way to something else. Avoiding narrative surprises and leaving the frictions with the outside world aside, it is in that private world –a shelter against
inclemencies of any kind– that the images settle and breathe.
In the way they look at each other for the first time, in their
first conversations, their first hangouts, the film seems to tell
us there’s nothing beyond the two of them, and the intimacy it
builds becomes more and more powerful and secret. MA

Micaela Rueda
Nació en Quito, Ecuador, en 1983. Estudió dirección en la FUC. Actualmente lleva a cabo talleres de dirección de actores. Dirigió dos cortometrajes y un documental.
She was born in Quito, Ecuador, in 1983. She studied filmmaking at the
FUC. She is currently running actor’s direction workshops. She directed
two shorts and a documentary.

Ecuador / Colombia / México - Ecuador / Colombia / Mexico, 2016
71’ / DCP / Color / Español - Spanish
D, G: Micaela Rueda F: Manuel Bascoy E: Amaia Merino,
Micaela Rueda DA: Emilia Dávila S: Juan José Luzuriaga
P: Patricia Maldonado, Micaela Rueda, Diana Montenegro,
Carlos Hernández CP: Ella También Films, Cinema C.O, Media Mac
I: Samanta Caicedo, María Juliana Rángel, Diego Naranjo, Paty Loor,
Monserrat Astudillo
Contacto / Contact
M-appeal. Torsten Schulze
T +49 306 150 7505 E [email protected] W m-appeal.com

102

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE INTERNACIONAL / INTERNATIONAL PREMIERE

competencia oficial latinoamericana

Flores silvestres
Wild Flowers
Tomando como base el relato Cálamo aromático, del escritor
polaco Jaroslaw Iwaszkiewicz, Lombardini construye la vida
de Marta, una mujer que se encuentra paralizada por un doloroso recuerdo y que un buen día conoce a Germán, el misterioso mujeriego del pueblo.

Flores silvestres sigue a Marta, una mujer que vive con un dolor
eterno, expresado a partir de los silencios, de la incomunicación, de todo aquello que no se dice y, sin embargo, está presente. La cámara observa la naturaleza y los espacios físicos
y les otorga un peso especial, como si ellos fueran los mudos
acompañantes en el duelo de esta mujer, que ha perdido algo
irrecuperable. La amistad que ella entabla con un joven de la
zona genera interés a partir de su ambigüedad: ¿hay tensión
sexual o ella ve en él el recuerdo de lo perdido? ¿Hay atracción
o acaso el joven representa el fantasma de ese pasado que
convive en la cotidianidad de Marta? Flores silvestres deja en
el aire esas preguntas porque quizás no tengan una respuesta
clara. Como si el dolor, a fin de cuentas, terminara por difuminarlo todo. Rodrigo Bedoya
Pablo Pérez Lombardini
Nació en Ciudad de México en 1987 y se graduó como director de cine
del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC) en el año 2015. Escribió y dirigió Mi camiseta y mi calcetín (2009), Dejemos el futuro atrás
(2010), El espejo (2011), La laguna encantada (2012) y Mi santa muerte
(2015), entre otros.
He was born in Mexico City in 1987 and graduated as a filmmaker
from the Film Training Center (CCC) in 2015. He wrote and directed
Mi camiseta y mi calcetín (2009), Dejemos el futuro atrás (2010),
El espejo (2011), La laguna encantada (2012) and Mi santa muerte
(2015), among others.

Based on the short story Cálamo aromatico by Polish writer
Jaroslaw Iwaszkiewicz, Lombardini depicts the life of Marta, a
woman who finds herself paralyzed by a painful memory and
one day meets German, the town’s mysterious womanizer.

Flores silvestres follows Marta, a woman suffering from an
eternal pain she expresses through silences, lack of communication, and unspoken issues –and yet, it is there. The camera
observes nature and physical spaces and provides a special
density to them, as if they were silent partners in her mourning
for something she lost forever. Her friendship with a young man
from the area creates an interest triggered by its ambiguity: is
there s sexual tension, or rather she sees in him a memory of
what she lost? Is there an attraction or does the young man
stand for the ghost of that past that still exists in Marta’s everyday life? Flores silvestres leaves these matters unresolved,
because they may not have a clear answer. As if, in the end, pain
blurs everything out. RB

México - Mexico, 2015 / 50’ / DCP / Color
Español - Spanish
D, G: Pablo Pérez Lombardini F: Gabriel Serra E: Lenz Claure
DA: Xavi Baró S: Nicolás Aguilar Límenes P: Mihaya Urtuzuástegui,
Pablo Pérez Lombardini PE: Karla Bukantz, Henner Hofmann
CP: Centro de Capacitación Cinematográfica A.C. I: Carolina Politi,
Adrián Carreón, David Hevia, María Teresa Garagarza, Daniela Castillo
Contacto / Contact
Centro de Capacitación Cinematográfica. Boris Miramontes
T +52 55 4155 0090
E [email protected] W elccc.com.mx

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

103

PREMIERE INTERNACIONAL / INTERNATIONAL PREMIERE

latin american official competition

WIK
Tres jóvenes limeños viven el verano en una ciudad en apariencia estática. En su afán por querer hacer algo con su tiempo, se descubren a sí mismos y a los mundos que habitan.

Three young men from Lima live the summer in an apparently
static city. In their effort for doing something with their time,
they discover themselves and the worlds they inhabit.

Con una convicción que parecía olvidada, el debut en la dirección de Rodrigo Moreno del Valle recobra el pulso de los jóvenes
lanzados al verano y a las noches desesperanzadas, en una
ciudad cuyos rasgos autóctonos parecen diluirse en medio de
un cosmopolitismo de clases acomodadas. Los protagonistas
caminan las calles, van a boliches o asisten a fiestas con un
objetivo difuso: sustraerse de la soledad, del aburrimiento, de
una forma inconclusa de angustia; pasar el tiempo como se
pasan los días de la semana que marcan cada capítulo de la
película. El director es capaz de encontrar un tono que impugna
con esmerada malevolencia los lugares comunes propios de las
películas de jóvenes inconstantes. Wik exhibe con igual dedicación el fragor de los encuentros en el terreno amoroso y su contrapartida: el silencio feroz de las horas perdidas. David Obarrio

With a conviction that appeared to be forgotten, Rodrigo Moreno
del Valle’s debut recovers the pulse of young people thrown into
summer and hopeless nights, in a city with local features that
seem to get diluted into the cosmopolitan life of well-of classes.
The characters wander through the streets, get into clubs, or go
to parties with a blurred goal: distract themselves from loneliness, boredom, or an unfinished form of anguish, and spend
time in the same way days pass by in this film, each one marking a different chapter. The filmmaker is able to find a tone that
works hard to scorch on the common places of dilettante young
people. Wik features both the passion of love encounters and its
opposite side: the ferocious silence of wasted hours. DO

Rodrigo Moreno del Valle
Estudió ciencias de la comunicación en la Universidad San Ignacio de
Loyola. Dirigió cinco cortometrajes. También se desempeña como director de publicidad.
He studied communication sciences at the San Ignacio de Loyola University. He directed five shorts. He also directs commercials.

Perú - Peru, 2016 / 77’ / DCP / Color / Español - Spanish
D: Rodrigo Moreno del Valle G: Illary Alencastre Pinilla, Rodrigo Moreno
del Valle F: Alonso Luque, Pietro Bulgarelli E: Alberto Barzola
DA: Illary Alencastre Pinilla S: Rosa María Oliart M: Maxi Prietto
P: Eliana Illescas, Paul Córdova, Miguel Álvarez Calderón PE: Eliana
Illescas, Alfredo Letts CP: Cienfuegos Cine I: Pedro Pablo Corpancho,
Piera del Campo, Jean Phil Arrieta, Olivia Manrufo, Pablo Mamani
Contacto / Contact
Cienfuegos Cine. Rodrigo Moreno del Valle
T +51 1 964 605 060
E [email protected] W facebook.com/wiklapelicula

104

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

competencia oficial derechos humanos
human rights official competition

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

fuera de competencia - out of competition

HUMAN RIGHTS official competition
APERTURA / OPENING

Writing on the City
Escribiendo en la ciudad
El cineasta iraní cuenta la historia del grafiti en Teherán, desde
la revolución de 1979 que desencadenó la caída del Shá hasta
la revolución verde de 2008.

The Iranian filmmaker tells the story of graffiti in Teheran, from
the 1979 revolution that led to the fall of the Shah to 2008’s
Green Revolution.

Los grafitis han anunciado históricamente los principales eventos ocurridos en Teherán. Esos mensajes se han extendido
como los muros levantados en la ciudad durante los últimos
200 años. Sin embargo, los conceptos e intenciones de las
pintadas han reflejado con frecuencia un espejo distorsionado
de la realidad iraní. La mirada del cineasta kurdo-iraní Keywan
Karimi va más allá del relato histórico-político sobre la evolución
de la sociedad iraní que nos proponen el material de archivo y
las imágenes rodadas por el propio Karimi. La película plantea
debates universales que el paso del tiempo ha transformado en
una implacable metáfora sobre la resistencia de su director. El
Tribunal de la Revolución iraní ha condenado recientemente a
Karimi a un año de prisión y 223 latigazos por dirigir Writing on
the City. Los auténticos grafiteros nunca están al servicio del
poder. Marcos Merino

Graffiti have historically announced the main events that have
taken place in Teheran. These messages have extended like
the walls built in the city for the past 200 years. However, the
concepts and intentions of the graffiti have frequently reflected
a distorted mirror of Iranian reality. Kurdish-Iranian filmmaker
Keywan Karimi’s eye goes beyond the historical-political account of the evolution of Iranian society proposed by the archive
footage and the images shot by Karimi himself. The film raises
universal debates that time has turned into an implacable metaphor for its director’s resistance. Iran’s Revolutionary Court has
recently sentenced Karimi to one year in prison and 223 lashings for having directed Writing on the City. The authentic graffiti
artists are never in the service of power. MM

Keywan Karimi
Nació en Irán en 1985, y estudió comunicación en la Universidad de
Teherán. Comenzó su carrera con una serie de cortos documentales que
eran una crítica a la vida en su país.
He was born in Iran in 1985 and studied communication at the University
of Teheran. He started his career with a series of documentary shorts that
were critical of life in his country..

106

Irán - Iran, 2015 / 60’ / DCP / Color / Persa - Farsi
D, G: Keywan Karimi F: Arastoo Madahi Givi E: Farahnaz Sharifi
S, M: Bamdad Afshar P: Keywan Karimi,
Masoud Kowsari I: Farahnaz Sharifi, Salman Razavi
Contacto / Contact
Punto de Vista
E [email protected]
W puntodevistafestival.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

competencia oficial DERECHOS HUMANOS

La memoria de los huesos
The Memory of the Bones
La esperanza de cientos de familiares de desaparecidos está
depositada en el trabajo del Equipo Argentino de Antropología
Forense, que lleva 30 años identificando los restos de desaparecidos en varios países. Solo la restitución de los restos a sus
familiares puede cerrar las heridas abiertas.

The hope of hundreds of relatives of disappeared people lies in
the work of the Argentine Forensic Anthropology Team, which
has been identifying remains of the disappeared in several
countries for 30 years. Only the restitution of the remains to
their relatives can heal the open wounds.

La memoria de los huesos se centra en el trabajo del Equipo
Argentino de Antropología Forense, cuya tarea de identificar los
cadáveres enterrados clandestinamente por la dictadura militar
se muestra como continuidad de la búsqueda de los hijos de
desaparecidos. Película de procedimientos cinematográficos
(paciencia, serenidad, ausencia de voz en off y de entrevistas
directas, cuidadosa selección de casos y locaciones), pero
también científicos y legales no menos nítidos (protocolos para
excavar y clasificar restos, técnicas para convencer a presuntos
hijos), se sostiene como sus protagonistas, fatigados después
de treinta o cuarenta años de lucha, en el imperecedero dolor
de los familiares y en la convicción de que la batalla por la memoria es la batalla por el control del Estado. Quintín

The Memory of the Bones centers on the work done by the
Argentine Forensic Anthropology Team, whose task of identifying the bodies buried clandestinely by the military dictatorship is
shown as continuity in the search for the children of the disappeared. A film of cinematic procedures (patience, serenity, an
absence of voiceover narrative and direct interviews, a careful
selection of cases and locations), but also scientific and legal
ones as sharp as the former (protocols for excavating and classifying remains, techniques to convince presumed sons and
daughters), it holds up as its protagonists do, tired after thirty
or forty years of struggle, in the undying grief of the relatives as
well as the conviction that the battle for memory is the battle for
the control of the State. Q

Facundo Beraudi

Argentina, 2016 / 80’ / DCP / Color / Español - Spanish

Nació en Argentina en 1968, y a los seis años se mudó a Barcelona.
Tiene un máster en Documental de Creación de la Universidad Pompeu
Fabra. Dirigió varios cortos documentales, como La determinación de
Aminetu (2009).
He was born in Argentina in 1968 and moved to Barcelona at 6. He has
a master’s in Creative Documentary Filmmaking from the Pompeu Fabra
University. He directed many documentary shorts, such as La determinación de Aminetu (2009).

D, G: Facundo Beraudi F: Diego Delpino, Facundo Beraudi
E: Verónica Rossi DA, PE: Victoria Nardone S: Martín Grignaschi
M: Raúl Fernandez Miró P: Facundo Beraudi, Victoria Nardone
CP: Roccomotion I: Patricia Bernardi, Rosaria Isabella Valenzi,
Roxana Mejivar, Juan Nobile, David Toubes
Contacto / Contact
Roccomotion. Facundo Beraudi
T +54 11 4822 8399
E [email protected]
W roccomotion.com ~ roccomotion.com/la-memoria-de-los-huesos

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

107

PREMIERE INTERNACIONAL / INTERNATIONAL PREMIERE

HUMAN RIGHTS official competition

FtWTF - Female to What The Fuck
Las realizadoras retratan a seis personas que, por diferentes
razones, asumen una identidad transgénero. El antes y el después de una transformación en la que el cambio de sexo es
solo una parte de la exploración de la propia identidad.

The filmmakers follow six people who, for different reasons,
take on a transgender identity. The before and after of a transformation in which sex change is only a part of the exploration
of one’s own identity.

Intimista y radicalmente honesta, Female to What the Fuck
presenta en primera persona los deseos y objetivos de varios
hombres trans que viven en Viena; las reflexiones sobre su transición, sobre sus cuerpos, y el papel de la mirada ajena. Entre
tanta filosofía queer y teoría de género, todos ellos se acercan
a la misma conclusión: la necesidad de superar y dejar atrás
el binarismo, las clasificaciones y las etiquetas con las cuales
la sociedad encasilla a las personas. Y trascender, de una vez
por todas, esas categorías impuestas para crear nuevos y libres
modos de expresar las identidades. Como señala Persson en
una reunión colectiva: “Todo se volvería más simple si aboliéramos esto de hombre/mujer; si nos definiéramos de forma
diferente, más como una contrasexualidad”. Alejandro Dramis

Intimist and radically honest, Female to What the Fuck presents
the desires and goals of several trans men living in Vienna in the
first person; the reflections on their transition, on their bodies,
and the role played by the gaze of others. Among so much queer
philosophy and gender theory, all of them come to the same
conclusion: the need to leave behind and overcome binarism,
the classifications and labels with which society pigeonholes
people. And transcending, once and for all, those imposed
categories in order to create new and free ways of expressing
identities. As Persson points out at a collective meeting: “Everything would become much simpler if we abolished this man/
woman thing; if we defined ourselves differently, more like a
countersexuality.” AD

Katharina Lampert

Austria, 2015 / 92’ / DM / Color / Alemán / German

Nació en Viena en 1976. Estudió literatura y arte conceptual. Realizó
numerosas exposiciones y dirigió tres documentales.
She was born in Vienna in 1976. She studied literature and conceptual
arts. She did many exhibits and directed three documentaries.

Cordula Thym
Nació en Austria en 1977, y estudió en la Academia de Cine de Viena.
También se formó como ingeniera en sonido y tocó la batería en varias
bandas.
She was born in Austria in 1977, and studied at Filmacademy Vienna.
She also trained as a sound engineer and played drums in many bands.

108

D, G, DA, P, PE: Katharina Lampert, Cordula Thym F: Judith Benedikt
E: Niki Mossböck S: Johanna Kirsch M: Armin Lorenz I: Denice
Bourbon, Mani Tukano, Dorian Bonelli, Nick Prokesch, Hans Scheirl
Contacto / Contact
sixpackfilm. Dietmar Schwarzer
T +43 1 526 0990
E [email protected]
W sixpackfilm.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

competencia oficial DERECHOS HUMANOS

Belle de nuit - Grisélidis Réal
autoportraits
Bella de noche - Autorretratos de Grisélidis Réal
Un film que se anima a navegar sin límites por el mundo de
la escritora, pintora y activista Grisélidis Réal. Imágenes inspiradas en sus textos, dibujos y material de archivo forman
un retrato plural y complejo de una mujer que pide “por favor,
mencionen que soy, además, una puta revolucionaria”.

A film that dares to navigate the entire world of writer, painter,
and activist Grisélidis Réal. Images inspired in her texts, drawings, and archive footage aim to sketch a plural and complex
portrait of a woman who asks that “please, mention that I’m
also a revolutionary whore”.

Grisélidis Real. He aquí una pionera, una escritora cuya obra,
aun en la actualidad, haría fruncir el ceño y tambalear a todos
los sistemas de corrección política a izquierda y derecha, una
mujer que en sus últimos días de vida, tras haber ejercido
por treinta años la prostitución, confiesa que su oficio le ha
dejado innumerables marcas en cuerpo y alma, pero también
un inmenso amor a la vida y un respeto por el sufrimiento del
otro. A través de un collage pleno de generosidad y entrega,
en el que se combinan entrevistas con cortes musicales, fugas
líricas y archivo, Belle de nuit recupera para el siglo XXI la figura y el pensamiento siempre apasionado de Grisélidis Real,
y nos suma de paso a un viaje en el tiempo hacia un momento
de la Historia en el que todo estaba por construirse, debatirse
y considerarse. Fran Gayo

Grisélidis Real. Here’s a pioneer, a writer whose work would still
make every left and right wing political correction system frown
and tremble. Here’s a woman who, in her last days, and after
working as a prostitute for thirty years, confesses that her job
left her with endless marks on her body and soul, but also an
immense love for life and respect for other people’s suffering.
Through a collage filled with generosity and care, combining
interviews with music scenes, lyrical figures and archive footage, Belle de nuit retrieves the figure and thoughts of Grisélidis
Real for the 21st century, and also takes us into a journey back
in time to a moment in History when everything was yet to be
built, debated, and considered. FG

Marie-Eve de Grave
Nació en Bélgica en 1965 y estudió arquitectura y escenografía antes
de formarse y graduarse en la Escuela de Cine de Bruselas. Dirigió los
cortometrajes Waiting for Frank (2000), Opale Plage (2010) y Grand Tour
(2013), entre otros.
She was born in Belgium in 1965 and studied architecture and set design
before she trained and graduated from the Brussels Film School. She
directed several short films, including Waiting for Frank (2000), Opale
Plage (2010) and Grand Tour (2013).

Bélgica - Belgium, 2016 / 70’ / DCP / Color & B&N
Francés - French
D, G: Marie-Eve de Grave F: Jorge Piquer Rodriguez,
Sébastien Koeppel E: Simon Arazi S: Ludovic Van Paschterbeke
M: Pierre Avia P: Françoise Hoste PE: Françoise Hoste
CP: On Move Productions
Contacto / Contact
CBA. Gabriella Marchese
T +32 2227 2230
E [email protected]
W cbadoc.be

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

109

HUMAN RIGHTS official competition

Juanicas
Durante diez años, la directora documenta la compleja relación que lleva con su madre y su hermano, ambos diagnosticados con trastorno bipolar. Al comienzo, la realización del
film parece acercar a la familia, pero enseguida la directora
advierte que las cosas no son tan sencillas.

Through the course of ten years, the director documents her
complex relationship with her mother and brother, both of
them diagnosed with bipolar disorder. At first, the making of
the film seems to bring the family together, but the director
immediately realizes things aren’t that simple.

El documental familiar parece un hijo del digital; tal ha sido su
proliferación en los últimos años. Juanicas comienza a partir
de unos recuerdos, la memorabilia de Juan, un personaje del
que nada sabemos pero que, tras un flashback que nos lleva
varios años atrás, se descubre como hermano de la directora.
Tras su vuelta a Quebec y a una presunta normalidad, el relato
cronológico de García Casanova nos va descubriendo el trastorno bipolar y maníaco depresivo tanto de su madre como de su
hermano. Los rótulos sobre imágenes en negro y una cámara
que filma a cierta distancia, agazapada, nos informan de los
largos encierros, las hospitalizaciones, la violencia. Obviamente, Juanicas nos habla de Juan, pero responde ante todo a la
necesidad de la cineasta de sacudirse sus propios fantasmas.
Jaime Pena

Family-focused documentaries seem to be born out of digital
cinema –that has been the way they have spread in the last
years. Juanicas starts with memories: the memorabilia collection of Juan, a character we know nothing about until a flashback takes us several years in the past and we find out he’s the
brother of the director. After his return to Quebec and an apparent normality, García Casanova’s chronological story progressively reveals us both her mother and brother’s bipolar and maniac disorder. The labels against black frames and a crouched
camera that shoots from a distance both inform us of the long
enclosure periods, the hospitalizations, and the violence. Obviously, Juanicas tells us the story of Juan, but it primarily responds to the filmmaker’s need to shake off her own ghosts. JP

Karina García Casanova
Nació en Monterrey, México, en 1978, y se radicó en Canadá. Dirigió los
cortometrajes Une bonne eleve (2008) y Les Grands Penseurs (2009).
She was born in Monterrey, Mexico, in 1978, and is settled in Canada. She directed the shorts Une bonne eleve (2008) and Les Grands
Penseurs (2009).

Canadá / México - Canada / Mexico, 2015 / 78’ / DCP / Color /
Español / Francés / Inglés - Spanish / French / English
D, G, E: Karina García Casanova F: Karina García Casanova,
Pablo Álvarez-Mesa, Glauco Bermúdez, Carlos Ferrand S: Terry Rodman
M: Olivier Alary P: Karina García Casanova, Daniela Flori PE: Bob Moore,
Mila Aung-Thwin, Daniel Cross CP: Eyesteelfilm, KGC Films
I: Juan García Casanova, Victoria Casanova Lastra, Karina García Casanova
Contacto / Contact
Eyesteelfilm. Karina García Casanova
T +1 514 804 8696
E [email protected] W eyesteelfilm.com ~ juanicas.com

110

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

competencia oficial DERECHOS HUMANOS

En otra casa
Far from Home
Las protagonistas de este documental son mujeres latinoamericanas que viven en Madrid y trabajan como mucamas para
poder enviarles dinero a sus familias, con las que se comunican vía Skype. Mientras tanto, sueñan con el momento de
volver a sus tierras.

The protagonists of this documentary are Latin American
women living in Madrid and working as maids, what allows
them to send money to their families, with which they communicate via Skype. Meanwhile, they dream about returning
to their native lands.

Aquí los patrones quedan fuera de campo (o paralizados, posando para fotos que no son tales). Vemos a las inmigrantes
latinoamericanas que en Madrid crían a los hijos, limpian las
casas y cuidan a los abuelos de los que pueden pagarlo. Ellas
son la imagen en movimiento frente a las (falsas) fotos de sus
empleadores. La verdadera vida parece ser la que viven las
mucamas mientras sus jefes dedican su tiempo a otras cosas.
Claro que esa no es su vida real; aquella quedó en suspenso
del otro lado del Atlántico. La amorosa relación con las niñas,
en la que en algún momento hace foco la cámara, tiene como
correlato la imagen familiar pixelada en la computadora de un
cíber. La ausencia duele más por lo irrecuperable del tiempo
perdido que por la distancia física. ¿La religión católica alivia o
avala ese dolor? Fernando E. Juan Lima

While the film places their bosses out of frame (or paralyzed,
posing for pictures that are not such), we see the Latin American
immigrants in Madrid who are raising their kids, cleaning their
houses, and taking care of the elderly who can afford it. They are
the moving pictures against the (false) photos of their employers. Real life seems to be the one experienced by the maids,
while their bosses make other uses of their own time. Of course,
that’s not their real life –their life was left suspended in time
on the other side of the Atlantic. The camera occasionally focuses on their loving relationship with the girls, which echoes in
a pixelated family picture from a cyber café’s computer monitor.
Rather than physical distance what makes absence more painful is actually the irretrievable nature of lost time. Does Catholic
religion ease that pain, or endorses it? FEJL

Vanessa Rousselot
Nació en Francia, y estudió historia del mundo árabe contemporáneo en
La Sorbona. Dirigió el documental (No) Laughing Matter (2010).
She was born in France, and studied the history of the contemporary
Arab world at La Sorbonne. She directed the documentary (No) Laughing
Matter (2010).

España / Francia - Spain / France, 2015 / 55’ / DM / Color
Español - Spanish
D, G: Vanessa Rousselot F: Frodo García Conde E: Ainara Nieves
Magan DA: Sofía Morate M: Nicolás Francart P: Gilles Le Mao, Sofía
Morate, Nicolás García PE: Gilles Le Mao, Sofía Morate, Nicolás García
CP: La Huit, Catorce Comunicación
Contacto / Contact
Playtime Audiovisuales. Natalia Piñuel
T +34 915 444 888
E [email protected]
W playtimeaudiovisuales.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

111

HUMAN RIGHTS official competition

L’Humour à mort
I Am Charlie
El humor hasta la muerte
Padre e hijo rinden homenaje a los 12 periodistas de la revista satírica francesa Charlie Hebdo que murieron en el ataque
terrorista de enero de 2015. Por otro lado, el film registra el
trabajo de la redacción mientras trabaja para producir su primera edición postatentado.

Father and son pay tribute to the twelve journalists from
the satiric French magazine Charlie Hebdo who died in the
terrorist attack of January 2015. The film also captures the
work of the editorial department while working on the first
post-attack issue.

El 7 de enero de 2015, dos hombres armados entraron en la
redacción del semanario satírico Charlie Hebdo. El resultado: la
muerte de doce integrantes del staff del clásico francés, incluyendo a pesos pesados del humor ácido y frontal en historietas.
Ni el humor gráfico se salvaba de la idiotez armada. El actor
Daniel Leconte y su hijo Emmanuel hablan sobre la revista, sobre sus antecedentes con atentados e incluso sobre ese día,
mientras entrevistan a la sobreviviente Coco (que narra cómo la
obligaron a abrir la puerta sabiendo lo que eso implicaba). Pero
L’Humour à mort va más allá de las meras entrevistas: en sus
instantes más feroces, usando archivos de la misma redacción,
apunta directo al corazón del “¿habrán ido demasiado lejos con
sus chistes?” para entender, con la herida abierta, la estupidez
de aquella pregunta. Juan Manuel Domínguez

On January 7 th, 2015, two armed men entered the offices of the
satirical weekly Charlie Hebdo. The result: twelve members of
the staff of this classic in French culture were killed, including
two heavyweights of acid, frontal comic strips. Not even comic
books were spared from armed idiocy. Actor Daniel Leeconte
and his son Emmanuel talk about the magazine, about its previous history with attacks, and even about that day, interviewing
the survivor Coco, who narrates how she was forced to open the
door, knowing what that meant. But I Am Charlie goes beyond
mere interviews: in its most ferocious moments, it uses archive
material from the offices, aims directly at the heart of “Maybe
they went too far with their jokes?” and, while the wound is still
open, understands the stupidity of that question. JMD

Daniel Leconte
Nació en Argelia en 1949, y se nacionalizó francés. Trabajó como periodista para Le Monde Diplomatique, Libération y Politique Hebdo.
He was born in Algiers in 1949, and became a French citizen. He worked
as a journalist for Le Monde Diplomatique, Libération and Politique Hebdo.

Emmanuel Leconte
Nació en París, Francia, en 1982. Hijo de Daniel Leconte, trabajó como
actor en series, como The Tudors, y películas.
He was born in Paris, France, in 1982. Daniel Leconte’s son, he has
worked as an actor series such as The Tudors as well as films.

112

Francia - France, 2015 / 90’ / DCP / Color / Francés - French
D, G: Daniel Leconte, Emmanuel Leconte F: Pierre Isnardon,
Damien Girault, Edouard Kruch E: Grégoire Chevalier-Naud
S: Matthieu Tibi P: Daniel Leconte PE: Raphael Cohen
CP: Film en Stock I: Elisabeth Badinter, Antonio Fischetti,
François Hollande, Richard Malka, Eric Portheault
Contacto / Contact
Pyramide International. Ilaria Gomarasca
T +33 1 4296 0220
E [email protected]
W inter.pyramidefilms.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

fuera de competencia - out of competition

competencia oficial DERECHOS HUMANOS

Homeland (Iraq Year Zero)
Patria (Irak año cero)
Abbas Fahdel aborda la vida en Irak antes y después de la
ocupación post 11-S, mediante registros de los habitantes (la
mayoría miembros de su familia) de un país que sufre las consecuencias de la guerra.

Abbas Fahdel addresses life in Iraq before and after the post
9-11 occupation, through records of people (most of them are
members of his family) in a country that suffers the consequences of war.

Homeland (Irak, año cero) recupera algo que parece cada vez
más alejado de los propósitos del arte cinematográfico: voluntad, paciencia y sensibilidad para registrar el paso del tiempo y
la historia. El formato de home movie le permite a Abbas Fahdel
lograr un retrato único y absolutamente personal de una ciudad
y de unas personas (que son parte de su familia) devastadas
por la guerra, sujetas a las decisiones de intereses políticos que
disponen el destino de las vidas de cientos de miles. Si bien
todo cine es político, pocas veces esta decisión estuvo tan dolorosamente cercana a lo personal. La película es un llamado
de atención y un manual para que los futuros directores de cine
aprendan a registrar a partir de una mirada que, de tan propia,
se termina transformando en universal. Homeland vuelve real
aquella frase tan llena de connotaciones cinéfilas: no hemos
visto nada. Cecilia Barrionuevo

Homeland (Iraq, Year Zero) brings back something that seems
to be increasingly distant from the purposes of cinematographic
art: the will, patience, and sensibility to record the passage of
time and history. The home movie format allows Abbas Fahdel
to achieve a unique and absolutely personal portrait of a city and
people (part of his family) devastated by war, subject to decisions from political interests that determine the fate of hundreds
of thousands of lives. While every cinema is political, few times
has this decision been so painfully close to a personal universe.
The films is a call for attention and a handbook for future filmmakers to learn how to record from such a personal view that
ends up becoming a universal one. Homeland turns into a real
thing a classic sentence that carries lots of film references: we
haven’t seen anything yet. CB

Abbas Fahdel
Nació en Babilonia, Irak, y vive desde los 18 años en Francia, donde
estudió cine en La Sorbona. Regresó a su país natal para filmar los documentales Back to Babylon (2002) y We Iraqis (2004). También dirigió el
drama bélico Dawn of the World (2008).
He was born in Babylon, Iraq, and at the age of 18 moved to France,
where he studied film at the Sorbonne. He returned to his home country to shoot the documentaries Back to Babylon (2002) and We Iraqis
(2004). He also directed the war drama Dawn of the World (2008).

Irak / Francia - Iraq / France, 2015 / 334’
DCP / Color / Árabe - Arabic
D, F, E, P: Abbas Fahdel
Contacto / Contact
Abbas Fahdel
T +33 6 6229 7117
E [email protected]
W abbasfahdel.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

113

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

HUMAN RIGHTS official competition

Ombre della Sera
Sombras de la tarde
Narrada en primera persona por cinco reclusos de la prisión de
Rebibbia en Roma, esta película tiene la intención de contar el
difícil camino de la reinserción social y laboral que transitan
los convictos luego de ser liberados.

A film that aims to depict the hard road to social and work
reinsertion convicts go through after their release. Narrated in
first person by five inmates from the Rebibbia prison in Rome.

La película de Valentina Esposito recrea el paso del confinamiento a la libertad haciendo gala de un tono seco, con el pulso
discreto y potente, al igual que esas almas que amanecen habitando otra vez el mundo exterior. Los encuentros con la familia,
la evidencia del paso del tiempo, el peso de la reclusión que se
demora en los cuerpos que ahora recorren las casas como si se
deslizaran por un territorio desconocido. La película no cede en
ningún momento al lirismo fácil acerca de una improbable redención definitiva de los personajes, y tampoco pontifica sobre
la necesidad imperiosa de una adaptación afectiva desligada
del entorno social que llevó a esos hombres a la cárcel. Ombre
della sera descubre un limbo secreto que se encuentra a mitad
de camino entre la prisión y el mundo verdaderamente libre, y
lo devela delante del espectador. David Obarrio

The film by Valentina Esposito recreates going from confinement
to freedom displaying a dry tone and a firmness that is discreet
and potent like those souls that inhabit the outside world once
more. The reunions with the family, the evidence of the passing
of time, the weight of seclusion that lags in those bodies that
now go around the houses as though they were sliding through
unknown territory. The film never gives in to any easy lyricism
regarding an unlikely definitive redemption of the characters,
nor does it pontificate on the irresistible need for an emotional
adaptation free from the social environment that drove those
men to jail in the first place. Ombre della sera discovers a secret
limbo located halfway between prison and the truly free world,
and unveils it in front of the audience. DO

Valentina Esposito
Nació en Roma en 1975 y estudió arte dramático. En 2003 comenzó
su trabajo social en la prisión de Rebibbia realizando varias obras de
teatro con los internos, entre ellas Hamlet, Éxodo, Fitzcarraldo, y muchas
otras. También coordinó la parte de teatro de Cesare deve morire (2012),
ganadora en 2012 del Oso de Oro en la Berlinale.
She was born in Rome in 1975 and studied drama. In 2003 she began
her social work at the Rebibbia prison by staging several plays with the
interns, including Hamlet, Exodus, Fitzcarraldo, and many others. She
also coordinated the theater portion of Caesar Must Die (2012), winner of
the Golden Bear at the Berlinale in 2012.

114

Italia - Italy, 2016 / 84’ / DCP / Color
Italiano - Italian
D, G, DA: Valentina Esposito F: Luca Nervegna E: Christian Lombardi
S: Claudio Marani M: Luca Novelli P: Riccardo Neri, Maurizio Albano
PE: Riccardo Neri CP: Lupin Film, Simonfilm I: Pippo Delbono, Romolo
Napolitano, Giancarlo Porcacchia, Alessandro Bernardini, Matteo Cateni
Contacto / Contact
Lupin Film. Riccardo Neri
T +39 06 8339 6746
E [email protected]
W lupinfilm.com ~ ombredellasera.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

competencia oficial DERECHOS HUMANOS

A Maid for Each
Mucamas para todos
Zein tiene una agencia de empleo doméstico en el Líbano y
trae mujeres de África y Asia para trabajar en casas locales. A
través de tres personajes, la película intenta hacer una disección completa del sistema.

Zein has an employment agency for maids in Lebanon and
brings women from Africa and Asia to work in Lebanese
homes. Through three characters, the film tries to dissect the
system completely.

El escenario: una agencia de contratación de mucamas. Con ese
límite espacial, Maher Abi Samra entrega un ensayo tan contundente como exploratorio e incisivo sobre el trabajo. O sobre dos
tipos de trabajo: el de los dueños y encargados de la agencia y
el de las mucamas. O, de forma más precisa, sobre cómo es
pensado y manejado el trabajo de las mucamas, porque en este
recorte no son visibles, apenas tienen voz. A Maid for Each describe su trabajo mediante la interacción de la agencia con los
clientes, los que piden, pagan, eligen y también se quejan de las
mucamas. Un documental que acumula hallazgo sobre hallazgo,
que pregunta y delimita con el encuadre, que deja hablar a los
que deciden sobre otras personas, que asombra constantemente
y que encuentra una forma narrativa precisa y nada obvia para
hacer cine sobre esclavitudes actuales. Javier Porta Fouz

The setting: a maid service agency. Within that spatial limitation,
Maher Abi Samra delivers a solid, exploratory and incisive essay about work. Or about two different kinds of work: the one
of the owners and the one of the maids. Or, rather, about the
way housemaid work is conceived and handled, since they are
not made visible by the film and barely have a voice. A Maid for
Each describes their work through the interaction between the
agency and the clients, who ask, pay, choose, and also complain about the maids. This is a documentary that piles up its
findings one over the other, uses its framing to question and
demarcate, lets those who decide on other people speak freely,
astonishes us constantly, and finds a precise narrative with no
obvious elements, in order to make a film about the current
forms of slavery. JPF

Maher Abi Samra

Líbano - Lebanon, 2016 / 67’ / DCP / Color / Libanés - Lebanese

Nació en Beirut, Líbano, en 1965. Estudió cine en La Fémis de París,
y trabajó como fotógrafo para periódicos y agencias de noticias. Dirigió numerosos cortos y mediometrajes documentales, entre ellos, Le
Syndrome du retour (1994), Femmes du Hezbollah (2000), Inhabitance
of Shatila Hospital (2001), Rond-Point Chatila (2004) y We Were Communists (2010; Bafici ‘11).
He was born in Beirut, Lebanon, in 1965. He studied film at La Fémis de
Paris, and worked as a photographer for newspapers and news agencies.
He directed many short and mid-length documentary features, including
Le Syndrome du retour (1994), Femmes du Hezbollah (2000), Inhabitance of Shatila Hospital (2001), Rond-Point Chatila (2004), and We Were
Communists (2010; Bafici ‘11).

D, G: Maher Abi Samra F, DA: Claire Mathon E: Rana Sabbagha,
Ruben Korenfeld S: Moncef Taleb P: Serge Lalou, Camille Laemle,
Ida Ven Bruusgaard Eirin, Høgetveit PE: Sabine Sidawi, Jinane Dagher
CP: Orjouane Productions, Les Films D’ici, Medieoperatørene As
I: Zein El Amin, Amal Barakat, Bernadette Hodeib, Rahel Zegeye
Contacto / Contact
Doc and Film International. Hannah Horner
T +33 1 4277 5687
E [email protected]
W docandfilm.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

115

HUMAN RIGHTS official competition

Las letras
The Letters
En el 2000, en la región de los altos de Chiapas, tuvo lugar
una emboscada contra una patrulla en la que hubo policías
muertos. El profesor Alberto Patishtán fue señalado como el
culpable y sentenciado a 60 años de prisión. La película escarba en las entrañas de esta historia.

In the year 2000, in the region of the heights of Chiapas, an
ambush against a patrol car took place, and a few policemen
died. Professor Alberto Patishtán was found guilty and sentenced to 60 years in prison. The film unearths the entrails
of that story.

Es curioso, pero por momentos la película de uno de los cineastas más independientes de México tiene bastantes parecidos
formales con una de quien hoy es su máximo representante
internacional. Chavarría filma buena parte de Las letras con
un tipo de lente y movimientos de cámara que recuerdan a lo
que hacen Iñárritu y Lubezki en El renacido: planos largos y en
movimiento perpetuo en los que los rostros y cuerpos se enfrentan con la inmensidad del paisaje, y la sensación de que los
objetos y el espacio se pueden palpar. Solo que aquí el tema y
el contexto son muy distintos. En el retrato de una familia y una
comunidad que conviven con la ausencia de uno de sus miembros, Chavarría experimenta sobre el lenguaje; caras, cuerpos,
escenarios. Un mundo, un universo: cartas visuales para alguien
que no puede verlas. Diego Lerer

It’s funny, but at times, the film by one of the most independent filmmakers in Mexico has quite a few formal similarities
with one by its maximum international representative. Chavarría
shoots much of The Letters with a type of lens and some camera moves that remind of what Iñárritu and Lubezki do in The
Revenant: lengthy shots in perpetual motion in which the faces
and the bodies face the immensity of the landscape, and the
feeling that the objects and the space are palpable. Only here
the subject matter and context are very different. In the portrait
of a family and a community who deal with the absence of one
of its members, Chavarría experiments on language; faces, bodies, sceneries. A world, a universe: visual letters for someone
who can’t see them. DL

Pablo Chavarría Gutiérrez
Nació en México en 1986. Es biólogo graduado de la Universidad Autónoma de Nuevo León. Dentro de su filmografía se encuentran obras como
Terrafeni (2012) y El resto del mundo (2014).
He was born in Mexico in 1986. He is a biologist graduated from the
Nuevo León Autonomous University. His work includes films like Terrafeni
(2012) and El resto del mundo (2014).

México - Mexico, 2015 / 77’ / DCP / Color
Tzotzil - Español - Tzotzil / Spanish
D: Pablo Chavarría Gutiérrez F: Diego Amando Moreno Garza
E: Israel Cárdenas, Pablo Chavarría Gutiérrez DA: Mariana Cedillo
S: Gerardo Villarreal M: Julio Torres P: Alexandro Aldrete, Juan Farré F.
PE: Diego Osorno, Gabriel Nuncio CP: Bengala, CONARTE, IMCINE
I: Alberto Patishtán, Héctor Patishtán, Gabriela Patishtán
Contacto / Contact
Bengala. Alexandro Aldrete
T +52 55 6721 0446
E [email protected] ~ [email protected]
W www.agenciabengala.com

116

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

competencia oficial DERECHOS HUMANOS

Ever the Land
Siempre la tierra
A través de una de las tribus maoríes más independientes y
apasionadas de Nueva Zelanda –llamada NgāiTūhoe–, este
film explora hasta lo más profundo y sublime de los vínculos
entre el ser humano y la tierra en la que vive y construye.

Through one of the most independent and passionate Maori
tribes in New Zealand –the NgāiTūhoe– this film explores the
deepest and most sublime links between human beings and
this planet where they live and prosper.

“Cuando la tierra es próspera, el hombre es próspero”, dice
una indígena Tuhoe en algún momento de este documental.
Esa frase, firme, inalterable, atraviesa este primer largometraje
de Sarah Grohnert. Porque aquí no solo se cuenta la historia
de un edificio construido sustentablemente (un living building);
también se materializa el vínculo forjado entre un determinado
espacio y quienes lo habitan. Así se retrata lo intangible de una
relación de silencioso respeto, absoluta entrega y eterna admiración. A esa admiración es que se suma Grohnert, y en eso
está lo más valioso de esta película que parece encerrar otra:
aquella que sucede frente a nuestros ojos, y aquella que se va
en los ojos de esta directora quien, mientras todo esto acontece,
nunca deja de mirar el parque nacional Te Urewera. Josefina
García Pullés

“When the land is prosperous, man is prosperous”, says a Tuhoe
native at one point in this documentary. That firm, unchangeable
sentence runs across this first film by Sarah Grohnert. Because
this is not just the story of a sustainable building (a living building), as there’s also a material connection forged between a
particular space and the people living in it. The film thus portrays
the intangible nature of a relationship of silent respect, absolute
care, and eternal admiration. Gornhert joins that admiration, and
that’s the richest element in this film, which seems to enclose
yet another one: one that takes place in front of our eyes, and
in the eyes of the director, who is constantly observing the Te
Urewera national park while all this takes place. JGP

Sarah Grohnert
Nació en Alemania, se formó como editora y, más tarde, como realizadora
en el Instituto de Artes Bournemouth en Reino Unido. Desde 2010 vive
en Nueva Zelanda, lugar en el que ha desarrollado diversos proyectos
para cine y televisión.
She was born in Germany, where she trained as an editor and a filmmaker at the Bournemouth Institute for the Arts in the UK. In 2010 she moved
to New Zealand, where she developed several projects for film and TV.

Nueva Zelanda - New Zealand, 2015
90’ / DM / Color
Inglés / Maorí - English / Maori
D, F: Sarah Grohnert E: Prisca Bouchet P: Alexander Behse
CP: Monsoon Pictures International Ltd.
Contacto / Contact
Monsoon Pictures International Ltd. Alexander Behse
T +64 2198 0496
E [email protected]
W monsoon-pictures.com ~ evertheland.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

117

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

HUMAN RIGHTS official competition

A Man Returned
Un hombre regresó
Para escapar de las malas condiciones en el campo de refugiados palestinos de Ain al-Hilweh, Reda vagó por Grecia
durante tres años. Ahora regresa al campamento, que está
sufriendo los efectos de la guerra en Siria, mientras intenta
rehacer su vida.

In order to escape the terrible conditions in the Palestine refugee camp of Ain al-Hilweh, Reda wandered around Greece for
three years. Now he’s back in the camp, which is suffering the
effects of the war in Syria, and tries to rebuild his life.

El documental se encuentra con la comedia de matrimonio;
poco importa que solo sobre el final veamos a la prometida. La
cámara sigue todo el tiempo a Reda, de 26 años, que regresa
de Grecia al campo de refugiados palestinos en Líbano del que
había escapado para casarse con su novia de la infancia. La
violencia y la crudeza de las imágenes (el arma en el cinto y la
jeringa colgando del brazo por la adicción a la heroína adquirida
en la aventura europea) no impiden que el motor de la trama
sea el futuro casamiento, lo que genera humor en un contexto
en principio no fértil para eso y aumenta la empatía hacia el
protagonista. Después de todo, ¿no ha sido la comedia romántica la que nos ha enseñado que el amor es la cura de todos los
males? Fernando E. Juan Lima

The documentary genre meets the marriage comedy –forget
about the fact that we only get to see the fiancée in the end.
The camera follows 26 year-old Reda all the time, as he returns
from Greece to the Palestine refugee camp in Lebanon he had
escaped from in order to marry his childhood sweetheart. The
violence and rawness of the pictures (a gun on his belt and a syringe hanging from his arm, as he became a heroin addict during
his European adventure) don’t prevent the core of the plot to be
about his upcoming marriage, which creates humor in a seemingly infertile context for it, and boosts our empathy towards the
lead character. After all, hasn’t romantic comedies been the ones
that taught us how love is the cure for all evils? FEJL

Mahdi Fleifel
Nació en Dubai, y creció en un campo de refugiados palestinos del Líbano y luego en Dinamarca. Vive en Ámsterdam, y se graduó en la Escuela
Nacional de Cine y TV de Londres. Realizó varios cortometrajes y dirigió
el largo A World Not Ours (2012; Bafici ‘13).
He was born in Dubai, and grew up in a Palestine refugee camp in Lebanon, and later in Denmark. He lives in Amsterdam, and he graduated from
the National Film and Television School in London. He made many shorts
and the feature A World Not Ours (2012; Bafici ‘13).

118

Reino Unido / Palestina / Líbano / Holanda - UK / Palestine /
Lebanon / Netherlands, 2016 / 30’ / DCP / Color / Árabe - Arabic
D, F: Mahdi Fleifel E: Michael Aaglund S: Dario Swade
P: Patrick Campbell, Mahdi Fleifel PE: Patrick Campbell, Mahdi Fleifel
CP: Nakba FilmWorks
Contacto / Contact
3.14*Collectif
T +1 514 840 8486
E [email protected]
W 314collectif.com/film/a-man-returned/

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

competencia argentina de cortos
argentine short films competition

argentine short films competition

317-322
“Cuando sentí que mi intimidad era invadida por un vecino que
miraba desde su balcón, decidí pagarle con la misma moneda
y empecé a filmarlo. De noche y de día registré sus movimientos. Un día, en la calle, vi que caminaba hacia mí. No pude
esquivarlo. Al cruzarnos, nuestras manos se rozaron”.
“When I felt my intimacy was being invaded by a neighbor who
watched me from his balcony, I decided to give him a taste
of his own medicine and started filming him. Day and night,
I recorded his every move. One day, on the street, I saw him
walking towards me. I couldn’t dodge him. When we crossed
each other, our hands brazed”.
Ariela Bergman
Nació en Buenos Aires en 1984. Estudió diseño de imagen y sonido
en la UBA. Su trabajo en el cine se ubica entre el videoarte y el cine
de ensayo.

Argentina, 2016
22’ / DM / Color
Español - Spanish
D, G, F, E, S, P, PE: Ariela Bergman I: Ariela Bergman,
Tamara Bergman, Nicolás Mauceri
Contacto / Contact
Ariela Bergman
T +54 9 11 5109 3760
E [email protected]

She was born in Buenos Aires in 1984. She studied image and sound
design at the UBA. Her work moves around video art and essay films.

Adiós a las ciudades Ep 1:
Carta para mis amigas
Goodbye Cities. Ep. 1: Letter for my Friends
Una joven está por revelar sus perturbadores secretos al anunciarles a sus congéneres su decisión de experimentar el mundo hasta la fractura.
A young woman is about to reveal her disturbing secrets by
announcing her fellow women her decision to experience the
world up to a breaking point.
Sebastián Pérez Opacăk
Nació en Buenos Aires en 1978, y se crió en Río Gallegos. Estudió filosofía y letras en la UBA. Actualmente vive en Berlín.
He was born in Buenos Aires in 1978, and grew up in Río Gallegos. He
studied philosophy and literature at the UBA. He currently lives in Berlin.

120

Argentina / Alemania - Argentina / Germany, 2016
13’ / DM / Color
Español - Spanish
D, G, F, E, DA: Sebastián Pérez Opačak S: Lautaro Aichenbaum
M: Wolfgang Voigt, Alva Noto P: Sebastian Pérez Opacak,
Ivo Aichenbaum PE: Ivo Aichenbaum CP: URSA Estudio
I: María Elena Guerra Aredal, Isabelle Philippe
Contacto / Contact
URSA Estudio. Ivo Aichenbaum
T +54 11 5737 5612
E [email protected]
W ursaestudio.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

competencia argentina de cortos
PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Berlín
Berlin
Julián y Clara esperan un pedido para llevar en la barra de una
parrilla, mientras fuman y conversan. Al día siguiente, uno de
ellos dejará el país. El tiempo que pasa hasta que el pedido sea
entregado es todo el tiempo que les queda juntos.
Julián and Clara wait for a take-away order at a restaurant,
while they smoke and talk. The day after, one of them will leave
the country. The time until their order is given to them is all the
time they have left to be together.
Luciano Salerno
Nació en Buenos Aires en 1989. Estudió artes audiovisuales en la UNA,
y dirigió tres cortometrajes.
He was born in Buenos Aires in 1989, and studied Audiovisual Arts in
UNA. He directed three short films.

El mes del amigo

Argentina, 2016 / 8’ / DCP / Color
Español - Spanish
D, G, PE: Luciano Salerno F: Francisco Bouzas E: Josefina Llobet
DA: Tatiana Mazú, Joaquín Maito S: Hernán Higa
M: Maxi Prietto P: Sol Inzillo, Martín Guevara CP: NNM Cine
I: Malena Villa, Pablo Sigal
Contacto / Contact
NNM Cine. Luciano Salerno
T +54 9 11 6160 5103
E [email protected]
W facebook.com/nnm.cine ~ facebook.com/cortometrajeberlin

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

The Friends’ Month
Mientras acepta la difícil idea de separarse de su novio,
Emilia se muda a un departamento del centro. Entre cajas y
cosas embaladas, casi por azar, comienza a vivir la vida de
la antigua inquilina.
While dealing with a breakup, Emilia moves to a downtown
apartment. Between boxes and packages, she almost randomly starts living the life of the former tenant.
Florencia Percia
Nació en Buenos Aires en 1984, y es licenciada en Cinematografía
por la Universidad del Cine. Actualmente se encuentra realizando su
primer largometraje.
She was born in Buenos Aires in 1984, and majored in Cinematography at
Universidad del Cine. She is currently making her first feature-length film.

Argentina, 2016
17’ / DCP / Color
Español - Spanish
D, G, PE: Florencia Percia F: Lucio Bonelli E: Wenchi Bonelli,
Florencia Percia DA: Ana Cambre S: Marcos Canosa
P: Mercedes Córdova, Valeria Forster CP: Brava Cine,
Universidad del Cine I: Valeria Correa, Adriano Salgado
Contacto / Contact
Brava Cine. Florencia Percia
T +54 9 11 5562 2932
E [email protected]

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

121

argentine short films competition

Error 404

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

En una empresa, el jefe y sus empleados trabajan prestando
atención solamente a los monitores de sus computadoras. De
repente se corta Internet, y la empresa entra en crisis cuando
los trabajadores comienzan a conectarse con otras cosas que
no son sus pantallas.
A company’s boss and his employees only pay attention to
their computer screens. Suddenly, the Internet connection goes
down, and the company gets into a crisis when the workers
start connecting with things other than their monitors.
Mariana Wainstein
Nació en Buenos Aires en 1981. Se recibió de diseñadora de imagen
y sonido en la UBA. Trabajó en el área de dirección con reconocidos
directores, como Damián Szifron y Francis Ford Coppola.
She was born in Buenos Aires in 1981. She majored in Image and
Sound Design at the UBA. She worked in film direction with renowned
filmmakers such as Damián Szifron and Francis Ford Coppola.

Historia del agua

Argentina, 2016
13’ / DM / Color
Español - Spanish
D, G: Mariana Wainstein F: Matías Nicolás E: Javier Falchi,
Mariana Wainstein DA: Juan Cavia S: Nicolás Chudnovsky
M: Gabriel Chwojnik P: Sol Aramburu PE: Fabián Zayat
CP: Gloria Films I: Julieta Zylberberg, Iair Said, Walter Jakob,
Paula Grinszpan, Katia Szechtman, M. Alarcon, M. F. Callejón
Contacto / Contact
Mariana Wainstein
T +54 9 11 3043 0204
E [email protected]
W mariwain.com.ar

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Water Story
Lo que pasa en un pueblo en el que conviven dos amigos, las
Fuerzas Armadas y un hombre que trabaja en el bosque.
What happens in a town where two friends, the Armed Forces
and a man who works in the woods all coexist.
Simón Vélez lópez
Nació en Medellín, Colombia, en 1990. Estudió dirección de cine en la
Universidad del Cine. Dirigió el corto Por ver la luz en tus pupilas, decía
mordicante el réprobo (Bafici ‘15).
He was born in Medellín, Colombia, in 1990. He studied filmmaking at
Universidad del Cine. He directed the short film Por ver la luz en tus
pupilas, decía mordicante el réprobo (Bafici ‘15).

Argentina / Colombia, 2016
13’ / DCP / Color
Español - Spanish
D, F, P, PE: Simón Vélez López G: Simón Vélez López,
Juan Lugo Quebrada E: Juan Sebastián Quebrada S: Tatiana Frean
CP: Soda, Montañero Cine, Universidad del Cine
I: Juan Lugo, Variel Sánchez, Juan de Dios
Contacto / Contact
Soda. Simón Vélez
T +54 9 11 2305 1626
E [email protected]

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[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

competencia argentina de cortos

¡Hola a los fiordos!

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Hello to the Fjords!
La geografía imponente del continente americano atestigua el
recorrido de un buque de pasajeros por aguas australes.
The stunning geography of the American continent is a witness
to the path of a passenger boat through Southern waters.
Alex Piperno
Nació en Montevideo en 1985, y estudió en la Universidad del Cine.
Dirigió dos cortometrajes.
He was born in Montevideo in 1985, and studied at Universidad del
Cine. He directed two short films.

Argentina / Uruguay, 2016
12’ / DCP / Color
D, G, E, P, PE: Alex Piperno F: Andrés Aguiló S: Lucas Larriera
CP: La Pobladora Cine, Ciudades Subterráneas I: Setiawan Jeje
Tempo, Muhtarwin Efendi
Contacto / Contact
La Pobladora Cine. Alex Piperno
T +54 9 11 6244 3307
E [email protected]
W lapobladoracine.com

Julieta se queda dormida

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Julieta Falls Asleep
Julieta cuenta una historia dos veces. Ambas versiones difieren muy poco. En una plaza Julieta es fotografiada. En el cuarto
del fotógrafo, Julieta, desnuda, pretende dormir, esperando a
que él vaya al baño (o a hacer un café) para vestirse rápido,
en un segundo.
Julieta tells a story twice. The two versions have very slight
differences. Julieta gets photographed in a park. In the photographer’s room, Julieta is naked, pretending to sleep, and
waiting for him to go to the bathroom (or to make coffee), so
she can get dressed quickly, in a second.
Dante De Luca
Nació en Buenos Aires en 1992. Estudió en la Universidad del Cine.
Actualmente escribe el guion de su primer largometraje.
He was born in Buenos Aires in 1992. He studied at Universidad del
Cine. He’s currently writing the script for his first feature-length film.

Argentina, 2016
11’ / DM / Color
Español - Spanish
D, G, E: Dante De Luca F: Luis Celedón DA: Paloma Ioli
S: Lucas Busso P, PE: Alexan Sarikamichian CP: Universidad Del Cine,
Alexan Films I: Martina Juncadella, Luciano Borges, Lucía De Luca
Contacto / Contact
Alexan Films
T +54 9 11 5720 6913
E [email protected]
W alexan.com.ar

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

123

argentine short films competition

(La fábrica de tortas)
Pastel de cereza

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

(The Cake Factory) Cherry Pie
Sofía tiene 16 años, le gusta hablar con su hermana mayor
y fumar a escondidas. A Luján, su mejor amiga, le gustan el
café negro y las galletitas de manteca, y tiene novia. Pero una
noche Sofía besa a una chica, y a Luján la invaden el amor y la
certeza de que enamorarse no es una opción.
Sofía is sixteen years old; she likes talking with her older sister
and smoke in hiding. Luján, her best friend, likes black coffee
and butter cookies, and she has a girlfriend. But one night,
Sofía kisses a girl, and Luján is overwhelmed by love, and the
notion that falling in love is not an option.
Jessica Praznik
Nació en Buenos Aires en 1987. Estudió realización audiovisual en la
Universidad Nacional del Arte y es diseñadora de indumentaria.
She was born in Buenos Aires in 1987. She studied audiovisual directing
at the Universidad Nacional del Arte, and works as a fashion designer.

La reina del baile

Argentina, 2016
16’ / DM / Color
Español - Spanish
D: Jessica Praznik G: Pepa Astelarra F: Luciana Favit
E: Augusto Gonzalez Polo DA: Mariana Point S: Mariana Point,
Alex Cubides, Ernesto Meier M: Mariana Point, Ramiro Jota
P: Jessica Praznik, Christian Romero PE: Rocío Gort
CP: Oro Eléctrico Producciones I: Naiara Awada, Malena Villa,
Carla Bilancieri, Ailín Zaninovich
Contacto / Contact
Oro Eléctrico Producciones. Gisela Chicolino
T +54 9 11 5181 1740 E [email protected]
W facebook.com/oroelectricoproducciones
facebook.com/thetortasfactory

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Dancing Queen
Víctor es un presentador de karaoke al que la rutina lo tiene
mal. Nada parece motivarlo: ni sus amigos ni su trabajo, y mucho menos su matrimonio con Liliana. Pero lo que busca está
mucho más cerca de lo que parece.
Víctor is a karaoke host affected by the routine. Nothing seems
to motivate him: nor his friends nor his work, and certainly not
her marriage with Liliana. But what she’s looking for is closer
than it seems.
Martín Holzman
Nació en Buenos Aires en 1993. Se graduó en la ORT en la orientación
de medios de comunicación, y luego estudió dirección de cine en la
FUC. Su primer corto fue El sueño del pibe.
He was born in Buenos Aires in 1993. He graduated from ORT with an
orientation in media, and later studied filmmaking at the FUC. His first
short film was El sueño del pibe.

124

Argentina, 2016
12’ / DM / Color
Español - Spanish
D, G: Martín Holzman F: Sebastián Cantillo E: Tomás Maumus
DA: Natalia Chiacchiari S: Ana Mandelbaum, Lucio Fontana
P, PE: Martín Busel CP: Emboscada, Universidad del Cine
I: Fabián Arenillas, Mirta Wons, Pedro Di Salvia, Lucila Tolcachier,
Martín Piroyansky
Contacto / Contact
Emboscada. Martín Busel
T +54 9 11 6714 2967
E [email protected]

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

competencia argentina de cortos

Las imágenes de Helena

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Helen’s Images
Una mujer abandonada, su cuerpo angustiado y la tristeza disimulada. Esta es una historia contada en dos contextos históricos
distintos, que conviven y ponen en evidencia la brecha entre las
posibilidades socioculturales de la mujer en 1890 y en 1970.
An abandoned woman, her anguished body, and her disguised
sadness. This is a story told in two different historical contexts,
which coexist and demonstrate the gap in opportunities for
women in 1890 and 1970.
Andrea Santamaría
Estudió en la Universidad del Cine en Buenos Aires y se especializó en
efectos especiales en los Escape Studios en Londres. Dirigió el cortometraje Tres (2005), y fue una de las directoras del largometraje A
propósito de Buenos Aires (Bafici ‘06).
She studied at Universidad del Cine in Buenos Aires and specialized in
special effects at the Escape Studios in London. She directed the short
film Tres (2005), and was one of the directors of the collective film A
propósito de Buenos Aires (Bafici ‘06).

Los días felices

Argentina, 2016
15’ / DCP / Color
Español - Spanish
D, G, E: Andrea Santamaría F: Andrés Aguiló
DA: Micaela Bellani S: Francisco Pedemonte
P: Florencia Clérico, Andrés Larriera I: Sabrina Grinschpun,
Jimena del Pozo, Graciela Borges, Walter Saettone
Contacto / Contact
Hasta 30 Minutos. Luciana Abad
T +54 9 11 6455 4130
E [email protected]

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

The Happy Days
Lucía y Juan deciden pasar el día en un lago con sus cuatro
niños. Abstraídos en sus diferencias, ninguno de los dos advierte la ausencia de una de sus hijas. Comienza entonces una
búsqueda desesperada.
Lucía and Juan decide to spend a day in a lake with their four
children. Concentrated in their differences, neither of them notices one of their daughters is missing. A desperate search begins.
Agostina Guala
Nació en Río Negro, Argentina, en 1984. Estudió en la Universidad del
Cine, donde realizó numerosos cortometrajes. Trabajó como ayudante
de dirección en varios films nacionales e internacionales.
She was born in Río Negro, Argentina, in 1984. She studied at Universidad del Cine, where she directed several short films. She worked as an
assistant director in many local and foreign films.

Argentina, 2016
15’ / DM / Color
Español - Spanish
D, G: Agostina Guala F: Alejo Maglio E: Ignacio Guala
S: Adriano Salgado, Lucas Larriera M: Federico Britos
P: Agostina Guala, Daniela Martínez Nannini, Martín F. Lapissonde
PE: Daniela Martínez Nannini, Martín F. Lapissonde CP: Macaco Films,
Mil Grullas Cine I: Celina Carbajal, Iñaki Moreno
Contacto / Contact
Mil Grullas Cine, Macaco Films. Daniela Martínez Nannini
T +54 9 11 5845 7214 E [email protected]
W milgrullascine.com ~ macacofilms.com.ar

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

125

argentine short films competition

Manifiesto de amor

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Love Manifesto
En el registro crudo de una charla banal de pareja , a través de
los gestos cotidianos, aparece de pronto un reclamo de cariño.
A raw record of a couple having a superfluous conversation,
until suddenly a demand for affection emerges through everyday gestures.
Marlene Lievendag
Nació en Buenos Aires en 1966. Estudió dirección de arte en la Universidad de Nueva York. Hace veinte años que trabaja como directora
de arte en cine y televisión.
She was born in Buenos Aires in 1966. She studied Art Direction at NYU.
She has been working as an art director in film and TV for twenty years.

Argentina, 2016
10’ / DM / Color
Español - Spanish
D, G, F, S, P: Marlene Lievendag E: Carolina Grgurevic
I: Pedro Saborido, Sofía Saborido, Dante Saborido,
Marlene Lievendag
Contacto / Contact
Marlene Lievendag
T +54 9 11 6176 5275
E [email protected]

No hay bestias
The Cry of the Oxen
A través del tiempo, un grupo de desconocidos se encuentra
rodeado por una atracción inexplicable por la naturaleza.
A group of strangers find themselves surrounded by an inexplicable attraction towards nature throughout time.
Agustina San Martín IV
Nació en Buenos Aires en 1991. Estudió diseño de imagen y sonido en
la UBA, y realizó varios trabajos como directora de fotografía, como en el
cortometraje Lo que dicen del monte, ganador del Bafici ‘14.
She was born in Buenos Aires in 1991. She studied image and sound
design at the UBA, and worked as a cinematographer for several projects,
including the short film Lo que dicen del monte, winner of Bafici ‘14.

Argentina, 2016
22’ / DCP / Color
Español - Spanish
D, G: Agustina San Martín IV F, PE: Constanza Sandoval
E: Renata Miranda, Agustina San Martín IV DA: Agustín Ravotti
S: Octávio Tavares P: Belén Bianco CP: Presencia Cine
I: Mónica Leal, Pablo G. Fernández, Guillermina Ojeda,
Andrea Ojeda, Rubén Ruiz
Contacto / Contact
Presencia Cine. Agustina San Martín
T +54 11 6706 3308
E [email protected]

126

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

competencia argentina de cortos

Perfume para cuatro

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Four Ladies, One Perfume
Tres hermanas están en su casa por la noche. Como de costumbre, su madre avisa que no va a llegar y les asigna tareas.
Pero esta vez todo será diferente.
Three sisters are at home at night. As usual, their mother lets
her know she won’t be back home in time and assigns chores
for each. But this time everything will be different.
Inés Villanueva
Nació en Buenos Aires en 1993. Estudió dirección cinematográfica en
la Universidad del Cine. Dirigió los cortos Joaquina siempre (2012), Así
somos sin Serena (Bafici ‘14) y El rastro.
She was born in Buenos Aires in 1993. She studied filmmaking at Universidad del Cine. She directed the short films Joaquina siempre (2012),
Así somos sin Serena (Bafici ‘14) and El rastro.

Argentina, 2016
8’ / DM / Color
Español - Spanish
D, G, E: Inés Villanueva F: Luis J. Celedón DA, PE: Pablo Fernández
S: Javier Fernández Jensen P: Pablo Fernández, Juan Iastrebner
CP: Naiz Films, Universidad del Cine I: Teresa Salomón,
Clara Villanueva, Inés Villanueva
Contacto / Contact
Naiz Films. Inés Villanueva
T +54 9 11 5579 3828
E [email protected]
W naizfilms.com

Silencio antes
Before Silence
Al final de la tarde, dos cuerpos sin vida flotan en la orilla de la
laguna. Ellos han quedado congelados en el gesto invisible de
los que ya no están aquí.
At dusk, two lifeless bodies float on the shore of the lagoon.
They have been frozen with the invisible gesture of those who
are gone.
Mercedes Gaviria
Nació en Medellín, Colombia, en 1992, y estudió dirección de cine en la
Universidad del Cine de Buenos Aires. También se formó como sonidista, y realizó la edición de sonido de varios largos.
She was born in Medellín, Colombia in 1992, and studied filmmaking
at Universidad del Cine in Buenos Aires. She also trained as a sound
designer and worked on several films as a sound editor.

Argentina / Colombia, 2016
10’ / DCP / Color
Español - Spanish
D, G, S: Mercedes Gaviria F: Mauricio Reyes Serrano
E: Laura Valderrama DA: Juana Varela M: Sergio Andrés Velásquez
P: Julen Laburu PE: María Florencia Palombo, Mercedes Gaviria
CP: Universidad del Cine, Alcaldía de Medellín, Elhecho Cine
I: Fernando Acosta, Marisa Grieber, Pablo Toporosi
Contacto / Contact
Elhecho Cine. Mercedes Gaviria
T +54 9 11 3412 2324
E [email protected]
W facebook.com/cortometrajesilencioantes

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

127

argentine short films competition

Un ejercicio para no olvidar

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

An Exercise to Never Forget
Cristian es un joven actor que tiene problemas para distinguir
entre la fantasía y la realidad. Mientras espera a su novia en un
bar, comienzan a aparecer en su mente los recuerdos de su relación y la misteriosa figura de un hombre nacido en Paraguay
a principios del siglo XX.
Cristian is a young actor who has trouble distinguishing fantasy from reality. While he waits for her girlfriend in a bar, his
mind delves in the memories of his relationship and the mysterious figure of a man born in Paraguay in the early years of
the 20th century.
Gabriel Bosisio
Nació en Buenos Aires en 1987. Debutó como director con La niña
elefante, serie web ganadora de la Bienal de Arte Joven 2015.
He was born in Buenos Aires in 1987. His directorial debut, the web
series La niña elefante, won the 2015 Youth Art Biennale.

Yolanda

Argentina, 2016
17’ / DM / Color & B&N
Español - Spanish
D: Gabriel Bosisio G: Ain Bosisio, Gabriel Bosisio
F: Luciano Badaracco E: Julian Vey DA: Isabelle Siegrist
S: Federico Abuaf, Ignacio Cruz M: Federico Abuaf
P: Gabriel Bosisio, Malena Kremenchusky CP: Catnap
I: Malena Villa, Gabriel Bosisio, Cristian Ciminnelli, Agustina
Gutiérrez, Evert Romero
Contacto / Contact
Catnap. Gabriel Bosisio
T +54 9 11 579 4084
E [email protected] W catnapcine.com

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Agustín regresa al universo de Yolanda, su profesora de inglés
de la infancia. Un espacio en el que el tiempo se suspende en
los recuerdos, pero no se detiene.
Agustín returns to the universe of Yolanda, his English teacher
when he was a kid. A place where time suspends memories,
but doesn’t stop.
Agustín Burghi
Nació en Saladillo en 1990, y egresó de la ENERC. Dirigió el corto
Viernes 20:15 (Bafici ‘14).
He was born in Saladillo in 1990, and graduated from ENERC. He directed the short film Viernes 20:15 (Bafici ‘14).

128

Argentina, 2016 / 17’ / DCP / Color
Español / Inglés - Spanish / English
D, P, PE: Agustín Burghi F: Javier González Tuñón E: Florencia Tissera
S: Sofía Straface I: Adelfa Yolanda Segura de Mariotto, Agustín Burghi
Contacto / Contact
Agustín Burghi. Agustín Burghi
T +54 9 11 6152 0686
E [email protected]

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

muestra argentina de cortos
argentine short films exhibition

argentine short films exhibition

Aviso fúnebre

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Funeral Notice
Ocho televidentes de un noticiero recuerdan sus experiencias
cuando eran parte de las transmisiones que ahora consumen.
Eight fans of a TV news show remember their experiences
back when they were part of the broadcasts they now watch.
Melisa pía Gammarota
Nació en Buenos Aires en 1987. Estudió publicidad en la Universidad
del Salvador y luego dirección en la Universidad del Cine.
He was born in Buenos Aires in 1987. He studied advertising at Universidad del Salvador and later filmmaking at Universidad del Cine.

Camarín

Argentina, 2016 / 12’ / DM / Color / Español - Spanish
D, G: Melisa Pía Gammarota F: Agustín Intile Noble
E: Daniela Benedetti DA: Melisa Pía Gammarota,
Nicolás Videtta Bunge S: Ciro Zumel P, PE: Sonia Stigliano
CP: Universidad del Cine I: Federico Starke,
Giovanna di Vicenzo, Martín Odstrcil, Bruno Murase, Elías Saieg

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Dressing Room
Detrás de escena, algunas juegan a no ser ellas por un rato. El
amor trágico, el agua hirviendo. Se sube el telón.
Behind the scene, some of them play a game of not being
themselves for a while. Tragic love, and water boiling. The curtain rises.
Natasha Gurfinkel
Nació en Buenos Aires en 1992, y estudió dirección en la Universidad
del Cine de Buenos Aires.
She was born in Buenos Aires in 1922, and studied filmmaking at Universidad del Cine in Buenos Aires.

Argentina, 2016 / 17’ / DM / Color / Español - Spanish
D, G: Natasha Gurfinkel F: Ignacio Aveillé E: Ignacio Sesma,
Natasha Gurfinkel DA: Carolina Canalis S: Sofía Lewkowicz
M: Ignacio Sesma P: Natasha Gurfinkel, Malena Vain
PE: Malena Vain CP: Universidad del Cine I: Vera Spinetta,
Nicolás Goldschmidt, Mónica Gonzaga, Mila Marchisio
Contacto / Contact
Universidad del Cine
T +54 11 4300 1413
E [email protected]
W ucine.edu.ar

130

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

muestra argentina de cortos

Carta 12, Praga.

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Letter 12, Prague.
Ensayo que busca una síntesis entre literatura, cine y puesta
en escena. La voz de Isabella guía un relato que deja a la ficción dar cuenta de lo cierto: en lo que ella ve y cuenta laten en
la historia real y la memoria del lugar.
An essay that aims at a synthesis of literature, film, and mise
en scène. Isabella’s voice leads the way in a story where fiction
tells the truth: the real history and the memory of that place
breathes in what she sees and narrates.
Vera Czemerinski
Nació en Buenos Aires en 1972, y es actriz. Es egresada de la Escuela
de Dramaturgia de la EAD. Actualmente trabaja en producción, periodismo, como actriz y cantante.
She was born in Buenos Aires in 1972. An actress graduated from the
EAD Playwriting School, she currently works in production, journalism,
and as both actress and singer.

Argentina, 2016 / 10’ / DM / Color / Español - Spanish
D, G, DA, P, PE, I: Vera Czemerinski F: Robert Newald E: Javier Luna
S: José Luis Díaz M: Miguel de Olaso CP: Los Viajes de Isabella
Contacto / Contact
Los Viajes de Isabella. Vera Czemerinski
T +54 9 11 5974 7500
E [email protected]
W impresionesextranjeras.blogspot.com.ar

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Clara
Claire
Clara vuelve a Buenos Aires. Algo salió mal en otro lugar. Un
monoambiente, una comunidad de entrañables vecinos y un
perro callejero serán su nuevo hogar.
Clara returns to Buenos Aires. Something went wrong somewhere else. A studio apartment, a community of nice neighbors, and a stray dog will all become her new home.
Laura Huberman
Nació en Buenos Aires en 1986, y estudió en la Universidad del Cine.
Es directora y productora. Clara es su segundo cortometraje.
She was born in Buenos Aires in 1986, and studied at Universidad del
Cine. She’s a director and producer. Clara is her second short film.

Argentina, 2016 / 18’ / DM / Color / Español - Spanish
D, G: Laura Huberman F: Joaquín Neira E: Constanza Curia
DA: Lucia Carnicero S: Nicolás Payueta M: Nicolás Villamil
P: Melanie Schapiro, Laura Huberman PE: Melanie Schapiro
CP: Laura cine I: Jimena Anganuzzi, Mariano Sayavedra,
Susana Varela, Mario Bodega, Renzo Cozza, Ana Katz
Contacto / Contact
Laura cine
T +54 9 11 3966 6808
E [email protected]
W lauracine.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

131

argentine short films exhibition

Continue

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Luego de una ruptura, Ana guarda todo su pasado en una valija
roja y se marcha con sus viejos rollers. En el momento en que
está tironeando de su pesada valija, sin darse cuenta, comienza a enfrentarse al futuro incierto que la está esperando.
Following a breakup, Ana puts her entire past in a red suitcase
and leaves on her old roller skates. While she’s pulling her
heavy suitcase around, and without noticing it, she will start
facing the uncertain future that awaits her.
Sheuen Mondelo
Nació en Río Gallegos en 1988, y actualmente vive en La Plata. Estudió fotografía, diseño de indumentaria y diseño en comunicación
visual en la UNLP.
She was born in Río Gallegos in 1988, and currently lives in La Plata.
She studied photography, fashion design, and visual communication
design at the UNLP.

De cómo Daniel...

Argentina, 2016 / 11’ / DM / Color / Español - Spanish
D, G, E, PE: Sheuen Mondelo F: Leslie Truyenque DA: Ayelén
Gaudin S: Rafael Kielling M: Sebastián Rulli, Lucas Taubet
P: Selene Mondelo I: María del Médico, Ana Paula César
Contacto / Contact
FilmsToFestivals. Gisela Chicolino
T +54 9 11 5181 1740
E [email protected]
W filmstofestivals.com

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Of How Daniel...
Daniel es un colombiano que vive en Buenos Aires, le gusta
dormir hasta tarde y es fanático de YouTube. En su trabajo
conoce a Agustina, una chica argentina a la que no le gusta
dormir hasta tarde pero comparte el entusiasmo de Daniel por
dicha página cibernética.
Daniel is a young Colombian man living in Buenos Aires; he
likes to sleep late and watch YouTube videos. At his job, he
meets Agustina, an Argentine girl who doesn’t like to sleep, but
shares his enthusiasm for that website.
Daniel Korgi
Nació en Cali, Colombia, en 1989. Estudió dirección de cine en la Universidad del Cine en Buenos Aires.
He was born in Cali, Colombia, in 1989. He studied filmmaking at Universidad del Cine in Buenos Aires.

132

Argentina / Colombia, 2016 / 20’
DM / Color / Español - Spanish
D, G, E, PE: Daniel Korgi DA: Florencia Gemsio
S: Juan Sebastián Mora P: Daniel Korgi, Hans Fressen,
Juan Sebastián Mora CP: Universidad del Cine
I: Daniel Korgi, Agustina Ferrari
Contacto / Contact
Daniel Korgi
T +57 31 5852 1013
E [email protected]

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

muestra argentina de cortos

Deportivo Español

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Cuerpos que transitan el camino de la danza. Colores, brillos,
el estallido de la música. Hombres y mujeres reunidos para
celebrar el movimiento en un espacio que los alberga. Dos
países. Un club y una zona que se extiende para que los ojos
encuentren la melodía de las formas.
Bodies moving through the path of dance. Colors, sparkles,
and music bursting. Men and women gather to celebrate
movement in a place that welcomes them. Two countries. A
club and an area that extends so their eyes meet with the
melody of the forms.
Ignacio Verguilla
Nació en Buenos Aires en 1975, y se graduó como realizador en el Cievyc.
Cursó estudios de letras y fotografía, y es docente en Andamio 90.

Argentina, 2016 / 11’ / DM / Color / Español - Spanish
D, G, F, E: Ignacio Verguilla S: Pablo Sala P: Aníbal Perotti,
Gabriel Smaniotto, Ignacio Verguilla, Fabián Roberti
Contacto / Contact
Ignacio Verguilla
T +54 11 5933 0094
E [email protected]

He was born in Buenos Aires in 1975, and majored in filmmaking at
Cievyc. He studied literature and photography, and works as a teacher
in Andamio 90.

El coral que
trajimos de Brasil

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

The Coral We Brought from Brazil
El pintor Guillermo Roux y su mujer ven por primera vez en
una computadora portátil, después de 45 años, un registro
en 16mm que creían perdido. El material fue realizado en la
misma casa donde viven actualmente por el cineasta Simón
Feldman durante el verano de 1968 o 1969.
Artist Guillermo Roux and his wife watch 16mm footage they
thought to be lost for the first time in 45 years, in a laptop
computer. The material was shot in the same house where
they live today by filmmaker Simón Feldman during the summer of 1968 or 1969.
Martín Serra
Nació en Buenos Aires en 1972, y estudió en la Universidad del Cine.
Realizó varios cortos, como 23 veranos (2006) y La vida en un día (2011).

Argentina, 2016 / 29’ / DCP / Color / Español - Spanish
D, E: Martín Serra G: Rodolfo Martínez Mendoza, Martín Serra
F: Soledad Rodríguez S: Fernando Soldevila P: Noemí De Palma,
Martín Serra PE: Mario E. Levit CP: Rueque Cine, Cruz del Sur Cine,
Universidad del Cine I: Franca Beer, Guillermo Roux
Contacto / Contact
Cruz del Sur Cine. Martín Serra
T +54 9 11 3257 5614
E [email protected]
W cruzdelsurcine.com

He was born in Buenos Aires in 1972, and studied at Universidad del Cine.
He directed several short films, including 23 veranos (2006) and La vida
en un día (2011).

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

133

argentine short films exhibition

El familiar

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

The Familiar
Narra el mito del “perro familiar”, un diabólico ser que se devoraba a los reacios trabajadores del Ingenio Santa Ana, en Tucumán, cuando estos se quejaban de sus condiciones de trabajo.
The myth of the “family dog”, a diabolic being that used to
devour the reluctant workers of the Santa Ana sugar factory
when they complained about their work conditions.
Franco Lescano Noriel
Nació en Mar del Plata en 1989, y en 2010 decidió viajar a Tucumán
para estudiar cine. Dirigió dos series para la Televisión Digital Abierta.
He was born in Mar del Plata in 1989, and in 2010 decided to travel
to Tucumán to study filmmaking. He directed two series for Open
Digital Television.

El final

Argentina, 2015 / 26’ / DM / Color / Español - Spanish
D, DA, P: Franco Lescano Noriel G: Franco Lescano Noriel,
Guillermo del Pino F: Gerardo García E: Flavio Aguilera
S: Ruido Rosa M: Gastón Delicio PE: Martin Falci,
Natalia Occhionero CP: Anaconda Producciones, 47 Planos
I: Roberto Pucci, Arturo Lastra, Hortencia Castillo
Contacto / Contact
Anaconda Producciones. Franco Lescano Noriel
T +54 9 11 3241 2595
E [email protected]

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

The End
Un grupo de evangelistas compra una de las monumentales
salas de cine de la Ciudad de Buenos Aires. Hacen algunas
reformas y convierten el templo pagano en una iglesia de Dios.
Las puertas se abren para recibir a sus seguidores.
A group of evangelists buys one of Buenos Aires’ monumental
film theaters. They carry out some reforms and turn that pagan
temple into a church of God. The doors are open to welcome
their followers.
Juan Schmidt
Nació en Buenos Aires en 1978. Estudió diseño de imagen y sonido en la
UBA. Dirigió los largometrajes Polvareda (2013) y Los monstruos (2014).
He was born in Buenos Aires in 1978. He studied image and sound design
at the UBA. He directed Polvareda (2013) and Los monstruos (2014).

134

Argentina, 2016 / 11’ / DM / Color / Español - Spanish
D, G, E, S, P: Juan Schmidt F: Juan Schmidt, Alexis Bianchi,
Nicolás Mattiangeli CP: Monstruo Producciones
Contacto / Contact
Monstruo Producciones. Juan Schmidt
T +54 9 11 5644 6685
E [email protected]
W vimeo.com/juanschmidt

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

muestra argentina de cortos

El hombro de Sbaraglia

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Sbaraglia’s Shoulder
Diego es un actor que, después de 10 años de tratar de sobresalir en el mundo de la actuación en Nueva York, sigue sus instintos y vuelve a Buenos Aires imaginando un glorioso regreso.
Diego is an actor who spent 10 years trying to make it in New
York, but now he follows his instincts and goes back to Buenos
Aires picturing a glorious return.
Carlos Ledesma
Nació en Avellaneda, pero vive en Nueva York desde el año 2000. Estudió cine en la Escuela Municipal de Cine de Lomas de Zamora, en New
York University y School of Visual Arts (NYC).
He was born in Avellaneda, but lives in New York since 2000. He studied
film at the Lomas de Zamora Municipal Film School, the New York University and the School of Visual Arts (NYC).

Argentina / Estados Unidos - Argentina / US, 2016
17’ / DM / Color / Español / Inglés - Spanish / English
D, G: Carlos Ledesma F: Carlos Ledesma, Mecha Frías,
Agustín Figueroa E: Carlos Ledesma, Inés Vogelfang
DA: Josefina Guarracino S: Pablo Orzeszko P: Carlos Ledesma
PE: Carlos Ledesma I: Joaquín Furriel, Carlos Ledesma,
Félix Buenaventura, Iair Said, Leonardo Sbaraglia
Contacto / Contact
Carlos Ledesma
T +1 646 287 5306 E [email protected]
W mynameiscarlos.com ~ facebook.com/elhombrodesbaraglia

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Galíndez
Galindez está basada en la obra El Señor Galíndez, escrita por
el psicólogo, dramaturgo, y actor argentino Eduardo Pavlovsky
en 1972. La película toma como locación el Teatro Payró en
Buenos Aires, donde la obra fue estrenada por primera vez en
enero de 1973.
Galindez is based on the theater play El Señor Galíndez, written by Argentine psychoanalyst, playwright and actor Eduardo
Pavlovsky in 1972. The film takes as its setting the Payró Theater in Buenos Aires, in which the play was first released in
January 1973.
Diego Bruno
Nació en 1978 en Argentina. Estudió historia del arte en la Universidad
de Buenos Aires, tiene un BFA de la Escola Massana de Barcelona, y un
MFA de la Finnish Academy of Fine Arts.

Argentina / Finlandia - Argentina / Finland, 2015
22’ / DM / Color / Español - Spanish
D, G, DA, P, PE: Diego Bruno F: Antti Pohjola
E: Diego Bruno, Ewa Górzna S, M: Mikko Räihälä
Contacto / Contact
AV-Arkki
T +358 504 356 092
E [email protected]
W av-arkki.fi/en

Born in 1978 in Argentina. He studied history of art at the University of
Buenos Aires, holds a BFA from the Escola Massana, Barcelona, and an
MFA from the Finnish Academy of Fine Arts.

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

135

argentine short films exhibition

Helsinki
Fidel vive en Buenos Aires, pero por motivos laborales él y sus
padres deberán mudarse a Helsinki, Finlandia. En sus últimas
semanas en la ciudad comenzará a percibir cierta distancia
tanto con sus amigos como con sus espacios.
Fidel lives in Buenos Aires, but he and his parents will have
to move to Helsinki, Finland due to Fidel’s job. During his last
weeks in the city, he will start to sense a certain distance with
both his friends and his spaces.
Mauro Movia
Nació en 1983 en Bariloche, Río Negro, y estudió en la Universidad del
Cine. Dirigió el corto El puesto, que participó en diferentes festivales
internacionales.
He was born in 1983 in Bariloche, Río Negro, and studied at Universidad
del Cine. He directed the short film El puesto, which was screened in
several international festivals.

La distancia
entre los médanos

Argentina, 2015 / 18’ / DM / Color / Español - Spanish
D, G, PE: Mauro Movia F: Sofía Rodrigo E: Mauro Movia,
Sebastián Schajer DA: Mara Andrea Caso
S, M: Damián Campero P: Gonzalo Leiva
CP: Universidad del Cine, Il Gallo Nero, Capataz Cine
I: Fidel Vitale, Martín Bagdadi, Luciana Asad, Melina López
Contacto / Contact
Il Gallo Nero. Mauro Movia
T +54 9 11 6644 0891
E [email protected]

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Distance Between Dunes
En el camino de regreso a la ciudad tras una abrumadora visita
a su abuela enferma, Sofía debe detenerse en un hotel junto
a Nacho y Sandra hasta que el incendio cese. El viento que
arrastra sus cuerpos inertes los conducirá hacia habitaciones
cada vez más silenciosas, refugio para permanecer ocultos a
la mirada infiltrada del otro.
On the way back to the city after an overwhelming visit to her
sick grandmother, Sofía needs to stop in a hotel with Nacho
and Sandra until the fire is over. The wind dragging his inert
bodies will lead them to more and more silent rooms, shelters
to remain hidden from the infiltrated view of the others.
Carla Francolino

Argentina, 2016 / 19’ / DM / Color / Español - Spanish
D, P, PR: Carla Francolino G: Carolina Lara Grimberg F: Gala Negrello
E: Mayra Ferreyra Basso DA: Melina Gutman S: David Frete
M: Alberto Lucas I: Sofía Efron, Gabriel Bosisio, Mariana Zarnicki
Contacto / Contact
Carla Francolino
T +54 9 11 6057 3000
E [email protected]

Nació en Buenos Aires en 1992. Estudió diseño de imagen y sonido en
la Universidad de Buenos Aires.
She was born in Buenos Aires in 1992. She studied image and sound
design at the University of Buenos Aires.

136

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

muestra argentina de cortos
PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Massamba
Samba es un inmigrante senegalés que vive en Buenos Aires.
Su vida transcurre entre la mezquita, la pensión, el rap y la
venta de anteojos. Hace tres años lucha por crecer económicamente y cumplir el sueño de convertirse en un cantante famoso. Una oportunidad podría cambiar su suerte y su destino.
Samba is a Senegalese immigrant living in Buenos Aires. His life
passes by amidst the mosque, the pension, rap, and selling eyeglasses. He has been struggling for three years in order to grow
financially and fulfill his dream of becoming a famous singer. And
then, he gets an opportunity that could change his luck and fate.
los Directores / the Directors
Aylee Ibañez es licenciada en Historia del Arte en la Universidad de La
Habana. Milena Amaya trabajó en varios documentales independientes en Buenos Aires. Ana Farini dirigió El oficio y Oh.

Argentina, 2016 / 16’ / DM / B&N
Wolof / Español - Wolof / Spanish
D, G, DA, P, PE: Milena Amaya, Ana Farini, Aylee Ibañez
F: Milena Amaya E: Javier Aguilar S: Javier Aguilar
CP: Mumbai Films I: Massamba, Gabriel Chwojnik, Angel Frometta
Contacto / Contact
Mumbai Films. Ana Farini
T +54 9 11 4949 1990
E [email protected]

Aylee Ibañez majored in Art History at the University of Havana. Milena Amaya worked in several independent documentaries in Buenos
Aires. Ana Farini directed El oficio and Oh.

Mira cómo te olvido
Watch How I Forget You
Noviembre. Federico viaja 20 días de Bogotá a Buenos Aires,
donde se reencuentra con viejas amistades y conoce a Florencia, quien hace que ponga en duda su regreso.
November. Federico travels from Bogota to Buenos Aires for
a 20-days trip, where he reunites with old friends and meets
Florencia, who makes him question about his return.
Mauricio Sarmiento
Nació en Bogotá, Colombia, en 1987. Estudió cine y dramaturgia en
Argentina. Dirigió el corto Tres danzas un baile.
He was born in Bogotá, Colombia, in 1987. He studied filmmaking and
playwriting in Argentina. He directed the short film Tres danzas un baile.

Argentina / Colombia, 2016 / 14’ / DM / Color
Español - Spanish
D, G, P, PE: Mauricio Sarmiento F: Mauricio Reyes
E: Sebastián Quebrada DA: Etelvina Ibarbo S: Mercedes Gaviria
M: Carlos Quebrada CP: Montañero Cine I: Luna Acosta,
Sebastián Quebrada, Mario Londoño, Guillermina Pico
Contacto / Contact
Montañero Cine
T +54 9 11 5764 1012
E [email protected]
W montanerocine.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

137

argentine short films exhibition

Una idea de
la vida cotidiana

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

An Idea of Everyday Life
La vida cotidiana está compuesta por acciones irrepetibles e
instantes extraordinarios. El corto narra un día en la vida de Iris,
una búsqueda y el encuentro de una vida cotidiana pasada.
Everyday life consists in unrepeatable actions and extraordinary instants. This short film narrates one day in the life of Iris,
a search, and the finding of a past everyday life.
Verónica Balduzzi
Nació en Buenos Aires en 1992. Estudió dirección cinematográfica en la
Universidad del Cine, y tres años de literatura en la UBA. Dirigió el corto
De periplos y cangrejos.
She was born in Buenos Aires in 1992. She studied film direction at Universidad del Cine, and three years of literature at the UBA. She directed
the short De periplos y cangrejos.

138

Argentina, 2016 / 10’ / DM / Color / Español - Spanish
D, G, E, PE: Verónica Balduzzi F: Abril Llebeili
DA: Lucía Álvarez Renó S: José Fernández Morgado
P: María Florencia Palombo CP: Universidad del Cine
I: Julia Martínez Rubio, Miguel Sorrentino
Contacto / Contact
Verónica Balduzzi
T +54 9 11 6958 6514
E [email protected]
W cargocollective.com/veroazul

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

Historias breves 12 / Brief Stories 12
Historias Breves, el concurso anual de cortometrajes para
directores organizado y producido por el INCAA, tuvo su
aparición pública en agosto de 1995. Allí hicieron su primera experiencia profesional realizadores como Lucrecia
Martel, Adrián Caetano y Daniel Burman, entre otros. A
lo largo de veinte años, ha facilitado a nuevos directores
los medios materiales para realizar una película en las
mismas condiciones que rigen en el cine industrial. Los
cortometrajes se estrenan en salas cinematográficas. Son
visualizados por la crítica y el público, lo que permite a sus
directores obtener una devolución ponderada del trabajo.
Los cortometrajes de Historias Breves han sido exhibidos
en los principales encuentros internacionales, y obtuvieron
una innumerable cantidad de premios que potencian la
presencia del cine nacional en el mundo.

Brief Stories, the annual short film contest for directors organized and produced by INCAA, was first presented in August
1995. It was the first professional experience for filmmakers
like Lucrecia Martel, Adrián Caetano and Daniel Burman,
among others. For the past twenty years, it has provided new
directors with the means to make a film in the same conditions that rule mainstream cinema. The short films premiere
in film theaters, they are seen by critics and general audiences, which allows directors to obtain a feedback of their
work. The short films of Brief Stories have been screened at
the top international festivals, and obtained many awards
that boost the presence of local cinema abroad.
Argentina, 2016 / 107’ / DCP / Color / Español - Spanish
Contacto / Contact
INCAA
T +54 11 4379 0900 - Int 277
E [email protected] W incaa.gov.ar

La canoa de Ulises
Diego Fió / 14’

Itaeté, un anciano, trata de inculcarle su
legado tradicional a Ulises, un adolescente
guaraní, pero la vocación del muchacho es
la música. Por un accidente el anciano muere, y Ulises acepta el legado atávico de la
construcción de canoas.

Itaeté is an old man who tries to pass on the
legacy of his tradition to Ulises, a guaraní
teenager, but the boy’s calling is music. The
old man accidentally dies, and Ulises accepts
the atavistic legacy of building canoes.

El plan
Víctor Postiglione / 12’

Cora (11) y su hermano Valentín (9) son testigos de la violencia en la relación abusiva
de sus padres. Cora tiene un plan para liberar a su madre del castigo. Los hermanos lo
llevan a cabo. El plan se cumple con éxito.

Cora (11) and her brother Valentín (9) are
constant witnesses of the violence of their
parents’ abusive relationship. Cora has a
plan to free her mother from this punishment. The kids carry it out. The plan is successful.

Cimarrón
Chiara Ghio / 11’

Un cazador se encuentra atrapado en un
círculo que lo conduce invariablemente a
la locura.

140

A hunter is caught in a circle that inevitably
leads him to madness.

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

Una mujer en el bosque
César Sodero / 18’

Jorge vive con Sofía en medio del bosque.
Sofía esconde un secreto que llevará a
Jorge a tomar una decisión muy importante.

Jorge lives with Sofía in the middle of the
woods. Sofía hides a secret that will lead
Jorge to make a very important decision.

Las nadadoras de Villa Rosa
Josefina Recio / 16’

Un grupo de nadadoras adolescentes se
prepara para un campeonato. Laura es la
primera del grupo en despertar a su sexualidad. Su amiga Ana intenta acompañarla.
Laura atraviesa lo inevitable.

A group of teenage swimmers is getting
ready for a championship. Laura is the first
one to awaken to her sexuality. Her friend
Ana tries to accompany her. Laura is going
through the inevitable.

El inconveniente
Adriana Yurcovich / 14’

En algunos barrios de Buenos Aires se interrumpe el servicio eléctrico. En el edificio
donde vive Celina, una mujer mayor con
discapacidad motriz, todos parecen estar
ausentes. Celina debe luchar para sobrevivir.

The power goes out in some Buenos Aires
neighborhoods. Celina is an elderly disabled
woman, and in her building everyone appears to be gone. Celina will have to struggle
for her survival.

Las liebres
Martín Rodríguez Redondo / 11’

Noche de invierno. Mariano juega con sus
hermanas mayores en la habitación de la
casa de campo. Su padre lo viene a buscar
para llevarlo de cacería. Mariano prefiere
quedarse en la casa, pero su padre lo obliga
a acompañarlo.

A winter night. Mariano plays with his older
sisters in a room in their country house. His
father comes in to take him hunting. Mariano prefers to stay home, but his father takes
him anyway.

Cualquier similitud con la realidad es pura coincidencia
Dolores Montaño / 11’

En el interior de un blindado, tres hombres
esperan una orden. Llevan varias horas sin
poder salir. La manifestación que los amenaza está cada vez más cerca. Cuando la
acción comienza, algo falla.

Three men await for an order inside an armored truck. They have been there for several hours. The demonstration that threatens
them is getting closer and closer. When the
action begins, something goes wrong.

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

141

noches especiales
special nights

special nights

El eslabón podrido
The Rotten Link
Entre los habitantes de un pequeño pueblo están Ercilia, una
curandera senil, y Roberta, su hija y prostituta del pueblo, a
quien le advierten que, si se acuesta con todos los hombres del
lugar, morirá. La amenaza es inminente, pues tan solo queda
un hombre con el que Roberta no ha estado.

The people living in a small town include Ercilia, a senile witch
doctor, and Roberta, her daughter and the town’s prostitute.
She is warned that if she sleeps with every man in the town,
she will die. The threat is imminent, because there is only one
man Roberta hasn’t been with.

El clima del pueblo pesa toneladas: son veinte casas, un puñado
de hombres y el cuerpo sexuado de una joven prostituta que
ya pasó por la mayoría. Su madre, una curandera que palpita
su último estertor, le recomienda que no se acueste con todos
o morirá. Su hermano, un discapacitado mental, flota amenazante entre la tensa calma. Retorcida, truculenta y salvaje, El
eslabón podrido incomoda y no deja a nadie indiferente. Suerte
de Fuenteovejuna perversa, viene con palmarés internacional:
ganó Sitges, Catacumba y otros. Por acá anda la obra más enferma de Diment, responsable de La memoria del muerto, con
la que logró cierta notoriedad en el mundo del género fantástico. Ante la duda, dejémoslo en claro: El eslabón podrido es
solo apta para público con estómago y mucho, mucho aguante.
Hernán Panessi

The town’s atmosphere weighs tons: there are twenty houses,
a fistful of men and the sexed body of a young prostitute who
has slept with most of them. Her mother, a witch doctor who
foresees her last rattle, advises her not to sleep with all of them,
or she will die. Her brother, who’s mentally challenged, floats
threateningly among the tense calm. Twisted, gruesome and
savage, El eslabón podrido brings discomfort and will leave no
one indifferent. Some sort of perverted Fuenteovejuna, it comes
with a great international track record: it won Sitges, Catacumba
and other festivals. And it’s the sickest film made by Diment,
responsible for Memory of the Dead, with which he achieved
certain notoriety in the world of the fantastic genre. And, in case
of doubt, let’s make it clear: El eslabón podrido is only suitable
for very, very brave people with a stomach. HP

Valentín Javier Diment
Nació en Argentina en 1967. Integra la compañía productora Películas
V, desde donde ha participado en films como Aballay (2010) y Diablo
(2011). Es docente, editor del sitio web Mabuse, y guionista y realizador
de TV. Entre sus films se encuentran La memoria del muerto (Bafici ‘12)
y el documental Parapolicial negro (2010).
He was born in Argentina in 1967. He’s part of the production company
Películas V, in which he participated in films like Aballay (2010) and Diablo (2011). He’s a teacher, editor for the website Mabuse, and a TV writer
and director. La memoria del muerto (Bafici ‘12) and the documentary
Parapolicial negro (2010) are some of his films.

144

Argentina, 2015 / 74’ / DCP / Color
Español - Spanish
D, P: Valentín Javier Diment G: Valentín Javier Diment, Sebastián
Cortés, Martín Blousson, Germán Val F: Fernando Marticorena
E: Martín Blousson DA: Sandra Iurcovich S: Sebastián Gonzalez
M: Sebastián Díaz PE: Daniel Botti, Vanesa Pagani
I: Luis Ziembrowski, Marilú Marini, Paula Brasca
Contacto / Contact
Valentín Javier Diment
T +54 11 5935 7572 E [email protected]
W vjdiment.blogspot.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

noches especiales

La helada negra
The Black Frost
En un mundo suspendido en el tiempo, los campos de los
hermanos Lell son amenazados por una helada. Sin embargo,
cuando aparece una misteriosa joven y la helada cede, surge
el rumor entre los aldeanos de que es una santa que llegó
para salvarlos.

In a world suspended in time, the brothers Lell’s fields are
threatened by a frost. However, when a mysterious woman appears and the frost gives in, the rumor that she’s a saint who
arrived to save them is spread between the villagers.

En el mismo universo de su ópera prima, Germania, Maximiliano Schonfeld narra lo que sucede cuando un sujeto extraño
se mete en una cerrada comunidad desarreglando los hábitos
y costumbres adquiridas. La comunidad es la de los descendientes de alemanes del Volga que viven en Entre Ríos, y el
extraño sujeto en cuestión es el personaje de Ailín Salas, una
chica de otro origen social y étnico que aparenta tener algún
tipo de poder curativo. Que lo tenga o no es secundario, ya que
el eje de la película de Schonfeld pasa por las consecuencias
que esa llegada tiene entre los familiares que la reciben y en los
habitantes del pueblo, a los que irá sacudiendo en formas curiosamente terapéuticas. Misteriosa, oscura, elíptica, La helada
negra procede con la cadencia de un cuento nocturno contado
a la luz del fogón. Diego Lerer

In the same universe as his first feature, Germania, Maximiliano Schonfeld narrates what happens when a strange person
enters a closed community and upsets the acquired habits and
customs. The community is that of the German descendants
from Volga living in Entre Ríos, and the strange person in question is the character played by Ailín Salas, a girl from another
social and ethnical origin who pretends to have some kind of
healing power. Whether she has it or not is beside the point,
because Schonfeld’s film actually centers on the consequences
that arrival has among the relatives that welcome her and in the
townspeople, who will be shaken in curiously therapeutic ways.
Mysterious, dark, elliptical, The Black Frost moves with the cadence of a nighttime story told at the light of a campfire. DL

Maximiliano Schonfeld
Nació en Argentina en 1982, estudió cine y TV en la Universidad Nacional
de Córdoba y luego se graduó en la ENERC. Realizó los cortometrajes
Esnorquel (2005), Entreluces (2006, Bafici ‘07) e Invernario (2010, Bafici
‘11), y el largo Germania (Bafici‘12).
He was born in Argentina in 1982, studied film and TV at the National
University of Córdoba and then graduated at the ENERC. He made the
documentaries Esnorquel(2005), Entreluces(2006; Bafici ‘07) and Invernario(2010, Bafici‘11), as well as the feature Germania (Bafici ‘12).

Argentina, 2016 / 81’ / DCP / Color / Español - Spanish
D, G: Maximiliano Schonfeld F: Soledad Rodríguez
E: Ana Laura Remon DA: Adrián Suárez
S: Nahuel Palenque P: Bárbara Francisco, Delfina Montecchia,
Maximiliano Schonfeld PE: Bárbara Francisco CP: Pasto Cine
I: Ailín Salas, Lucas Schell, Benigno Lell
Contacto / Contact
Pasto Cine. Bárbara Francisco
T +54 11 4552 4943
E [email protected]
W pastocine.com.ar

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

145

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

special nights

La valija de Benavídez
Benavidez Case
Benavídez es un profesor de plástica, casado con una bella
promesa de la pintura. Una noche, luego de discutir con ella,
el hombre pide asilo a su psiquiatra tras abandonar su hogar
con una valija. Pero en la mansión del médico descubrirá un
oscuro secreto.

Benavídez is a sculpting teacher married to a beautiful and
promising painter. One night, after an argument with her, the
man asks his psychiatrist for asylum after leaving his home
with a suitcase. But at the doctor’s mansion, he will discover
a dark secret.

Una sátira descarnada del esnobismo y las pretensiones del
mundo del arte, una película de terror que tiene como monstruo principal a un prestigioso terapeuta, una dramedia esperpéntica en la que los cuadros se mueven como si fuesen
muertos vivientes, un thriller psicológico repleto de laberintos.
Laura Casabé acentúa la rareza siniestra del cuento homónimo de Samanta Schweblin y da con una pesadilla asfixiante,
una fábula maldita que tiene como cómplice a un brillante
elenco protagónico (Norma Aleandro y Jorge Marrale nunca
se vieron tan perversos), además de una estrafalaria galería
de secundarios. La valija de Benavídez es una extravagancia
imaginativa, pero también la alegoría de un mundo reconocible. Andrés Nazarala R.

A grim satire to snobbery and the pretentiousness of the art
world, a horror movie with a prestigious therapist as its main
monster, a grotesque dramedy in which paintings move as
though they were the living dead, a psychological thriller filled
with labyrinths. Laura Casabé accentuates the sinister oddness
of Samanta Schweblin’s eponymous short story, and the result
is a suffocating nightmare, a cursed fable with some brilliant
main actors (Norma Aleandro and Jorge Marrale never looked
as perverse as they do here) and an outlandish supporting cast
as its accomplices. Benavídez’s Case is an imaginative extravaganza, but also the allegory of a recognizable world. ANR

Laura Casabé
Nació en 1982, y dirigió el largometraje El hada buena, una fábula peronista (2010).
She was born in 1982 and has directed the feature The Good Fairy: A
Peronist Tale (2010).

Argentina, 2016 / 80’ / DCP / Color / Español - Spanish
D: Laura Casabé G: Laura Casabé, Lisandro Bera F: Mariano Suárez
E: Martín Blousson DA: Micaela Sleigh S: Pablo Isola M: Gillespi
P: Magalí Nieva PE: Hernán Findling CP: Ninja Films, Horno
Producciones, Funciona, Kuenta SRL I: Norma Aleandro, Jorge Marrale,
Guillermo Pfening, Alejandro Parrilla, Paula Brasca
Contacto / Contact
Ninja Films. Magalí Nieva
T +54 9 11 5782 3959
E [email protected]
W ninjafilmsargentina.com

146

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

noches especiales

Lucha. Jugando con lo imposible
Lucha. Playing the Impossible
Luciana Aymar posiblemente sea el mayor de los íconos del
deporte femenino de nuestro tiempo. Ganadora de todas y
cada una de las medallas posibles, fue declarada Leyenda del
Hockey y alma máter indiscutida de Las Leonas: todo eso se
hace lugar en un merecido documental.

Luciana Aymar is probably the top icon of female sports of our
time. A winner of each and every possible medal, she was declared a Hockey Legend and the undisputable alma mater for the
Lionesses. All that is featured in a well-deserved documentary.

No existe un atleta en la historia del deporte mundial que haya
sido consagrado como el mejor del mundo en ocho oportunidades. Salvo, claro, Luciana Aymar: así de gigante es Lucha, la mejor jugadora de hockey de todos los tiempos. Su historia, además,
corre en paralelo con la de Las Leonas, el seleccionado nacional
al que se sumó casi como una mascota en 1998 y del que se
retiró como leyenda quince años más tarde. Lucha. Jugando con
lo imposible reconstruye esas dos líneas de tiempo –la del equipo
y la de la jugadora– de punta a punta, alternando entre los testimonios de las grandes protagonistas de esta historia y el relato
íntimo, sin filtro y en primera persona de Aymar. Detrás de toda
gran mujer, hay muchas más grandes mujeres, y este documental
se mete en el centro de esa relación para revelar cómo es que
un individuo alcanza su máxima expresión en el contexto de un
deporte de equipos. Lucas Garófalo

No athlete in the history of sport has ever been enshrined as the
best of the world eight times. Except, of course, for Luciana Aymar: that’s how great is Lucha, the best hockey player that ever
lived. Her story also runs in parallel with Las Leonas, the national
team she joined as a pet in 1998 and retired from fifteen years
later. Lucha. Playing the Impossible reconstructs those timelines
–from the team and the players– from end to end, alternating testimonies of great protagonists from that time with an intimate, unfiltered, first person portrait of Aymar. Behind every woman there’s
lots of great women, and this documentary goes into the core of
that relationship to reveal how one individuality can achieve its
maximum expression in the context of team sport. LG

Ana Quiroga
Nació en Buenos Aires en 1978. Estudió comunicación y luego montaje y
estructura dramática con Miguel Pérez. En 2004 cofundó Zoek Producciones, una productora especializada en contenidos deportivos, y realizó
diversos documentales, series, cortos y programas. Lucha. Jugando con
lo imposible es su primer largometraje como directora.
She was born in Buenos Aires in 1978. She studied communication and
later film editing and drama structure with Miguel Pérez. In 2004 she
co-founded Zoek Productions, a production company specialized in sports
contents, and made several documentaries, series, short films, and shows.
Lucha. Jugando con lo imposible is her first feature-length film.

Argentina, 2016 / 93’ / DCP / Color
Español / Inglés - Spanish / English
D, DA: Ana Quiroga G: Ana Quiroga, Milagros Lay González
F: Diego Gachassin E: Manuela Quiros, Miguel Pérez
S: Martín Grignaschi M: Ruy Folguera P: Milagros Lay González
PE: Milagros Lay González, Carlos Barrientos CP: Zoek Producciones,
UntrefMedia I: Luciana Aymar, Magdalena Aicega, Cacho Vigil,
Cecilia Rognoni, Maartje Paumen
Contacto / Contact
Zoek Producciones, UNTREF Media.
Milagros Lay González, Federico Consiglieri
T +54 9 11 3112 3929 +54 9 11 5764 3695
E [email protected]
[email protected] W luchalapelicula.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

147

baficito
little bafici

little bafici

EDAD SUGERIDA
SUGGESTED AGE

+8

El gigante de hierro
The Iron Giant

Ambientada en plena paranoia de la Guerra Fría, la ópera prima del director de Los Increíbles narra la historia de un niño
que entabla una estrecha amistad con un robot gigante caído
del espacio.

Set during the peak of Cold War paranoia, the first film from the
director of The Incredibles tells the story of a kid who establishes a close friendship with a giant robot that fell from space.

“¡Su-per-man!”, dice el coloso de hierro y asume la pose del
kryptoniano. Es un instante de El gigante de hierro, la película
animada de Brad “Los Increíbles” Bird que comprime, como una
compactadora buenita y enamorada, el sci-fi y los miedos de
los cincuenta (época en la que transcurre la acción), la animación clásica de los Fleischer y un sentido épico y amable de
la conexión entre personajes destilado del Steven Spielberg de
E.T., el extraterrestre. La fábula del niño y su robot, que entre
Pixar y sus imitaciones devino (lamentablemente) excepción,
vuelve con nuevas escenas que no modifican en absoluto sus
cálidos instintos, sus ideas invencibles (todo en 2D, menos el
gigante selenita animado por CGI) y sus inoxidables ganas de
enamorar, está solo como el cine puede hacerlo. Juan Manuel
Domínguez

“¡Su-per-man!”, says the iron colossus, and assume Kryptonian’s pose. That instant in Brad “The Incredibles” Bird’s animated film works as a nice and loving press that comprises the
sci-fi and fear from the ‘50s (the time when the film is set), the
Fleischer’s classic animation, and both epic and a kind sense
of the connection between characters he distilled from Steven
Spielberg’s E.T.. The fable of a kid and his robot has (sadly)
become an exception, due to Pixar and its imitations. The theme
now returns featuring new scenes that stay on the course of its
warm instincts, invincible ideas (everything is in 2D, except for
the Selenite giant in CGI), and a stainless will to captivate us, the
way only cinema can. JMD

Brad Bird
Nació en Montana en 1957. En 1989 ayudó a desarrollar Los Simpson,
y trabajó durante algunos años más como consultor ejecutivo. Dirigió
varios largos animados, entre ellos Los Increíbles (2005) y Ratatouille
(2007), y otros de acción en vivo, como Misión: Imposible. Protocolo
Fantasma (2011) y Tomorrowland (2015).
He was born in Montana in 1957. In 1989, he helped developing The
Simpsons, and worked in the show as an executive consultant. He
directed several animated films, including The Incredibles (2005) and
Ratatouille (2007), as well as live action ones such as Mission Impossible: Ghost Protocol (2011) and Tomorrowland (2015).

150

Estados Unidos - US, 1999 / 86’ / DCP / Color / Inglés - English
D: Brad Bird G: Brad Bird, Tim McCanlies F: Steven Wilzbach
E: Darren T. Holmes DA: Mark Whiting S: Randy Thom
M: Michael Kamen P: Allison Abbate, Des McAnuff
PE: Pete Townshend CP: Warner Bros. I: Jennifer Aniston,
Harry Connick Jr., Vin Diesel, James Gammon, Cloris Leachman
Contacto / Contact
Park Circus
T +44 141 332 2175
E [email protected]
W parkcircus.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE INTERNACIONAL / INTERNATIONAL PREMIERE

baficito

Heavysaurios
Heavysaurs
Heavisaurus
Durante una excursión escolar a un parque de diversiones,
Toni y su compañera de clase Suvi descubren a los Heavysaurios, un grupo de criaturas que no piensan en otra cosa que no
sea comida y hard rock.

During a school trip to an amusement park, Toni and her classmate Suvi discover the Heavysaurus, a group of creatures who
only care about food and hard rock.

El cielo oscuro y las notas que una hechicera le arranca a una
guitarra conectada a un chispeante amplificador solo podían
dar como resultado algo extraordinario. Tan inesperado como el
sonido de un huevo al romperse. En realidad, de cinco de ellos,
que esperaban ahí muy quietos hace 65 millones de años. Esta
banda tiene un origen místico que no podía ser otra cosa que
una película de enredos, persecuciones e instrumentos aporreados. De origen finlandés (y con una versión argentina que
escaló hacia el éxito en los escenarios rápidamente), la banda
de heavy metal jurásico demostró que la música para niños
puede escaparles a los payasos sonrientes y a las princesas
vestidas de rosa. Con tachas y cuero por doquier, Heavysaurios
es la cara rockera de los berrinches y deseos de los más pequeños. Sol Santoro

Nothing other than extraordinary things could result from a dark
sky and the tones a sorcerer gets from a guitar plugged into a
sparking amplifier. It’s something as unexpected as the sound
of an eggshell breaking. Actually, there were five eggs, which
waited still for 65 million years. This band’s mystical origin could
only have been a film of confusions, persecutions, and bashed
instruments. The heavy metal band of Finish origins (it also has
an Argentine version that quickly became a stage hit) has proven that music for children can spare smiley clowns and pinkdressed princesses. Covered in leather and pins, Heavysaurs
is the rock and roll face of children’s tantrums and wishes. SS

Pekka Karjalainen
Nació en Finlandia en 1961. También se desempeña como diseñador de
sonido. Dirigió varios largometrajes.
He was born in Finland in 1961. He directed several films and also works
as a sound designer.

Finlandia - Finland, 2016
85’ / DCP / Color / Finlandés - Finnish
D: Pekka Karjalainen G: Veli-Pekka Hänninen, Antero Arjatsalo,
Heikki Salo F: Konsta Sohlberg E: Kimmo Taavila P: Nina Laurio
PE: Jukka Helle, Markus Selin CP: Solar Films Inc. I: Milo Snellman,
Salli Siivonen, Taneli Mäkelä, Sam Huber, Veeti Kallio
Contacto / Contact
EastWest Filmdistribution
T +43 1 524 931 034
E [email protected]
W eastwest-distribution.com
eastwest-distribution.com/film/heavysaurs

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

151

little bafici

Molly Monster
Ted Sieger’s Molly Monster
La isla del huevo es el lugar en que nacen todos los monstruos
y donde los padres de Molly deben viajar para esperar que su
nuevo hijo salga del cascarón. Pero cuando se van y olvidan el
regalo de la niña para su futuro hermano, ella decide llevárselo
a través de montañas, cañones y mares.

The egg island is the place where monsters are born, and
Molly’s parents have to travel there to wait for their new child
to hatch out. But when they leave and forget the girl’s present for his little brother, she decides to take it to him through
mountains, canyons, and oceans.

Los colores de Molly Monster son chillones, pero felizmente
chillones: están a mitad de camino entre los crayonazos que un
niño hace el día de su cumpleaños y un testeo de envoltorio de
golosinas. Es lógico: es una película alegre, para los más chicos,
llena de ansiedades (¡Molly espera a un hermanito!) y de ganas
honestas de jugar (no por nada todo sucede en Monstruolandia). En primer lugar, juega con Molly: papá y mamá se olvidaron su regalo para el hermanito y ahora ella debe ir a la isla
donde nacen los monstruos para llevarlo. El resultado es una
travesía amablemente absurda y traviesa. Luego, juega con las
imágenes: usando el estilo de la serie de TV alemana original, se
acerca más a la historieta de trazo simple. En su encanto, Molly
Monster es una perfecta merienda de cine: cálida y única. Juan
Manuel Domínguez

The colors in Molly Monster are loud, but happily loud: they are
half way between the crayon scratches a kid makes on his birthday, and a candy wrap testing. It’s ony logical: this is a cheerful
film for kids, filled with anxieties (Molly is going to have a baby
brother!) and an honest will to play (there’s a reason everything
takes place in Monsterland). The film plays, first, with Molly: her
mom and dad forgot their present for her baby brother, and now
she has to go to the island where monsters are born in order to
take it. The result is a kindly absurd and knotty journey. But the
film also plays with the images: by using the simple style from
the original German TV show, it comes closer to a simply-drawn
comic book. In all its charm, Molly Monster is a perfect afternoon film snack: warm and unique. JMD

Los directores / the Directors
Ted Sieger: Nació en Coquimbo, Chile, en 1958. Creó libros ilustrados y tiras cómicas. Michael Ekblad: Nació en Suecia en 1960. En
2005 codirigió junto a Michael Edbland el cortometraje The Fourth King.
Matthias Bruhn: Nació en Alemania en 1962. Desde 1998 es el jefe
ejecutivo del TrickStudio Lutterbeck GmbH.
Ted Sieger: Born in Coquimbo, Chile, in 1958. He created illustrated
books and comic books. Michael Ekblad: Born in Sweden in 1960. In
2005 he co-directed the short film The Fourth King alongside Michael
Edbland. Matthias Bruhn: Born in Germany in 1962. He’s the executive
chief of TrickStudio Lutterbeck GmbH since 1998.

152

Alemania / Suiza / Suecia - Germany / Switzerland / Sweden,
2016 / 72’ / DCP / Color / Español - Spanish
D: Ted Sieger, Michael Ekblad, Matthias Bruhn G: John Chambers
F: Wolfram Spaeth E: Melanie Hartmann DA: Ted Sieger S: Tilo Busch
M: Anette Focks P: Alexandra Schatz, Dr. Josef Burri
PE: Alexandra Schatz, Dr. Josef Burri CP: Alexandra Schatz
Filmproduktion, Little Monster
Contacto / Contact
Global Screen. Gisela Wiltschek
T +49 8924 4129 5580
E [email protected]
W globalscreen.de ~ mollymonster.tv

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

baficito

Mune: Le Gardien
de la lune

SUGERIDA
+8 EDAD
SUGGESTED AGE

Mune: the Guardian of the Moon
Un fauno llamado Mune se convierte en el Guardián de la Luna.
Debe enfrentarse a un titán que el Sol quiere para sí mismo
y pone en grave peligro el equilibrio entre el día y la noche.

A faun called Mune becomes the Guardian of the Moon. He
must face a titan who wants to own the Sun, endangering the
balance between day and night.

La animación digital, ese modo de crear relatos animados que
comenzó a ser fórmula y norma comercial con Pixar, siempre
es agredida con una frase: desde que el CGI domina la animación, el 2D –la animación “a mano”– se cubre en su posible
inventiva. Malas noticias para el 2D: Mune usa modos digitales para crear imágenes y personajes que suelen asociarse a
inventivas más plásticas, más elásticas y, seamos sinceros,
más memorables. Sus personajes, entre ellos el Mune del
título, son habitantes de un mundo de guerreros y naturalezas que todo les deben a Hayao Miyazaki y a J. R. R. Tolkien.
Pero el film sabe traducir esas ideas que hipnotizan a quienes
aman la animación de forma clara y sutil para los niños. Mune
es la combinación perfecta que confirma que la animación,
incluso cuando cuenta el relato del héroe, tiene todavía mucho
para ofrecer. Juan Manuel Domínguez

Digital animation –that form of creating animated stories that
became a formula and a commercial standard with Pixar– is
always attached with a phrase: ever since CGI dominates
animation, 2D –”handmade” animation– covers itself in its
creative capacity. Bad news for 2D: Mune uses digital ways
to create images and characters that are usually associated
with more plastic, elastic, and –to be honest– memorable creations. Its characters, including Mune itself, live in a world of
warriors and nature that owes everything to Hayao Miyazaki
and J. R. R. Tolkien. But the film knows how to translate those
ideas that hypnotise animation lovers into a clear and subtle
form suitable for children. Mune is the perfect combination
that confirms animation –even when featuring a hero’s journey– still has a lot to offer. JMD

Alexandre Heboyan
Trabajó en DreamWork, animando personajes de Kung Fu Panda (2008)
y Monstruos vs. Aliens (2009).
He worked in DreamWorks animating characters from Kung Fu Panda
(2008) and Monsters vs. Aliens (2009).

Benoît Philippon
Nació en Francia, y dirigió el film Lullaby for Pi (2010).
He was born in France, and directed the film Lullaby for Pi (2010).

Francia - France, 2015 / 86’ / DCP / Color / Inglés - English
D: Alexandre Heboyan, Benoit Philippon G: Benoit Philippon,
Jérôme Fansten E: Isabelle Malenfant DA: Rémi Salmon
S: Olivier Calvert M: Bruno Coulais P: Grégoire Melin, Aton Soumache,
Alexis Vonarb, Dimitri Rassam PE: Brice Garnier, Jean-Bernard Marinot
CP: Onyx Films Kinology
Contacto / Contact
Kinology. Grégoire Graesslin
T +33 9 5147 4344
E [email protected]

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

153

little bafici

EDAD SUGERIDA
SUGGESTED AGE

+8

Phantom Boy
Chico fantasma

Leo, de 11 años, es un niño fantasma: puede hacerse invisible,
volar y atravesar paredes. Junto con Alex, policía en silla de
ruedas, deberá rescatar a una periodista secuestrada por un
gánster y salvar a Nueva York de la destrucción.

Leo, who is 11, is a ghost kid: he can make himself invisible, fly
and go through walls. Along with Alex, a cop in a wheelchair,
he will have to rescue a journalist who’s been kidnapped by a
gangster and save New York from destruction.

Solemos olvidarnos de que las historietas son siempre en dos
dimensiones. También el cine, aunque los anteojitos a veces
nos confundan. Phantom Boy es una historia de superhéroes
y un cuento de hadas dibujado en dos dimensiones, en el que
el diseño es la propia mirada infantil que tiñe este relato que
nace de la tristeza y construye su camino hacia la alegría. Lo
más sorprendente de este film –que es para chicos porque se
cuenta desde los chicos– consiste en que, como los grandes
relatos universales, no esquiva los inconvenientes y los dolores
con la coartada de la corrección política, porque son ellos los
que crean la aventura y, por lo tanto, el interés. La imaginación
es la mayor de las armas, y estos gráficos simples de colores
sofisticados obligan al ejercicio de crear el espacio a partir de
las emociones. Leonardo D’Espósito

We tend to forget that comic books are always in two dimensions. Film, too, even though the glasses get us confused from
time to time. Phantom Boy is a superhero story and a fairytale
drawn in two dimensions, in which the design is the very childlike gaze that tinges this story that’s born from sadness and
builds its own path towards joy. The most amazing thing about
this film –which is for kids because it’s told through kids– lies
on the fact that, as in the great universal tales, it doesn’t dodge
inconveniencies and pains with the alibi of political correctness,
because they are the ones that create adventure and, therefore,
interest. Imagination is the largest of weapons, and these simple
graphics of sophisticated colors make it compulsory to create
space through emotions. LMDE

Alain Gagnol
Nació en Francia en 1967. Trabajó como animador para el estudio de
animación francesa Folimage.
He was born in France in 1967. He worked for French animation studio
Folimage.

Jean-Loup Felicioli
Nació en Francia en 1960. Codirigió junto con Alain Gagnol su primer
largo Une vie de chat (2010).
He was born in France in 1960. He co-directed his first feature A Cat in
Paris (2010) with Alain Gagnol.

154

Francia - France, 2015 / 80’ / DCP / Color / Francés - French
D: Alain Gagnol, Jean-Loup Felicioli G: Alain Gagnol F: Izu Troin
E: Hervé Guichard DA: Pascal Vermeerch S: Loïc Burkhardt
M: Serge Besset P: Jacques-Rémy Girerd PE: Catherine Blanc-Maurizi
CP: Folimage Production, Lunanime I: Edouard Baer,
Jean-Pierre Marielle, Audrey Tautou, Jackie Berroyer
Contacto / Contact
Doc and Film International. Hannah Horner
T +33 142 778 966
E [email protected]
W docandfilm.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE INTERNACIONAL / INTERNATIONAL PREMIERE

baficito

Snowtime!
¡Hora de nieve!
Cuando llega el invierno, un niño y sus amigos se unen a la chica
recién llegada a la ciudad para una prolongada pelea de bolas
de nieve.

La guerra de nieve es esa fantasía (al menos para nosotros) que
el cine ha construido como las perfectas vacaciones en las que
uno siempre es niño. Snowtime! aprovecha esa creación del
cine y la usa como excusa para generar una batalla “real” en,
como diría el protagonista de 11 años, “el pueblo más grande
del mundo”. La guerra infantil entre dos bandos de niños por un
castillo helado que durará dos semanas es la plataforma que
utiliza la película para jugar con varios géneros que van desde
el bélico, obviamente, hasta la aventura, pasando por la comedia de situación. Snowtime! es simple en su premisa y en sus
formas, con sus personajes de bordes dignos de cómic clásico
norteamericano, pero eso no esconde sus ganas de dejar en
claro lo que piensa sobre la guerra, esa que no es animada.
Juan Manuel Domínguez

Jean-François Pouliot
Nació en Canadá en 1979, y estudió en la Universidad de Concordia.
Trabajó como asistente de cámara y escribe y dirige cortos animados
para el Consejo Nacional de Cine.
He was born in Canada in 1979, and studied at the Concordia University.
He worked as a camera assistant, and also writes and directs animated
short films for the National Film Council.

François Brisson
Dirigió el largometraje animado Gene-Fusion (2011).
He directed the animated film Gene-Fusion (2011).

SUGERIDA
+8 EDAD
SUGGESTED AGE

Winter comes, and a boy and his friends join the new girl in
town for a long snowball fight.

A snow war is the fantasy (for us at least) cinema has built
as the perfect vacation, one in which you’re always a kid.
Snowtime! makes the most of that film notion, and uses it as
an excuse to create a “real” battle in “the biggest town in the
world,” as the film’s 11-year-old protagonist would say. The kid
war between two bands over an ice castle that will melt in two
weeks is the platform the film uses to play with several genres
that range from war films –obviously– to adventure and situation comedy. Snowtime! is as simple as its premise, and simple
in its forms, with characters whose borders resemble the ones
of classic American comic books, but that doesn’t hide its will
to state an idea about war –the one that it’s not animated. JMD

Canadá - Canada, 2015 / 82’ / DCP / Color
Inglés / Francés - English / French
D: Jean-François Pouliot, François Brisson G: Normand Canac-Marquis,
Roger Cantin, Danyèle Patenaude, Paul Risacher E: Robert Yates
DA: Philippe Arsenault Bussieres S: Raymond Vermette
M: Jorane, Eloi Painchaud P: Marie-Claude Beauchamp
PE: Marie-Claude Beauchamp, Paul Risacher, Normand Thauvette
CP: CarpeDiem Film & TV I: Angela Galuppo, Mariloup Wolfe,
Lucinda Davis, Nicholas Savard L’Herbier, Sophie Cadieux
Contacto / Contact
Park Circus
T +44 141 332 2175 E [email protected] W parkcircus.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

155

little bafici

Song of the Sea
La canción del mar
Ben y su pequeña hermana Saoirse se embarcan en un viaje
fantástico de regreso a su casa en el mar, a través de un mundo
de cuento de hadas, de magia y leyendas irlandesas antiguas.

Ben and his baby sister Saoirse set on a fantastic journey
through the oceans to get back home, in the sea and run
across a world of fairy tales, magic, and ancient Irish legends.

Pocas veces la frase “nominada a un Oscar como Mejor Película
Animada” importó menos. Song of the Sea fue nominada, y aun
así su valor está en su inventiva, en su capacidad para crear
una fábula que gana en personalidad por los dibujos a mano
(sobre todo por esas acuarelas) y también por su fe ciega en
determinadas formas de los relatos. Otra vez aparece en el cine
de Tomm Moore el folklore irlandés, pero ahora también están
el mar, las leyendas (focas que se transforman en humanos,
hadas y gigantes) y Halloween (como fecha en la que todo sucede). Lo artesanal del dibujo se transmite al relato, no solo
creando un encanto primario que encandila al dejar en claro el
trabajo humano, sino envolviendo a sus personajes, dándoles
un aura digna de un cuento infantil que alguien creó especialmente para nosotros. Juan Manuel Domínguez

Few times the expression “nominated for an Oscar for Best
Animated Film” has been more irrelevant. Song of the Sea was
nominated, but even so its value lies on its inventiveness, its
ability to create a fable that stands with its own personality for
its hand drawings (especially those watercolors), and its blind
faith in certain forms of storytelling. Irish folklore is featured
once again in Tomm Moore’s cinema, but now there’s also the
sea, the legends (seals transforming into humans, fairies, and
giants), and Halloween (the date when everything happens). The
handicraft nature of drawing pours into the story creating a primal enchantment that both dazzles us by exposing human work
and surrounds its characters with the aura of a children’s story
someone created especially for us. JMD

Tomm Moore
Productor y director, conocido por The Secret of Kells (Bafici ‘09) y
The Prophet (2014).
A producer and director, he’s known for The Secret of Kells (Bafici ‘09)
and The Prophet (2014).

156

Irlanda / Reino Unido - Ireland / UK, 2014 / 90’ / DCP / Color
Español - Spanish
D, G: Tomm Moore E: Darragh Byrne DA: Alessandra Sorrentino
S: Felix Davin M: Bruno Coulais CP: Cartoon Saloon, Superprod
Contacto / Contact
WestEnd Films. Daphne Karnezis
T +4 42 074 948 300
E [email protected]
W westendfilms.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

baficito

When Marnie Was There
Omoide no Mânî
El recuerdo de Marnie

SUGERIDA
+12 EDAD
SUGGESTED AGE

Una niña vive con sus padres adoptivos y no tiene ninguna
amiga, hasta que conoce a Marnie. Pero cuando esta desaparece, la llegada de una nueva familia a la región parece ser la
clave para resolver el misterio.

A girl lives with her adoptive parents and has no friends,
until she meets Marnie. But when she disappears, the arrival of a new family to the region seems to be the key to
solving the mystery.

A veces vemos las películas del Studio Ghibli simplemente porque funcionan como una especie de colirio para la pantalla, y
acaso también para nuestra retina. La limpian con esos rayos
de luz moteados que caen sobre los personajes a través de las
copas de los árboles; la alivian con ese oleaje orgullosamente
bidimensional que se mueve caprichosamente en las escenas
acuáticas; la sanan con esos rostros en los que la inocencia y la
sorpresa aparecen quintaesenciadas. When Marnie Was There
es una película muy girly sobre el rito del paso de la infancia
a la juventud. Un relato extremadamente delicado que, como
en Mi vecino Totoro, saca a un personaje de su infeliz entorno
urbano habitual para que sea en la naturaleza donde cruce los
umbrales del misterio y experimente las primeras revelaciones
de la vida adulta. Joan Pons

Sometimes we see Studio Ghibli’s films simply because they
act as eye drops for the screen as well as out retina. They clean
it with those spotted rays of light that fall over the characters
through the treetops; they soothe it with that proudly two-dimensional swell that moves haphazardly in the water scenes;
they heal it with those faces in which innocence and surprise
appear quintessentiated. When Marnie Was There is a very
girly film about the rite of passage from childhood to youth. An
extremely delicate tale that, like My Neighbor Totoro, takes a
character off her unhappy urban environment and into nature
for her to cross the thresholds of mystery and experience the
first revelations of adult life. JP

Hiromasa Yonebayashi
Nació en Ishikawa, Japón, en 1973. Estudió diseño comercial en la
Escuela de Arte de Kanazawa. Trabajó en los departamentos de animación del Studio Ghibli, donde llevó adelante films como La princesa
Mononoke (1997) y El viaje de Chihiro (2001), entre otros. Debutó como
realizador con Arrietty y el mundo de los diminutos (2010; Bafici ‘12).
He was born in Ishikawa, Japan, in 1973. He studied commercial design
at the Kanazawa Art School. We worked in the animation departments of
Studio Ghibli, where he worked in films like Princess Mononoke (1997)
and Spirited Away (2001). He made his debut as a filmmaker with The
Secret World of Arrietty (2010; Bafici ‘12).

Japón - Japan, 2014 / 103’ / DCP / Color
Japonés - Japanese
D: Hiromasa Yonebayashi G: Keiko Niwa, Masashi Ando,
Hiromasa Yonebayashi DA: Yohei Taneda M: Takatsugu Muramatsu
P: Yoshiaki Nishimura CP: Studio Ghibli I: Sara Takatsuki,
Kasumi Arimura, Nanako Matsushima, Susumu Terajima, Toshie Negishi
Contacto / Contact
California Filmes
T +5511 2899 9000
W californiafilmes.com.br

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

157

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

little bafici

Yoko y sus amigos
Yoko and His Friends
A Vik le cuesta mucho hacer amigos, y cada vez que lo consigue trasladan a su padre a otra ciudad y tiene que volver a
empezar de cero. Tras la última mudanza, conoce a dos niños
con los que entabla una gran amistad, y con sus juegos propician la aparición de un ser mágico que habita en el parque.

Vik has a hard time making friends, and every time she succeeds, her father is transferred to another city and she has to
start all over again. After her latest move, she meets two children with whom she starts a great friendship, and their games
cause the appearance of a magical being that lives in the park.

Una invitación a jugar al aire libre, lejos de pantallas iluminadas, con otros niños. Eso es Yoko y sus amigos, sana como un
plato de verduras en sus valores y deliciosa como un surtido de
golosinas. Tras varias mudanzas, Vik, de seis años, llega a una
nueva ciudad donde vivirá frente a un parque. A pesar de su
timidez, termina haciéndose amigo de Mai y Oto, con quienes
descubre a Yoko, un ser mágico del bosque de reminiscencias
totorescas que solo puede ser visto por niños a los que les gusta
jugar y que los llevará a vivir aventuras por mundos imaginarios
cada tarde. Pero una nueva mudanza acecha. Premiada en Sevilla, esta coproducción española con la compañía rusa de The
Snow Queen cuenta con la dirección de arte de Ricardo Ramón
(Papá, soy una zombi y El corazón del roble), responsable de su
colorida estética y angulosos personajes, mezcla de muñecos
Cubeecraft y Lego. Elena Duque

An invitation to play outside, far from the illuminated screens,
with other children. That is Yoko and His Friends, healthy as
a plate of vegetables in its values and delicious as assorted
candy. After many relocations, six-year-old Vik arrives in a new
city where he will live in front of a park. In spite of his shyness,
he ends up befriending Mai and Oto, with whom he discovers
Yoko: a magical being from the woods of totoroesque reminiscences that can only be seen by kids who like to play, and who
will take them on adventures through imaginary worlds every
afternoon. But a new relocation awaits. Awarded in Seville, this
co-production between Spain and the Russian company responsible for The Snow Queen has Ricardo Ramón (Daddy, I’m
a Zombie and Dragon Guardians) as production designer, who
achieves a colorful aesthetic and angular characters that are
part-Cubeecraft, part-Lego. ED

Juanjo Elordi
En 2002 dirigió su primera película de animación, Olentzero, un cuento
de Navidad, a la que seguirían varias más.
In 2002, he directed his first animated film, Olentzero, un cuento de Navidad, which was followed by many more.

España / Rusia - Spain / Russia, 2015 / 78’ / DCP / Color
Español - Spanish
D: Juanjo Elordi G: Edorta Barruetabeña
F, DA: Ricardo Ramón E: Alaztne Portu M: Michael Richard Plowman
P: Juanjo Elordi, Yuri Moskvin, Ricardo Ramón, Vladimir Nikoalev,
Alexander Mirgorodskiy CP: Yokoren Kluba, Wizart Animation
Contacto / Contact
Barton Films. José Antonio Fernández
T +34 944 240 559
E [email protected]
W bartonfilms.com ~ yokoetalagunak.com

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[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

baficito - aardman
little bafici - aardman

little bafici - aardman

Pollitos en fuga
Chicken Run
Peter Lord en pleno milagro. Pollitos en fuga comprimió todo
lo que Aardman venía haciendo con gracia y alegría en sus
cortos, los de Wallace y Gromit y los otros, de forma amable pero también consistente. En lugar de regodearse en sí
misma, la animación excelsa se vuelve comedia física; la caracterización de personajes digna del cine clásico solo sirve
para mejorar la conexión, y el género es usado con cariño y
alteración. Pocas obras son así de coherentes e innovadoras.
Juan Manuel Domínguez
Peter Lord making miracles. Chicken Run summarized everything Aardman had been doing with humor and joy in his short
films, be them Wallace and Gromit’s or others, in an amiable
but consistent way. Instead of showing off, sublime animation
became physical comedy; the character development, worthy
of classic film, only served to improve the connection, and
genre is used with care and alteration. Few bodies of work are
as coherent and innovative in the same way. JMD

Reino Unido / Estados Unidos / Francia
UK / US / France, 2000 / 84’ / DM / Color / Español - Spanish
D, G: Peter Lord, Nick Park E: Robert Francis, Tamsin Parry,
Mark Solomon DA: Phil Lewis M: Harry Gregson-Williams,
John Powell I: Phil Daniels, Lynn Ferguson, Mel Gibson,
Tony Haygarth, Jane Horrocks
Contacto / Contact
Aardman Animations. Anna Lewis
T +1 117 984 8485
W aardman.com

Operación Regalo
Arthur Christmas
Y un día, con sospechas, nos sentamos a ver la segunda animación digital de Aardman. En la primera, Lo que el agua se
llevó, todavía quedaban resquicios de las formas de plastilina
fundacionales y características. Aquí no. Una historia que juega
con Santa Claus y su metodología a la hora de los regalos se
convierte en la prueba de que Aardman, con los dedos manchados o en el teclado, es una empresa de ideas antes que de
fórmulas. Sin ser un milagro, es un perfecto obsequio para el
anestesiado cine digital. JMD
And one day, with suspicion, we sat to see Aardman’s second
digital animated film. In the first one, Flushed Away, there were
still traces of their foundational, characteristic clay forms. Not
here. And even yet, a story that plays with Santa Claus and his
methodology when delivering gifts becomes proof that Aardman, whether its hands are dirty or on a keyboard, is a company of ideas rather than formulas. Without being a miracle, it’s
a perfect gift to the anesthetized digital cinema. JMD

160

Reino Unido / Estados Unidos - UK / US, 2011
97’ / DM / Color / Español - Spanish
D: Sarah Smith, Barry Cook G: Peter Baynham, Sarah Smith
F: Jericca Cleland E: John Carnochan, James Cooper
DA: Evgeni Tomov M: Harry Gregson-Williams I: James McAvoy,
Hugh Laurie, Bill Nighy, Jim Broadbent, Imelda Staunton
Contacto / Contact
Aardman Animations. Anna Lewis
T +1 117 984 8485
W aardman.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

baficito - aardman

¡Piratas! Una loca
aventura
The Pirates! In an Adventure
with Scientists!
La primera travesura en 3D de Aardman es, primero, un retorno a la animación con plastilina cuadro por cuadro y, segundo,
una de piratas. Otra vez Aardman toma formas que a simple
vista no parecerían provocar alegría instantánea (juega con un
molde de piratas al estilo Vincente Minnelli), y logra concentrar
no solo las virtudes de la comedia sino también un sentido del
absurdo perfectamente maleable y coherente. ¡Piratas! confirma que, cuando Aardman aborda, solo nos queda sonreír. JMD
Aardman’s first 3D adventure is, firstly, a return to stop-motion
Claymation and, secondly, a pirate movie. Once more, Aardman
takes forms from which it would seem impossible to provoke
instant joy (playing with a Vincente Minnelli-style pirate mold)
and succeeds in concentrating not only virtues and possible
comedies of the genre, but also a sense of the absurd that is
perfectly malleable and coherent. The Pirates! Band of Misfits
confirms that, when Aardman comes on board, all we have is
a chance to smile. JMD

Reino Unido / Estados Unidos - UK / US, 2012
88’ / DM / Color / Español - Spanish
D: Peter Lord, Jeff Newitt G: Gideon Defoe E: Justin Krish
DA: Norman Garwood M: Theodore Shapiro P: Julie Lockhart,
Peter Lord, David Sproxton I: Hugh Grant, Martin Freeman,
Imelda Staunton, David Tennant, Salma Hayek
Contacto / Contact
Aardman Animations. Anna Lewis
T +1 117 984 8485
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Shaun el cordero:
la película
Shaun the Sheep Movie
La segunda creación más famosa de Aardman salta de la TV
al cine. En un planeta donde el digital domina de forma espectacular o penitente, Aardman vuelve a la plastilina y a la
animación cuadro por cuadro. No por testarudos, eh, sino por
enamorados. De hecho, casi sin palabras, la oveja Shaun y su
pandilla se vuelcan en un cine tremendamente puro, y eso,
más que una lección, es un disfrute real del medio. Buster
Keaton hecho lana, Harold Lloyd ovino: Aardman actualiza su
leyenda sin ceder ni un centímetro de su integridad. JMD
The second most famous of Aardman’s creations makes its
jump from TV to film. In a planet where the digital rules, whether it’s in a spectacular or pertinent way, Aardman returns to
clay and stop-motion animation. And not because they’re stubborn, but because they’re in love with it. In fact, with almost no
words, Shaun the sheep and his gang become a tremendously
pure kind of cinema (and wordless, as we said), and that, rather
than a lesson, is more about really enjoying the medium. Buster Keaton in wool, an ovine Harold Lloyd: Aardman updates its
legend without losing an ounce of integrity. JMD

Reino Unido / Francia - UK / France, 2015
85’ / DM / Color / Español - Spanish
D, G: Mark Burton, Richard Starzak F: Charles Copping,
Dave Alex Riddett E: Sim Evan-Jones DA: Matt Perry
M: Ilan Eshkeri I: Justin Fletcher, John Sparkes,
Omid Djalili, Richard Webber, Kate Harbour
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[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

161

little bafici - aardman

Programa - 40 años de Aardman
40 Years of Aardman Program
Aardman es la bendición inglesa con la que Nick Park y Peter
Lord decidieron apretar sus pasiones (como quien comprime
plastilina para crear esos colores nuevos, mutantes, felices)
hasta concentrarlas en un estudio que ha devenido constructor, cuadro por cuadro o digital, de un cine animado distinto.
Los 40 años de Aardman aquí pueden verse desde el logo
artesanal hasta sus más recientes trabajos, pasando por publicidades y personajes clásicos como Wallace y Gromit, Angry
Kid o Shaun el cordero. Esos 40 años son cuatro décadas de
películas, medios y cortos que han apelado a una mezcla romántica de pureza, cinefilia, dedicación y cierta alegría quijotesca (honestamente: nadie hizo nunca lo que Aardman realizó
con la animación cuadro por cuadro). En un mundo donde lo
digital prevalece y domina, Aardman no es tanto contracultural,
sino un feliz y posible Edén donde las ganas de moldear lo
lúdico se mezclan con las de crear relatos tan encantadores y
posiblemente cotidianos como el té de las cinco. Juan Manuel
Domínguez

Aardman is the English blessing Nick Park and Peter Lord used
to compress their passions (like when someone squashes clay
to create new, mutant, happy colors) and concentrate them
into a studio that has become a source of a different kind of
animated cinema, either frame-by-frame or digital. Aardman’s
40 years can be sensed in both its handmade logo and his
most recent works, including commercials and classic characters, like Wallace and Gromit, Angry Kid, or Shaun the Sheep.
Those 40 years mean four decades of films –medium–length
and short ones– that have appealed to a romantic mixture of
purity, cinephilia, dedication, and a certain Quixote-like joy
(honestly: no one has ever done what Aardman did with frameby-frame animation). In a world where digital cinema prevails
and rules, Aardman is not so much counter-culture as a happy
and possible Eden, where the will to mold a playful spirit gets
mixed with the urge to create stories as lovely –and possibly
everyday-like– as five o’clock tea. JMD

Vision on Film

Angry Kid - Bone

Inglaterra, 1975 / 1’ / DM / Color / Inglés – English

Inglaterra, 1998 / 1’ / DM / Color / Inglés - English

D: Peter Lord

D: Darren Walsh

Morph - Gran Morph’s
Home Movies

Purple & Brown - Whistler

Inglaterra, 1980 / 5’ / DM / Color / Inglés – English
D: Peter Lord

Creature Comforts
Inglaterra, 1989 / 5’ / DM / Color / Inglés – English

Inglaterra, 2006 / 1’ / DM / Color / Inglés - English
D: Rich Webber

Dot
Inglaterra, 2010 / 2’ / DM / Color / Inglés - English
D: Sumo Science Aardman Animations

D: Nick Park

Fly

Wallace & Gromit - The
Wrong Trousers

Inglaterra, 2010 / 3’ / DM / Color / Inglés – English

Inglaterra, 1993 / 30’ / DM / Color / Inglés - English
D: Nick Park

D: Jay Grace

DC Nation - DC’s World’s
Funnest EP01
Inglaterra, 2011 / 1’ / DM / Color / Inglés - English
D: Richard Webber

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[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

baficito - aardman

Pythagasaurus

Shaun the Sheep - Cones

Inglaterra, 2011 / 4’ / DM / Color / Inglés - English

Inglaterra, 2013 / 7’ / DM / Color / Inglés - English

D: Peter Peake

D: Jay Grace, Lee Wilton

Aardman Logo

Morph - Sloped World

Inglaterra, 2012 / 2’ / DM / Color / Inglés - English

Inglaterra, 2014 / 2’ / DM / Color / Inglés - English

The Pirates! In an
Adventure with SCIENTISTS! So You Want To Be a Pirate

D: Peter Lord

Ray’s Big Idea
Inglaterra, 2014 / 3’ / DM / Color / Inglés - English
D: Steve Harding-Hill

Inglaterra, 2012 / 15’ / DM / Color / Inglés – English
D: Jay Grace

Aardman: Nathan Love!

Shaun the Sheep - 3DTV

Inglaterra, 2015 / 2’ / DM / Color / Inglés - English
D: Joe Burrascano

Inglaterra, 2013 / 7’ / DM / Color / Inglés - English
D: Jay Grace, Lee Wilton
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[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

163

little bafici - aardman

Programa - Wallace & Gromit
Wallace & Gromit Program

Si hay un milagro que ha generado la animación cuadro por
cuadro, ese es, sin dudas, Wallace y Gromit. Las creaciones
más famosas de Aardman son también la mejor celebración de
cientos de cosas que el cine ha hecho bien (desde lo mejor del
cine mudo hasta la proeza de que cada movimiento de esos
muñecos de plastilina implique una dedicación cien veces más
romántica que una computadora). El perro que lee Dostoievski
y el inventor comequeso conforman la dupla sobre la que Nick
Park ha generado cuatro cortos que saben respirar Abbot y
Costello, Ealing, Buster Keaton, la Hammer, Bill Murray y una
calidez e inteligencia que solo Bugs Bunny o Mickey Mouse
pueden generar. Wallace y Gromit son la mejor respuesta a la
digitalización en masa: cada una de sus aventuras se lee como
una exploración y proeza, antes que como merchandising que
hace fila para facturar millones. Son los últimos grandes héroes del cine de animación. Juan Manuel Domínguez

A Grand Day Out
Inglaterra, 1990 / 24’ / DM / Color / Inglés - English

A Close Shave
Inglaterra, 1995 / 31’ / DM / Color / Inglés - English

If there’s a miracle that came from frame-by-frame animation,
that’s definitely Wallace and Gromit. Aardman’s most famous
creations are also a celebration of hundreds of things cinema
did well (from the finest silent films to the amazing fact that
each movement of those clay dolls means a kind of dedication
that is a hundred times more romantic than a computer). The
Dostoyevsky-reading dog and the cheese-eating inventor form
the duo with which Nick Park has created four short films that
breathe Abbot and Costello, Ealing, Buster Keaton, the Hammer, Bill Murray, and a warmth and cleverness only Bugs Bunny or Mickey Mouse are able to generate. Wallace and Gromit
are the best answer to mass digitalization: every one of their
adventures can be interpreted as an exploration and a feat,
instead of just merchandising in line to make millions. They are
the last great heroes of animation cinema. JMD

D: Nick Park
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A Matter of Loaf and Death
Inglaterra, 2008 / 29’ / DM / Color / Inglés - English

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CLÁSICOS baficito / LITTLE
baficito
BAFICI
- aardman
CLASSICS

La máquina que
hace estrellas

Rodencia y el
diente de la princesa

2012 / Argentina / 80’ / D: Esteban Echeverría

2012 / Perú - Argentina / 85’ / D: David Bisbano

La primera película argentina de animación en 3D es también
una amable adaptación del mito del héroe. Pilo es un niño extraterrestre. Ama los relatos y la aventura, y quiere conocer
esas estrellas que ve desde su asteroide. Finalmente, la leyenda de su abuelo sobre una máquina que genera estrellas todas
las noches lo lleva a cumplir sus sueños.

En el medio del bosque existe Rodencia, un reino lleno de
magia, guerreros y leyendas. Edam, un pequeño aprendiz de
mago con varias materias en marzo, y Brie, la valiente ratona,
deben llevar a cabo un viaje en busca de un legendario poder.
Pero las cosas no serán simples, y nuestros héroes deberán
enfrentar peligros varios.

The first animated 3D film made in Argentina is also a kind depiction of the hero’s journey. Pilo is an alien boy. He loves stories
and adventure. He wants to know those stars he sees from his
asteroid. Finally, the legend of his grandfather about a machine
that creates stars every night will drive him to realize his dreams.

Hidden in the forest seats Rodencia, a kingdom full of magic,
warriors, and legends. Edam, a young magician apprentice that
is failing quite a few courses, and Brie, a brave mouse, will go
out in a journey to find a legendary power. But things aren’t
so simple, and our heroes will have to face several dangers.

Anina

Minúsculos

2013 / 80’ / Uruguay - Colombia
D: Alfredo Soderguit

2013 / 89’ / Francia
D: Thomas Szabo, Hélène Giraud

Cuando O menino e o mundo o Historia de un oso aún no
sugerían el boom de la animación latina de los últimos diez
años, Anina, el milagro uruguayo del género, dejaba en claro
que, con idiosincrasia, ternura y una belleza visual que no se
limitaba por la ausencia de recursos, se podía hacer la mejor
película posible.

El picnic ha terminado intempestivamente. Al alcance del ojo
humano, nada sucede. Pero esos preciados restos se convierten en la razón de una guerra épica entre las hormigas negras
y las rojas. Sin diálogos, apelando a la belleza de la serie de TV,
la primera película de Minúsculos fue celebrada mundialmente
por su inventiva.

Back when A Boy and the World, and Bear Story hadn’t yet
hinted the boom of Latin American animation in the last ten
years, Anina, a Uruguayan miracle within the genre, made clear
that you could make the finest of films with idiosyncrasy, tenderness, and a visual beauty unlimited by its lack of resources.

The picnic has ended suddenly. To the human eye, nothing is
happening. But those precious crumbs become the reason for
an epic battle between black and red ants. With no dialogues,
and appealing to the beauty of the TV show, the first Minúsculos film’s inventiveness was celebrated around the world.

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

165

cine planetario
planetarium cinema

planetarium cinema

Dinosaurs at Dusk:
The Origins of Flight
Dinosaurios al anochecer: los orígenes
del vuelo
Dinosaurs at Dusk es una aventura hacia el conocimiento entre
un padre y su hija Lucy, quienes comparten una fascinación
por todo lo que vuela. Viajarás al pasado para conocer a los
pterosaurios y los ancestros de las aves de hoy en día: los
dinosaurios con plumas. Lucy y su padre viajan de continente
a continente y buscan pistas acerca de los orígenes del vuelo.
Cuando el tiempo se acaba, experimentan de primera mano el
catastrófico “último día” de los dinosaurios.
Dinosaurs at Dusk is a learning adventure of a father and his
daughter Lucy, who share a fascination for all things that fly.
You’ll travel back in time to meet the pterosaurs and the ancestors of modern-day birds: the feathered dinosaurs. Lucy and
her father navigate from continent to continent, looking for
clues about the origins of flight. When time runs out they experience firsthand the cataclysmic “last day” of the dinosaurs.

Holanda - Netherlands, 2014
44’ / DM / Color / Español - Spanish
D, G, DA, PE: Robin Sip F: Peter Geerts, Leon Verschoor
E: Leon Verschoor, Robin Sip S: Bob Kommer Studios
M: Mark Slater CP: Mirage3D I: Anne Rats, Rick Verstraten
Contacto / Contact
Mirage3D. Akemi Makado
T +31 70 345 7500
E [email protected]
W mirage3d.nl ~ dinosaursatdusk.com

From Earth to the Universe
De la Tierra al universo
Este sorprendente viaje de 30 minutos a través del tiempo y
el espacio nos muestra el Universo revelado por la ciencia en
una impresionante combinación de imágenes y sonidos. Este
especial fue producido para el Planetario y Centro de Visitas
Supernova del Observatorio Europeo Austral, que se inaugurará en 2017.
This stunning 30-minute voyage through time and space conveys, through an arresting combination of sights and sounds,
the Universe revealed to us by science. The show was produced for the European Southern Observatory’s Supernova
Planetarium and Visitor Centre, to be opened in 2017.

Alemania - Germany, 2015
30’ / 4k / Color / Español - Spanish
D, P: Theofanis Matsopoulos G: Nicolas Matsopoulos, Lars Lindberg
Christensen, Anne Rhodes F: Theofanis Matsopoulos, Luis Calçada,
Martin Kornmesser CP: European Southern Observatory
Contacto / Contact
European Southern Observatory
W eso.org

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[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

cine planetario

One World, One Sky:
Big Bird’s Adventure
Un mundo, un cielo: la aventura de Big Bird
¡Los más chicos estarán muy entusiasmados al encontrarse en
Plaza Sésamo junto a Big Bird y Elmo! La diversión comienza
cuando Hu Hu Zhu, amigo de Elmo, llega de visita desde China. Los tres amigos, aficionados a la astronomía, emprenden
un emocionante viaje de descubrimiento en el que aprenderán
acerca del Sol, la Osa Mayor y más. Elmo y Hu Hu Zhu despegan en un viaje imaginario a la luna y, luego de volver a la
Tierra, descubrirán que, vivamos donde vivamos, todos compartimos el mismo cielo.
Young audiences will be thrilled to find themselves on Sesame
Street with Big Bird and Elmo! The fun begins when Elmo’s
friend, Hu Hu Zhu, visits from China and the three stargazing friends embark on an exciting journey of discovery to learn
about the Sun, the Big Dipper, and more. Elmo and Hu Hu Zhu
blast off on an imaginary trip to the Moon and after they return
home to Earth, everyone discovers that, no matter where we
live, we all share the same sky.

Estados Unidos - US, 2009
25’ / 4k / Color / Español - Spanish
D: Ken Diego G: Annie Evans F: Bill Berner
E: Marsha Moore-McKeever DA: Patrick McPike
S: Blake Norton M: Jeff Moss P: Christina Delfico
PE: Christina Delfico CP: Adler Planetarium, Sesame Workshop,
Beijing Planetarium, Liberty Science Center
Contacto / Contact
Adler Planetarium. Mark Webb
T +1 312 322 0826
E [email protected] W adlerplanetarium.org

Space Rock Symphony
Sinfonía de rock espacial
Experimentá un moderno cuento de hadas rockero en el
que e-guitarras, orquestas sinfónicas e imágenes cósmicas
se unen en un emocionante show. Hipnotizate con los más
grandes hits sinfónicos de rock de las últimas décadas. Al
ritmo de muchas de las grandes leyendas de la música,
nos dejamos llevar por el único lugar más infinito que el
universo: nuestra propia imaginación.
Experience a modern rock fairytale where e-guitars, symphonic orchestras and cosmic images combine into an
exciting show. Get hypnotized by the greatest symphonic
Rock-hits of the last decades. To the driving sound of many
of the greatest legends of rock we let ourselves be carried
away to the only place that is even more infinite than the
universe: our own imagination.

Alemania - Germany, 2015
50’ / 4k / Color
D, G, E, DA, P: Robert Sawallisch S: W. Don Eck CP: Sternevent
Contacto / Contact
Sternevent. Robert Sawallisch
T +49 364 188 5431
E [email protected]
W planetarium-jena.de

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

169

planetarium cinema

Waiting Far Away
Esperando a lo lejos
Un explorador del cosmos viajó demasiado lejos… y no puede
encontrar su hogar. ¿Qué misterios ha resuelto mientras estuvo perdido en el espacio?
An explorer of the cosmos has traveled too far… and can’t find
home. What mysteries has he uncovered while lost in space?

Estados Unidos - US, 2014 / 12’ / 4k / Color
Español - Spanish
D: Charles Hayden Planetarium G, E: Jason Fletcher
F, DA: Jason Fletcher, Wade Sylvester S, M: Wade Sylvester
CP: Charles Hayden Planetarium, Museum of Science
Contacto / Contact
Museum of Science. Jason Fletcher
T +51 2 695 7750
E [email protected]
W thefulldomeblog.com

Amigos, Inside the
Human Body
Luego de un misterioso encuentro y con la ayuda de una invención maravillosa, la “Habitación de Realidad Virtual”, tres niños
y un perro aprenderán de primera mano acerca de aquella
máquina increíble que es el cuerpo humano. Entenderán cómo
funciona el sentido de la vista, el cerebro, la mecánica del corazón y nuestro sistema digestivo. También deberán ayudar a
que el cuerpo luche contra un invasor que intentará provocarle
graves enfermedades.
After a mysterious meeting and with the help of a wonderful
invention, “The Virtual Reality Room,” three children and a dog
will learn firsthand about the incredible machine that is the human body. They will learn how the sense of sight works, about
the brain, the heart’s mechanics and our digestive system.
They will also have to help the body to fight off an invader who
will try to provoke bad illnesses.

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España - Spain, 2013 / 28’ / 4k / Color / Español - Spanish
D: Mark Brownlow CP: 3Duno
Contacto / Contact
Reef Distribution
T +49 891 8908 2699
E [email protected]
W reef-distribution.com ~ facebook.com/amigoslaserie

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

cine planetario

Kaluoka’hina, the
Enchanted Reef
Kaluoka’hina, el arrecife encantado
La inmensidad de los océanos de nuestro planeta guarda secretos. Uno de los más preciados es Kaluoka’hina, el arrecife
encantado cuya magia lo protege de que los humanos lo encuentren. Los coloridos habitantes de Kaluoka’hina han vivido
siempre en paz, hasta que el volcán entra en erupción y el hechizo se rompe. Ahora el joven Jake, el pez sierra, y su amigo
paranoico Shorty deberán restaurar la magia. Su única pista: la
antigua leyenda que habla de tocar la luna. Pero ¿cómo puede
un pez tocar la luna?
The vastness of our planet’s oceans guards secrets. One of
its most precious is Kaluoka’hina, the enchanted reef whose
magic protects it against humans finding it. Kaluoka’hina’s colorful inhabitants have thus always lived in peace until the volcano erupts, and the spell is broken. Now it’s up to the young
sawfish Jake and his paranoid pal Shorty to restore that magic.
Their only lead: the ancient legend that tells of touching the
moon. But how is a fish supposed to touch the moon?

Alemania - Germany, 2004 / 32’ / 4k / Color
Español - Spanish
D, G: Peter Popp E: Raul Erdossy DA: Daniel Ploechinger
M: Florian Käppler, Daniel Requard CP: Softmachine
Contacto / Contact
Reef Distribution
T +49 891 8908 2699
E [email protected]
W reef-distribution.com ~ kaluokahina.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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País invitado: Estados Unidos
Guest Country: United States
FUNCIÓN DE CLAUSURA /
OPENING NIGHT

Arquitectura /
Architecture

Rescates / rescues

Miles Ahead

TELOS: The Fantastic World
of Eugene Tssui

La chica de rosa

COMPETENCIA INTERNACIONAL /
INTERNATIONAL COMPETITION
Creative Control

COMPETENCIA VANGUARDIA
Y GÉNERO / AVANT-GARDE AND
GENRE COMPETITION
Bone Tomahawk
Solitary Acts
Something Between Us

BAFICITO / LITTLE BAFICI
El gigante de hierro

Planetario / planetarium
cinema

Film
Notfilm

Comer y Beber /
Eat & Drink

Peter Bogdanovich

In Defense of Food

La última película
Luna de papel

Hacerse Grande /
Coming of Age
God Bless the Child
The Diary of a Teenage Girl

Música / Music
American Epic Trilogy
I Saw the Light
Junun

Míralos morir
One Day Since Yesterday:
Peter Bogdanovich & the Lost
American Film
¿Qué pasa, doctor?
Terapia en Broadway
Tom Petty and the Heartbreakers:
Runnin’ Down a Dream

Michael Jackson’s Journey from
Motown to Off the Wall

Rick Alverson

The American Epic Sessions

Entertainment

Waiting Far Away

The Damned: Don’t You Wish That
We Were Dead

New Jerusalem

Trayectorias / Careers

The Jazz Loft According to W.
Eugene Smith

The Comedy

One World, One Sky: Big Bird’s
Adventure

The Builder

Grandma
Little Men

Cinefilias / Cinephilias
Harold and Lilian. A Hollywood
Love Story
Hitchcock/Truffaut
The 1000 Eyes of Dr. Maddin

Personas y Personajes /
People & Characters

Pasiones / Passions

Bob Byington

Funny Bunny

7 Chinese Brothers
Harmony and Me

Artes / Arts

RSO (Registered Sex Offender)

Uncle Howard

Somebody Up There Likes Me

Nocturna / Late Night
Green Room
The Missing Girl

Linefork

Matthew Barney
Cremaster 1 - 5

Nuts!

Lugares / Places

Michel Legrand

Our Nixon

Las Vegas in 16 Parts

El caso Thomas Crown

172

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

trayectorias
careers

careers

11 Minutes
11 minut
11 minutos
Múltiples historias suceden y se cruzan en la moderna Varsovia, y demuestran todo lo que puede acontecer en un tiempo
breve pero suficiente para proporcionar un fascinante frenesí
a una película joven y arriesgada.

The multiple stories that take place and connect in modern
Warsaw prove all the things that can happen in a small period
of time that is yet long enough to provide a fascinating frenzy
to a young and risky film.

Estirar el tiempo, multiplicar las historias para que el relato regrese a los mismos instantes. Pero con ninguna concesión al
tedio y con un combate denodado contra la obviedad y el simple desarmado y rearmado sobre lo ya contado, como explotó
el mexicano Iñárritu en parte de su filmografía. Estas historias
conectadas se cargan de tensión progresivamente, mediante
uniones alejadas del amor y cercanas al espanto. Todos tienen
sus razones, sus venganzas, sus miserias, sus intereses. O simplemente el azar une sus destinos de la peor manera posible. Es
decir, el azar o la sabiduría maligna y vitriólica de Skolimowski,
que sabe por veterano pero más sabe por diablo, por demiurgo
en pleno uso de sus capacidades cinematográficas. Dicho de
forma breve: la explosiva y expansiva 11 Minutes es una película imperdible. Javier Porta Fouz

Stretching time, multiplying the stories in order for the plot to go
back to the same instants. But avoiding any kind of tedium and
daringly battling against the obvious and the simple disarming
and rearming on what’s already been told, something Mexican
director Iñárritu has exploited in part of his filmography. These
interconnected stories build up the tension through unions that
have more to do with terror than love. Everyone has their own
reasons, their own revenges, their own miseries, their own interests. Or maybe chance just joins their destinies in the worst
possible way. That is, chance or the malignant, vitriolic wisdom
of Skolimowski, who knows from experience but also for being
an old devil, an evil demiurge in his full cinematic power. In
short: the explosive, expansive 11 Minutes is a must-see. JPF

Jerzy Skolimowski

Polonia / Irlanda - Poland / Ireland, 2015
81’ / DCP / Color / Polaco / Inglés - Polish / English

Nació en Lodz, Polonia, en 1938. Estudió cine en la Escuela de Lodz. Su
primer film fue Rysopis (1964). Luego dirigió, entre otros, Barrera (1966),
King, Queen Knave (1972),The Shout (1978), The Lightship (1985), Four
Nights with Anna (2008; Bafici ‘09) y Essential Killing (2010; Bafici ‘11).
He was born in Lodz, Poland, in 1938. He studied filmmaking at the
School of Lodz. Rysopis (1964) was his directorial debut. He later directed many films, including Barrera (1966), King, Queen Knave (1972), The
Shout (1978), The Lightship (1985), Four Nights with Anna (2008; Bafici
‘09) and Essential Killing (2010; Bafici ‘11).

174

D, G: Jerzy Skolimowski F: Mikolaj Lebkowski, Bernard Walsh
E: Agnieszka Glinska M: Pawel Mykietyn P: Ewa Piaskowska,
Jerzy Skolimowski CP: Skopia Film, Element Pictures
I: Richard Dormer, Paulina Chapko, Wojciech Mecwaldowski,
Andrzej Chyra, Dawid Ogrodnik
Contacto / Contact
The Festival Agency
T +33 954 904 863
E [email protected]
W thefestivalagency.com ~ 11minut.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

trayectorias

Between Fences
Entre cercas
Avi Mograbi decide empezar un taller de teatro en un centro de
detención en el desierto israelí, cerca de la frontera con Egipto.
Allí se alberga personas procedentes de Eritrea y Sudán, inmigrantes que no pueden regresar a sus países, pero tampoco
tienen un futuro en Israel.

Avi Mograbi decides to start a theater workshop in a detention center located in the Israeli desert near the Egyptian border, which holds people from Eritrea and Sudan, immigrants
who aren’t able to return to their countries and don’t have a
future in Israel.

El director teatral Chen Alon recupera los preceptos de Augusto
Boal y su denominado Teatro del Oprimido, y organiza una serie
de talleres en el Centro de Detención de Holot, para los que
cuenta con un grupo de refugiados procedentes de Eritrea y
Sudán. Los miembros de esta compañía –cuerpos vacíos, inertes, sin estatus legal para las leyes de Israel– encuentran en los
ensayos un modo de no renunciar a su identidad y recuperar
sus respectivos itinerarios vitales. La narración oral, la gestualidad y, finalmente, la música pasarán entonces a ser espacios de
resistencia y autoafirmación frente a la barbarie y el sin sentido.
Avi Mograbi cede en su habitual querencia por la sátira y lo
autorreferencial para entregarnos uno de los films más generosos y extremadamente emocionantes de su carrera. Fran Gayo

Theater director Chen Alon brings back the precepts of Augusto
Boal and hi so-called Theater of the Oppressed, and organizes
a series of workshops at the Holot Detention Center with the
participation of refugees coming from Eritrea and Sudan. The
members of this company –empty, inert bodies with no legal
status under Israeli legislation– find in the rehearsals a way of
maintaining their identity and recover the itinerary of their lives.
Oral narration, gestures, and, in the end, music will then become areas of resistance and self-affirmation against barbaric
forces and nonsense. Avi Mograbi tones down his usual taste for
satire and self-reference and delivers us one of the most generous and extremely emotional films of his career. FG

Avi Mograbi
Nació en Israel en 1956. Estudió filosofía y arte, y dirigió varios cortos y
largos documentales, entre ellos August: A Moment Before the Eruption
(2002), Avenge But One of My Two Eyes (2005) y Z32 (2008; Bafici ‘09).
He was born in Israel in 1956. He studied philosophy and art, and directed
several documentary films, including August: A Moment Before the Eruption
(2002), Avenge But One of My Two Eyes (2005) and Z32 (2008; Bafici ‘09).

Francia / Israel - France / Israel, 2016 / 84’ / DM / Color
Árabe / Hebreo / Inglés - Arabic / Hebrew / English
D, G, E: Avi Mograbi F: Philippe Belleaiche DA: Chen Alon
S: Dominique Vieillard P: Camille Laemlé, Serge Lalou, Avi Mograbi
CP: Les Films D’ici, Avi Mograbi Films
Contacto / Contact
Doc and Film International. Fleur Pliskin
T +33 142 775 687
E [email protected]
W docandfilm.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

175

careers

Boris sans Béatrice
Boris without Béatrice
Boris sin Béatrice
Un hombre de negocios comienza una relación extramarital con
la joven que cuida a su esposa, una ministra de Canadá que se
encuentra postrada en su cama a causa de una depresión.

A businessman starts an extramarital relationship with the
young woman who takes care of her wife, a Canada minister
who is bedridden due to depression.

Un sueño y una pesadilla (de clase), una libre representación
de un examen de conciencia (del personaje o del cineasta), una
alegoría materialista con reminiscencias a la mitología griega, y
quizás también una tortura afectiva a los poderosos del mundo. Inclasificable, este es un indesmentible film de Denis Côté.
Un poderoso empresario ruso tiene que lidiar con la depresión
melancólica de su mujer, miembro del gabinete de gobierno. La
catatonia y amnesia de Beatrice está misteriosamente ligada
a la prepotencia y vanidad de Boris, quien tiene aventuras con
distintas empleadas y cuyos lazos familiares están postergados
por la lógica de los negocios. En esas coordenadas simbólicas,
Côté trabaja sobre los vínculos de sus personajes sin descuidar
la puesta en escena pletórica de pequeñas decisiones formales
tan elegantes como circunspectas. Roger Koza

A dream and a (social class) nightmare, a free representation of
a conscience exam (for the character or the filmmaker), a materialist allegory with echoes of Greek mythology, and maybe also
an emotional torture for powerful people in the world. Unclassifiable, this is an undeniable film by Denis Côté.A powerful Russian
businessman has to deal with the melancholic depression suffered by his wife, a government cabinet member. Beatrice’s catatonia and amnesia are mysteriously linked to Boris’ arrogance
and vanity, as he carries affairs with different employees while
his family ties are postponed by the logic of business. On those
symbolic coordinates, Côté works on the relationships between
the characters without neglecting his plethoric setting, filled with
tiny formal decisions that are both elegant and circumspect. RK

Denis Côté

Canadá - Canada, 2016 / 93’ / DCP / Color
Francés / Inglés / Ruso - French / English / Russian

Nació en Canadá en 1973, y estudió cine en el Collège Ahuntsic de
Montreal. Se desempeñó como periodista y realizó los largometrajes Les
États Nordiques (2005; Bafici ‘06), Nos vies privées (2007, Bafici ‘08),
Elle veut le chaos (2008; Bafici ‘09), Carcasses (2009, Bafici ‘10), Curling
(2010; Bafici ‘11) y Bestiaire (Bafici ‘12).
He was born in Canada in 1973, and studied film at the Collège Ahuntsic
in Montreal. He worked as a journalist and directed the films Drifting
States (2005; Bafici ‘06), Our Private Lives (2007, Bafici ‘08), All That
She Wants (2008; Bafici ‘09), Carcasses (2009, Bafici ‘10), Curling
(2010; Bafici ‘11) and Bestiaire (Bafici ‘12).

176

D, G: Denis Côté F: Jessica Lee Gagné E: Nicolas Roy
DA: Louisa Schabas S: Frédéric Cloutier,
Bernard Gariépy-Strobl P: Sylvain Corbeil, Nancy Grant
PE: Michel Merkt CP: Meta Films I: James Hyndman,
Simone Élise-Gerard, Denis Lavant, Isolda Dychauk, Dounia Sichov
Contacto / Contact
Films Boutique. Josephine Settmacher
T +49 306 953 7850
E [email protected]
W filmsboutique.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

trayectorias

El nome de los árboles
The Name of the Trees
El nombre de los árboles
Un pequeño equipo de rodaje recorre Asturias en busca de los
lugares donde se desarrollaron las principales emboscadas
contra la Guerrilla Republicana (1937-1952). En ese viaje, se
encuentran con muchas personas dispuestas a compartir con
ellos sus recuerdos de aquellos tiempos.

Ramón Lluís Bande documentó la investigación que condujo a
su film Equí y n’otru tiempu, las excursiones para localizar los
lugares de la memoria y las conversaciones con los vecinos
que, con naturalidad, desvelan la represión de los militantes
republicanos que mantuvieron la lucha armada contra el franquismo tras la Guerra Civil. El resultado podría ser un mero extra
de DVD, pero no es el caso; esta es una película extraordinaria,
tan sencilla como poderosa. Puede no haber pruebas para el
trabajo científico de los historiadores, o pueden estar ocultas,
pero lo que sí tenemos es el relato del horror tal y como fue
preservado por los que lo vivieron y por sus descendientes. Una
inspiradora reivindicación de la palabra y de la Historia contada:
la de un país más allá de las versiones oficiales. Martin Pawley

Ramón Lluís Bande
Nació en Xixón, España, en 1972. Es escritor, cineasta y director de
videoclips. Entre sus películas se destacan El fulgor (2002; Bafici ‘03),
Estratexa (2003), Un retratu colectivu (2005) y Equí y n’otru tiempo
(2014; Bafici ‘15).
He was born in Xixón, Spain, in 1972. He’s a writer, a filmmaker, and
music video director. El fulgor (2002; Bafici ‘03), Estratexa (2003), Un
retratu colectivu (2005) and Equí y n’otru tiempo (2014; Bafici ‘15) are
some of his films.

A small film crew moves through Asturias in search of the
places where the main ambushes against the Republican
Guerrilla (1937-1952) took place. In that trip, they meet several
people willing to share with them their memories of that time.

Ramón Lluis Bande documented the research that lead him to
his film Equí y n’otru tiempu, the scouting trips to find the remembered areas, and the conversations with neighbors who
reveal in a natural way the repression against Republican activists who waged war against the Franco regime after the Civil
War. The result may very well be a DVD extra feature, but it’s
not the case here: this is an extraordinary film, as simple as it is
powerful. The scientific work of historians might not have proof,
or they may be hidden, but what we do have is the testimony
of horror, just as it was preserved on those who experienced it
and their descendants. This is an inspiring vindication of the
spoken word and the narrated history of a country, beyond official stories. MP

España - Spain, 2015 / 102’ / DCP / Color
Asturiano / Español - Asturian / Spanish
D, G: Ramón Lluís Bande F: Juan A. García, E: Dani Álvarez
S: Antonio De Benito P: Vera Robert CP: De la Piedra Producciones
I: Nicanor Rozada, Quilino’l de Polio, Vicente Gutiérrez Solís
Contacto / Contact
De la Piedra Producciones. Vera Robert
T +34 615 022 976
E [email protected]
W delapiedraproducciones.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

177

careers

El rey de La Habana
The King of Havana
Reinaldo, un adolescente que acaba de escaparse de un centro
penitenciario, emprende su camino de regreso a La Habana.
La nostalgia, el ron y el sentido del humor son su única compañía durante la travesía, hasta que conoce a Magda.

Reinaldo is a teenage boy who recently escaped from a penitentiary unit and sets on a journey back home to Havana. Nostalgia, rum, and his sense of humor are the only travel mates
he has, until he meets Marga.

El rey de La Habana debe tener uno de los comienzos más terribles que se hayan filmado; sin embargo, esta serie de hechos
trágicos son mostrados con velocidad y sin miserabilismos. Lo
que sigue después de eso toma caminos impredecibles y desaforados. Hay sexo (mucho y desprejuiciado), violencia (de vez
en cuando), hurto (alguno que otro) y hasta un ritual posiblemente mágico; todo en las calles marginales de la ciudad que
se anuncia en el título. Mientras transcurre esto, sucede una
película de antihéroes que respira energía en un territorio donde
no hay tiempo para pensar en las desgracias pasadas y muy
poco margen para planificar un futuro. El mérito de la película
está en que nos convence de que aún en esos espacios hay lugar para momentos transitorios de luminosidad. Hernán Schell

The King of Havana must have one of the most terrible beginnings ever filmed; however, this series of tragic events is shown
at a fast pace and without any kind of sensationalism. There’s
sex (lots of it, and uninhibited), violence (sometimes), theft (a
few) and even a possibly magical ritual; all of this in the marginal
city announced in the title. While this happens, an energetic film
about antiheroes takes place, in a territory where there’s no
time to think about past misfortune and very few chances of
planning a future. The film’s merit lies on convincing us that,
even in those spaces, there’s place for temporary moments of
luminosity. HS

Agustí Villaronga
Nació en Mallorca, España, en 1953. Es licenciado en Geografía e Historia. Ha trabajado como profesor, director artístico, decorador, estilista y
realizador de videos de moda. Dirigió varios largometrajes, entre ellos, El
mar (2000) y Pan negro (2010).
He was born in Mallorca, Spain, in 1953. He majored in Geography and
History. He worked as a professor, an artistic director, a decorator, a stylist, and a fashion video-maker. He directed several feature-length films,
including El mar (2000) and Black Bread (2010).

178

España / República Dominicana - Spain / Dominican Republic
2015 / 124’ / DCP / Color
Español - Spanish
D, G: Agustí Villaronga F: Josep M. Civit E: Raúl Román DA: Alain
Ortiz S: Franklin Hernández, Fernando Novillo M: Joan Valent P: Luisa
Matienzo PE: Luisa Matienzo, Celinés Toribio CP: Pandora Cinema,
Tusitala PC I: Maykol David Tortoló, Yordanka Ariosa, Héctor Medina
Contacto / Contact
Filmax Internacional. Iván Díaz
T +34 933 368 555
W [email protected] ~ filmaxinternational.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

Foto / Photo: Tudor Lucaciu

trayectorias

El vecino
One Floor Below
Un etaj mai jos
Después de haber sido el único testigo de una pelea doméstica que termina en un asesinato, Patrascu decide callarse y
continuar con su vida, hasta que el posible asesino comienza
a acercarse a su mujer y a su hijo.

After being the sole witness to a domestic fight that ended up
with a murder, Patrascu decides to keep quiet and move on
with his life, until the possible killer starts to get close to his
wife and son.

El director de Aquel martes después de Navidad parte de una
premisa en apariencia ridícula (la búsqueda de un tesoro en el
jardín de una casa en la actualidad por parte de tres patéticos
antihéroes) para luego construir un film con múltiples alcances,
que tienen que ver con la tentación, el miedo a ser descubierto
y castigado, el sentido de la aventura y la fantasía, y el orgullo
de un padre de ser el “héroe” para su pequeño hijo de seis
años. Como suele ocurrir con los distintos trabajos de Corneliu
Porumboiu y con una parte importante de los exponentes del
nuevo cine de su país, esta suerte de cuento de hadas absurdo
e inquietante propone varias lecturas con muy amplias connotaciones. Diego Batlle

The director of Tuesday, After Christmas starts with a premise that seems ridiculous (a treasure hunt in the garden of a
house lead by three pathetic antiheroes), and later builds a film
with multiple ranges that deal with temptation, the fear of being
discovered and punished, the sense of adventure and fantasy,
and a father’s pride for being a “hero” to his six year old son.
As it usually happens in the films from Corneliu Porumboiu and
most of the exponents of his country’s new cinema, this sort of
absurd and disturbing fairy tale lays out several interpretations
with varied connotations. DB

Radu Muntean
Nació en Bucarest, Rumania, en 1971. Dirigió cinco largometrajes, entre
ellos Boogie (2008; Bafici ‘09) y Aquel martes después de Navidad (2011).
He was born in Bucharest, Romania, in 1971. He directed five featurelength films, including Boogie (2008; Bafici ‘09) and Tuesday, After
Christmas (2011).

Rumania / Francia / Alemania / Suecia
Romania / France / Germany / Sweden, 2015 / 93’
DCP / Color / Rumano - Romanian
D: Radu Muntean G: Alexandru Baciu, Radu Muntean,
Razvan Radulescu F: Tudor Lucaciu E: Alexandru Radu
DA: Sorin Dima S: Andre Rigaut P: Dragos Vilcu CP: Multi Media Est
I: Teodor Corban, Iulian Postelnicu, Oxana Moravec
Contacto / Contact
Zeta Films. Carlos Pascual Zumbo
T +54 11 4371 4801
E [email protected] W zetafilms.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

179

careers

Francofonia
Haciendo foco en el Louvre, espacio que las autoridades nazis
decidieron proteger durante la ocupación que llevaron adelante durante la Segunda Guerra Mundial, y a través del relato de
Jacques Jaujard y el conde Franz Wolff-Metternich, Sokurov
investiga la relación del arte con el poder.

Sokurov inquires into the connection between art and power
by focusing on the Louvre –a place Nazi authorities decided to
protect during their occupation in World War II– and through
the testimonies of Jacques Jaujard and Count Franz WolffMetternich.

Suerte de secuela de El arca rusa, Francofonia es mucho más
que la simple historia del museo más emblemático de Francia.
Para el cineasta ruso, el Louvre es el epítome de toda la cultura
occidental, algo que refleja el episodio central de este ensayo
en el que se combinan las reflexiones en primera persona con
las imágenes de archivo y las reconstrucciones. A través de la
relación entre el director del Louvre y el oficial nazi que protegió
los tesoros del museo desoyendo las órdenes de destrucción
de sus superiores, Sokurov establece un demoledor paralelismo
entre la ocupación de París y el sitio de Leningrado, entre el
laissez faire de unos y la resistencia numantina de otros; en definitiva, entre el respeto de una cultura compartida y el borrado
de otra, la eslava, a la que se aborrecía. Jaime Pena

A sort of sequel to The Russian Ark, Francofonia is more than
a simple story of the most emblematic museum in France. For
the Russian filmmaker, the Louvre is the summary of all Western
culture, and we can see this in the main chapter of this essay
that combines first-person reflections with archive footage and
reconstructions. Through the relationship between the Louvre
director and the Nazi officer who protected those world treasures against the destruction orders from his superiors, Sokurov establishes a devastating parallel between the occupation
of Paris and the siege of Leningrad, between one side’s laissez
faire and the other’s heroic resistance. In the end, it’s between
the respect for a shared culture, and the erasing of another,
despised one: the Slavonic. JP

Aleksandr Sokurov
Nació en 1951 en Siberia. Estudió historia y luego ingresó al Instituto de
Cinematografía de Moscú. En 2002 Bafici le dedicó un foco a su cinematografía y se proyectaron Spiritual Voices (1995), A Humble Life (1997) y
Elegy of a Voyage (2001).
He was born in 1951 in Siberia. He studied history and later entered the
Moscow Film Institute. In 2002, Bafici held a Focus on his work, with
screening of Spiritual Voices (1995), A Humble Life (1997) and Elegy of
a Voyage (2001).

Francia / Alemania / Holanda - France / Germany / Netherlands,
2015 / 87’ / DCP / Color / Ruso / Francés / Alemán
Russian / French / German
D, G: Aleksandr Sokurov F: Bruno Delbonnel E: Alexei Jankowski,
Hansjorg Weissbrich S: Andre Rigault, Jac Vleeshouwer, Ansgar Frerich
M: Murat Kabardokov P: Pierre-Olivier Bardet, Thomas Kufus, Els
Vandevorst, Olivier Pere, Remi Burah CP: Ideale Audience, Zero One
Film, N279 Entertainment, Arte France Cinema, Le Musee du Louvre
I: Louis-Do de Lencquesaing, Benjamin Utzerath, Vincent Nemeth,
Johanna Korthals Altes
Contacto / Contact
CDI Films W cdifilms.com.ar

180

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

trayectorias

Garoto
Kid
Niño
El cineasta brasileño cuenta la historia de amor de dos jóvenes que se encuentran en un lugar encantado en el que
viven un romance. Pero todo cambiará cuando uno de ellos
cometa un delito.

The Brazilian filmmaker tells the love story of two youngsters who meet and have a love affair in an enchanted
place. But everything will change when one of them commits a felony.

Bressane empieza siempre de nuevo, o hace como si empezara,
con un impulso y una distinción poética que parecen pertenecerle solo a él mismo. Un chico y una chica deambulan por un
paisaje que podría ser la representación más o menos acreditada de alguna clase de paraíso; ligera pero pedestre, una
disposición del espíritu más que una altura celeste de carácter
sublime. En definitiva, se trata de una historia de pareja: arrobamiento, recelos, ruptura, pérdida de la alegría, soledad y acaso
reencuentro. El director filma con una gracia deslumbrante y
la serenidad de un auténtico maestro; cada plano remite a la
belleza añorada de un cine que parecía perdido para siempre
y nos recuerda la naturaleza de fragilidad esencial que rige el
destino de los personajes. David Obarrio

Bressane is constantly starting from scratch –or he does so as if
he were– with a kind of impulse and poetic distinction that seem
to be his exclusive property. A boy and a girl wander around a
setting that may very well be the rather accurate representation
of some sort of paradise: light and yet pedestrian, a disposition
of the spirit rather than a sublime, heavenly scenario. In the end,
it’s about a couple: rapture, mistrust, rupture, lost joy, loneliness,
and perhaps a reunion. The director works with a dazzling grace
and the serenity of a true master. Every shot reminds us of the
essentially fragile nature that rules over the characters’ fate. DO

Júlio Bressane

Brasil - Brazil, 2015
76’ / DCP / Color
Portugués - Portuguese

Nació en Brasil en 1946. Dirigió numerosos largometrajes, entre ellos
Miramar (1997), Filme de amor (2003) y Cleopatra (2007), exhibidos en
la retrospectiva que le dedicó el Bafici en 2013.
He was born in Brazil in 1946. He directed several feature-length films
including Miramar (1997), Filme de amor (2003) and Cleopatra (2007),
screened in the retrospective of his work held by Bafici in 2013.

D: Júlio Bressane G: Júlio Bressane, Rosa Dias F: Pepe Schettino
E: Rodrigo Lima DA: Moa Batsow S: Damião Lopes
M: Guilherme Vaz P: Júlio Bressane, Bruno Safadi
PE: Fernanda Romero CP: TB Produções I: Marjorie Estiano,
Gabriel Leone, Josie Antello
Contacto / Contact
TB Produções. Bruno Safadi
T +55 21 988 618 880
E [email protected]

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

181

careers

Grandma
Abuela
Elle rompe con su novia Olivia cuando su nieta Sage aparece
inesperadamente pidiéndole dinero. Aún dolidas por su separación, ambas pasarán todo el día visitando a antiguos amigos,
lo que hará que comiencen a develarse secretos del pasado.

Elle breaks up with her girlfriend Olivia when her granddaughter Sage appears unexpectedly and asks her for money. They
end up spending the day visiting old friends, which will make
some secrets from the past come to light.

Grandma abre con una cita de Eileen Myles (“El tiempo pasa,
eso seguro”) sucedida por la placa “Finales”. Así, antes de que
se nos presente a Elle, ya podemos conocerla. La división episódica tiene una connotación literaria que revela que esa mujer
misántropa hace de la palabra su aliada en la confrontación.
Luego de perder a su esposa, se recluye en su casa y se mueve
desprendida del entorno. Asimismo, el tiempo pasa para Sage,
la nieta adolescente que le golpea la puerta para plantear la
urgencia: está embarazada y necesita dinero para un aborto.
El quiebre de los estereotipos tiene como germen el brusco
choque de Sage con su abuela, quien no tiene plata pero sí
un Dodge modelo ‘55 que les permitirá emprender un road trip
para solucionar el conflicto. Desde una clínica devenida café
hasta una edición devaluada de La mística femenina, en ese
recorrido Elle sale de su burbuja para reconocer que la vida que
llevaba ya no la representa. Milagros Amondaray

Grandma opens with a quote by Eileen Myles (“Time passes, that’s
for sure”) followed by a card with the word “endings.” This way,
we can get to know Elle before her being introduced to us. The
episodic division has a literary connotation that reveals this misanthropic woman turns words into her allies during confrontation.
After losing her wife, she locks herself up at her home and moves
around detached from her environment. Likewise, time goes by for
Sage, the teenage granddaughter who knocks on her door to pose
an urgency –she is pregnant and needs money for an abortion. The
breakdown of stereotypes has the sharp clash between Sage and
her grandmother as its root. The latter has no money, but she does
own a ‘55 Dodge that will allow them to embark on a road trip in
order to solve the conflict. From a café that used to be a clinic to a
devalued edition of The Feminine Mystique, it is during this journey
that Elle comes out of her bubble and acknowledge that her past life
hasn’t represented her for a while. MA

Paul Weitz

Estados Unidos - US, 2015 / 79’ / DCP / Color / Inglés - English

Nació en Nueva York en 1965. Comenzó a trabajar en cine junto a su
hermano Chris, con quien ha codirigido tres películas: American Pie
(1999), De vuelta a la tierra (2001) y Un gran chico (2002). Entre las películas que ha dirigido él solo se encuentran En buena compañía (2004) y
Los pequeños Focker (2010).
He was born in New York in 1965. He started working in films along with
his brother Chris, with whom he has co-directed three films: American
Pie (1999), Down to Earth (2001) and About a Boy (2002). Among the
films he has directed independently are In Good Company (2004) and
Little Fockers (2010).

182

D, G: Paul Weitz F: Tobias Datum DA: Cindy Chao, Michele Yu
M: Joel P. West P: Paul Weitz, Andrew Miano, Terry Dougas,
Paris Latsis PE: Stephanie Meurer, Dan Balgoyen,
Danielle Renfrew Behrens I: Lily Tomlin, Julia Garner, Marcia Gay
Harden, Judy Greer, Laverne Cox
Contacto / Contact
Sony Pictures in Argentina. Cecilia Chiappano
E [email protected]
W uip.com.ar

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

trayectorias

Informe general II.
El nuevo rapto de Europa
General Report II. The New Abduction of Europe
La película más reciente de Pere Portabella trata la dimensión
política, económica, social y cultural de la crisis actual de la
democracia parlamentaria y los movimientos sociales surgidos del 15-M.

The latest film by Pere Portabella deals with the political, financial, social, and cultural dimensions of the current crisis in
the country’s parliamentary democracy and social movements
emerged after 15-M.

Con un desapego de dandy y la severidad sensible del que se
zambulle con la misión de retratar un mundo que parece alterarse en cada parpadeo, Pere Portabella consigue las imágenes
más libres y no comprometidas de los asuntos municipales que
a priori más se prestaban a las artimañas de una contemplación
arrobada. Manifestaciones fervorosas en la Puerta del Sol de
Madrid, asambleas, acampes, marchas de los partidarios del
independentismo catalán, actos en los que la agrupación Podemos ofrece al mundo sus primeros balbuceos: retratos de un
universo cotidiano que adquieren en la distancia rasgos oblicuos, casi extraterrestres. Informe general II no parece tomar
partido, excepto por el de una falta de certezas radical. La elegancia formal de la película es capaz de contener las imágenes
en una lejanía cuya marca constitutiva indeclinable no es otra
que un signo de interrogación. David Obarrio

With a dandy-like detachment and the sensible severity of those
who dive on a mission to depict a world that seems to be constantly changing, Pere Portabella captures free, uncompromised
images of municipal affairs that could have been tempered with
by an enchanted contemplation. Fervent demonstrations at Madrid’s Puerta del Sol, assemblies, camps, marches of Catalonian independence supporters, rallies where Podemos speaks
its first words to the world: these are all portraits of an everyday
universe that acquires strange, almost extraterrestrial features
when seen from a distance. General Report II doesn’t seem to
pick a side, except for the one of a complete lack of certainties.
The formal elegance of the film is capable of containing the
images in a distant place whose essential characteristic is a
question mark. DO

Pere Portabella
Nació en Figueras, España, en 1929. Con su productora Films 59 estuvo detrás de películas como El cochecito (1960), de Marco Ferreri, y
Viridiana (1961), de Luis Buñuel. Entre sus películas como director se
encuentran Vampir-Cuadecuc (1970), exhibida en el foco que le dedicó
el Bafici ‘06, y Die Stille vor Bach (2007; Bafici ‘08).
He was born in Figueras, Spain, in 1929. His production company Films
59 was behind sich films as Marco Ferreri’s The Little Coach (1960),
and Luis Buñuel’s Viridiana (1961). He directed several films, including
Vampir-Cuadecuc (1970), screened in the focus on his work held by
Bafici ‘06 and Die Stille vor Bach (2007; Bafici ‘08).

España - Spain, 2015 / 126’ / DCP / Color
Español / Catalán - Spanish / Catalan
D: Pere Portabella F: Elisabet Prandi E: Òskar Gómez
S: Albert Manera P: Pasqual Otal CP: Films 59 I: Ada Colau,
Paul B. Preciado, Iñigo Errejón, Manuel Borja-Villel
Contacto / Contact
Films 59. Pasqual Otal
T +34 932 155 612
E [email protected]
W films59.com ~ informegeneral2.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

183

careers

Journal d’une femme de chambre
Diary of a Chambermaid
Diario de una camarera
Adaptación de la novela homónima de Octave Mirbeau. En un
pueblo de Normandía a fines del siglo XIX, la joven y bella Celestine va anotando en su diario íntimo los acontecimientos de
su llegada a una gran mansión como sirvienta de una familia
burguesa.

An adaptation of the homonymous novel by Octave Mirabeau.
Set in a town in Normandy in the late 19th century. The young
and beautiful Celestine writes down on her journal the details
of her arrival to a big mansion to serve a bourgeois family.

Luego de Jean Renoir en 1946 y de Luis Buñuel en 1964, ahora
le toca a Benoît Jacquot darle a la novela de Octave Mirbeau un
toque del siglo XXI. Mirbeau escribió esta novela en 1900 como
un ataque a la sociedad parisina luego del escándalo de Dreyfus
en 1894, y Jacquot no dejó afuera ningún elemento de sátira
social. Pero el suyo es un viaje más personal, que gira alrededor
del personaje de la mucama. La Célestine de Léa Seydoux es
una pícara joven que siente que la vida no la ha tratado bien.
Es obligada a servir a mujeres de clase media que desconfían
de su belleza y a sus mujeriegos maridos que quieren poner
en práctica el anticuado derecho de pernada. La película de
Jacquot es menos abiertamente política que sus antecesoras,
pero es un fascinante retrato de un sistema de clases y una
mentalidad que aún hoy hacen mella. Judith Prescott

After Jean Renoir in 1946 and Luis Buñuel in 1964, it’s down to
Benoît Jacquot to give Octave Mirabeau’s novel a 21st century
twist. Mirabeau wrote his novel in 1900 as an attack on Parisian
society following the Dreyfus scandal in 1894, and Jacquot’s
film has removed none of the intended social satire. But his is
more of a personal journey based around the character of the
chambermaid. Léa Seydoux’s Célestine is a sassy young woman
who feels life has dealt her a dud hand. She is forced to serve
both middle class women who mistrust her beauty and their
philandering husbands who want to exercise an outdated Droit
de Seigneur. Jacquot’s film is less overtly political than those
of his predecessors, but it’s a fascinating portrayal of a class
system and mindset that still resonate today. JP

Benoit Jacquot

Francia / Bélgica - France / Belgium, 2015
95’ / DCP / Color / Francés - French

Nació en París en 1947. Dirigió una veintena de largometrajes, entre los
que se destacan sus cuatro colaboraciones con la actriz Isabelle Huppert,
además de Villa Amalia (2009; Bafici ‘15) y Adiós a la reina (2012).
He was born in Paris in 1947. He directed twenty feature-length films,
including four collaborations with actress Isabelle Huppert, as well as Villa
Amalia (2009; Bafici ‘15) and Farewell, My Queen (2012).

D: Benoit Jacquot G: Helene Zimmer, Benoit Jacquot
F: Romain Winding E: Julia Gregory DA: Katia Wiszkop
S: Pierre Mertens M: Bruno Coulais P: Jean-Pierre Guerin
PE: Kristina Larsen CP: Les Films du Lendeman, JPG Films
I: Léa Seydoux, Vincent Lindon
Contacto / Contact
Elle Driver. Sémira Hedayati
T +33 156 434 879
E [email protected] W elledriver.fr

184

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

trayectorias

L’Avenir
Things to Come
El porvenir
Nathalie enseña filosofía en una escuela secundaria en París.
Casada y con dos hijos, divide su tiempo entre su familia, sus ex
alumnos y su madre. Un día, su marido anuncia que la abandona
por otra mujer y ella debe seguir adelante sola.

Nathalie teaches philosophy in a Paris high school. She’s married with two kids, and divides her time between her family,
her former students, and her mother. One day, her husband
announces he’s leaving her for another woman, and she must
carry on alone.

Ambientada en 2010, todavía bajo la presidencia de Sarkozy,
Mia Hansen-Løve nos habla en L’Avenir del trasfondo intelectual
de una época de cambios continuos; los que experimenta el personaje que interpreta Isabelle Huppert, pero también los cambios
en los modelos de lucha y militancia política que enfrentan a los
nostálgicos del ‘68 con las nuevas generaciones. Ella es profesora de filosofía, y la filosofía forma parte de las conversaciones
con total naturalidad –uno de esos milagros del cine francés:
el ser capaz de integrar discusiones sobre Rousseau, Adorno,
Anders o Unabomber sin resultar en absoluto pedante–. Justo
al contrario, resulta deslumbrante la ligereza con la que HansenLøve nos presenta a sus personajes, tanto como la agilidad con
la que L’Avenir está narrada. Jaime Pena

Set in 2010, still during Sarkozy’s presidency, Mia HansenLøve’s Things to Come talks about the intellectual backdrop of a
time of continuous change; those experimented by the character played by Isabelle Huppert but also the changes in the forms
of struggle and political activism that set the nostalgic of ‘68
against the new generations. She is a philosophy professor, and
philosophy plays a part in conversations naturally –one of the
miracles of French cinema: being able to include discussions
about Rousseau, Adorno, Anders or the Unabomber without it
being pedantic at all. On the contrary, it’s amazing how lightly
Hansen-Løve introduces us to her characters, and also how
nimbly Things to Come is narrated. JP

Mia Hansen-Løve
Nació en París, Francia, en 1981. Dirigió el cortometraje Après mûre
réflexion (2004) y los largometrajes Tout est pardonné (2007; Bafici ‘08),
El padre de mis hijos (2009) –ganadora del Premio Especial del Jurado
en Un Certain Regard del Festival de Cannes–, Un amour de jeunesse
(Bafici ‘12) y Eden (2014).
She was born in Paris, France, in 1981. She directed the short film Après
mûre réflexion (2004) and the feature length films Tout est pardonné
(2007; Bafici ‘08), Father of My Children (2009), winner of a Special
Jury Prize at Cannes’ Un Certain Regard, Goodbye First Love (Bafici ‘12)
and Eden (2014).

Francia / Alemania - France / Germany
2016 / 100’ / DCP / Color / Francés - French
D, G: Mia Hansen-Løve F: Denis Lenoir E: Marion Monnier
DA: Anna Falguères S: Vincent Vatoux P: Charles Gillibert
CP: CG Cinema I: Isabelle Huppert, André Marcon,
Roman Kolinka, Edith Scob, Sarah Le Picard
Contacto / Contact
Les Films du Losange
T +33 6 637 469
E [email protected] ~ [email protected] filmsdulosange.fr
W filmsdulosange.fr

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

185

careers

La academia de las musas
The Academy of the Muses
Un profesor de filosofía es interrogado por su mujer, quien desconfía del enfoque pedagógico de un proyecto educativo en el
que el hombre debate sobre literatura con sus alumnas. Poco
a poco, la teoría del profesor va pasando a la práctica hasta
convertirse en un ejercicio de seducción.

A philosophy professor finds himself interrogated by his wife,
since she doesn’t trust the pedagogical approach of an educational project in which the man discusses literature with his
female students. The professor’s theory will progressively turn
practical, to the point it turns into an exercise on seduction.

La academia de las musas es una experiencia en sí misma que
interroga, iguala y confronta la vida y la experiencia, el arte y
el amor, la seducción y el deseo. Estos tópicos son atravesados por el lenguaje, por aquello de lo que estamos hechos, por
aquello de lo que somos prisioneros: las palabras. Las miradas
sensibles de las mujeres en esos primeros planos contrastan
con la mirada más racional del hombre, ese profesor que seduce y enamora a sus alumnas. La película construye una perfecta armonía, una melodía que teje reflejos mostrando rostros
y gestos donde la realidad está mediada por esos cristales, a
veces lluviosos y a veces soleados. El maestro Guerín vuelve a
seducirnos conjugando magistralmente la vida y el arte en una
película inolvidable. Marcela Gamberini

The Academy of the Muses is a unique experience that questions, balances, and confronts life and experience, art and love,
seduction and desire. These topics are crossed by language,
that thing we’re made and remain prisoners of: words. The sensitive close-ups of those women contrast the more rational view
of the man, a professor who seduces his students and makes
them fall in love with him. The film builds a perfect harmony, a
melody that weaves reflections by showing faces and gestures,
where reality is interceded by these crystals that are occasionally rainy, or sunny. Master Guerín seduces us again, melting life
and art into an unforgettable film. MG

José Luis Guerín
Nació en Barcelona en 1960, y en 1983 debutó como director con Los motivos de Berta. Luego dirigió una decena de largos, entre los que se destacan En construcción (Bafici ‘02), En la ciudad de Sylvia (2007; Bafici ‘08)
y Unas fotos en la ciudad de Sylvia (2007; Bafici ‘08). Es profesor de cinematografía en la Universidad Pompeu Fabra en su ciudad.
He was born in Barcelona in 1960, and in 1983 made his directorial debut
with Los motivos de Berta. He later directed a dozen films, including En
construcción (Bafici ‘02), In the City of Sylvia (2007; Bafici ‘08) and Unas
fotos en la ciudad de Sylvia (2007; Bafici ‘08). He is a cinematography
professor at the Pompeu Fabra University in that city.

186

España - Spain, 2015 / 92’ / DCP / Color
Español / Italiano / Catalán - Spanish / Italian / Catalan
D, G, E: José Luis Guerin S: Marisol Nievas P: P. C. Guerin
CP: Orfeo Films I: Raffaele Pinto, Emanuela Forgetta, Rosa Delor Muns,
Mireia Iniesta
Contacto / Contact
P. C. Guerin, Orfeo Films. Nuria Esquerra, Federico Delpero Bejar
T +34 608 450 760
E [email protected]

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

trayectorias

La calle de la amargura
Bleak Street
Inspirado en los hechos reales sucedidos en 2009 y de gran
resonancia mediática, el mítico director mexicano cuenta la
historia de dos prostitutas de suerte esquiva que, una noche
en la que nada sale del todo bien, asesinan accidentalmente a
dos luchadores enanos.

Inspired in the real events that grabbed headlines in 2009, the
mythical Mexican director tells the story of two unlucky prostitutes who accidentally murdered two midget wrestlers on a
night when nothing went right.

“¿Es que acaso la experiencia no cuenta?”, pregunta en La calle de la amargura una prostituta a la que los años le pasaron
factura, pero también podría ser un guiño de Arturo Ripstein,
que sabe por diablo y por viejo. Este melodrama expresionista, basado en la historia real del asesinato de dos hermanos
liliputienses y luchadores de catch, es un relato sobre las nulas
posibilidades de progreso de una sociedad hundida en la miseria y en el resentimiento. En el México que retrata Ripstein no
hay víctimas y victimarios: todos sufren por igual. Narrada en un
espléndido blanco y negro (que a la tragedia siempre le sienta
bien), La calle de la amargura es una muestra más del talento
de un director que nada tiene que envidiarle a su maestro Luis
Buñuel, de quien está cada día más cerca. Luciana Calcagno

“Doesn’t experience count?,” asks a prostitute in Bleak Street
to whom age hasn’t been kind, but it could also be Arturo
Ripstein’s wink, who sure knows things from experience. This
expressionistic melodrama, based on the real-life story of the
murder of two Lilliputian wrestler siblings, is a tale about the
non-existent possibilities of progress of a society buried in
misery and resentment. In the Mexico portrayed by Ripstein,
there are no victims and murderers: everyone suffers equally.
Narrated in a splendid black and white (which always becomes
tragedy), Bleak Street is further proof of the talent of a director
who has no nothing to envy his master Luis Buñuel, to whom
he’s closer and closer every day. LC

Arturo Ripstein

México / España - Mexico / Spain, 2015 / 100’
DCP / B&N / Español - Spanish

Nació en México en 1943, y comenzó su carrera cinematográfica como
asistente de dirección de Luis Buñuel. Debutó como director con Tiempo
de morir (1966), escrita por Gabriel García Márquez y Carlos Fuentes,
y entre sus más de veinte largometrajes se encuentran El castillo de la
pureza (1972), La mujer del puerto (1991) y Profundo carmesí (1996).
He was born in Mexico in 1943, and started his film career as an assistant director for Luis Buñuel. He debuted with Time to Die (1966), written
by Gabriel García Márquez and Carlos Fuentes, and directed more than
twenty films, including The Castle of Purity (1972), Woman of the Port
(1991) and Deep Crimon (1996)

D: Arturo Ripstein G: Paz Alicia Garciadiego F: Alejandro Cantú
E: Carlos Puente DA: Marisa Pecanins S: Antonio Diego
P: Walter Navas PE: Xanat Briceño, Luis Alberto Estrada
CP: Productora 35, Wanda Visión I: Patricia Reyes Spíndola,
Silvia Pasquel, Nora Velázquez
Contacto / Contact
Latido Films. Marta Hernando
T +34 915 488 877
E [email protected] W latidofilms.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

187

careers

Le Bois dont les rêves sont faits
The Woods Dreams Are Made of
El bosque del que están hechos los sueños
El bosque como lugar de escape es, para muchos, sinónimo
de refugio y de bienestar. Allí, la cineasta observa la tensión
citadina de aquellos que se encuentran con un espejismo soñado y se permiten dejar en silencio todo aquello que parecía
ser una dificultad.

For many, the forest as an escape place is a synonym of
shelter and comfort. In that location, the director observes
the urban tension of those who find a dream-like mirage and
allow themselves to silent anything that appeared to stand
as an obstacle.

Cuestión de ritmo, cuestión de estructura, cuestión de sabiduría
en la disposición de situaciones. La película de Claire Simon
es una excursión al Bosque de Vincennes, pero no es una exploración de un lugar, sino de los variados usos y vivencias de
ese lugar. En su propuesta de retratos múltiples, la descripción
deja lugar a pequeños relatos sucesivos –los temas van desde
el sexo hasta la pesca de ejemplares sorprendentes, pasando
por muchos otros– que parecen emanar del lugar, abierto y a
la vez lleno de misterios y posibilidades. O eso es lo que nos
hacen creer el ritmo, la estructura y la sabiduría que despliega
esta cineasta que mira el mundo –o cualquier micromundo– y
lo devuelve con una fluidez tan evidente como extraordinaria.
Javier Porta Fouz

A question of rhythm, structure, and wisdom in the organization
of situations. This film by Claire Simon is a tour into the Bois de
Vincennes, yet it’s not an exploration of the site, but rather of
the diverse uses and experiences the place has to offer. With its
multiple portraits, the film’s description gives way to little successive stories –the themes range from sex to fishing surprising
specimens, as well as many others– that seem to emerge from
that place, which is both open and filled with mysteries and
possibilities. Or at least that is what we are lead to think by the
rhythm, structure, and wisdom this filmmaker exhibits, as he
observes the world –or any micro-universe for that matter– and
returns it to us with an evident and extraordinary fluency. JPF

Claire Simon
Nació en Londres en 1955. Se desempeña también como actriz, directora de fotografía y montajista. Dirigió varios cortometrajes, documentales y largometrajes de ficción. Algunos de ellos fueron exhibidos en el
Festival, como Les Bureaux de Dieu (2008; Bafici ‘09), Coûte que coûte
(1995; Bafici ‘12) y Gare du Nord (2013; Bafici ‘14).
She was born in London in 1955. She also works as an actress, cinematographer, and film editor. She directed several short films, documentaries and fiction films. Some of them were screened at the Festival, like
God’s Offices (2008; Bafici ‘09), At All Costs (1995; Bafici ‘12) and Gare
du Nord (2013; Bafici ‘14).

188

Francia / Suiza / Bélgica - France / Switzerland / Belgium, 2015
144’ / DCP / Color
Francés - French
D, G, F, DA: Claire Simon E: Luc Forveille S: Olivier Hespel, François
Musy, Gabriel Hafner P: Jean-Luc Ormieres CP: Just Sayin’ Films
Contacto / Contact
Be for films. Claire Battistoni
T +32 485 147 390
E [email protected]
W beforfilms.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

trayectorias

Little Men
Pequeños hombres
Dos chicos de orígenes distintos conviven en un edificio de
Brooklyn, forjan una amistad y deambulan juntos por la ciudad.

Two kids with different origins who live in the same Brooklyn
building become friends and wander around town together.

Una fábula con dos protagonistas involuntarios, Jake y Tony, dos
chicos de unos 13 años que, a medida que descubren sus múltiples afinidades, son testigos del enfrentamiento entre sus respectivos padres. La disputa abarca aspectos económicos, pero
también generacionales, formas contrapuestas de entender la
amistad y la fidelidad. Por supuesto, como sucede en todo el
cine de Ira Sachs, el conflicto afecta también a la integración de
los inmigrantes (aquí la chilena Paulina García), pero Little Men
es una película más de personajes que de temas; una película
que, por lo tanto, quiere comprender a sus personajes y que estos, especialmente los más jóvenes y sin falsas demagogias, se
entiendan entre ellos. Su mismo final constituye toda una vuelta
de tuerca al concepto de happy ending tradicional. Jaime Pena

A fable with two involuntary protagonists, Jake and Tony, two
kids of about 13 years of age who, while discovering their multiple things in common, must witness the confrontation between
their respective parents. The dispute covers economic aspects,
but also generational; opposing ways of understanding friendship and fidelity. Of course, as usual in Ira Sachs’ cinema, the
conflict also affects the adjustment of immigrants (in this case,
Chilean Paulina García), but Little Men is more of a film about
characters than themes; a film that, therefore, wants to understand its characters, and wants them, especially the younger
ones and without false demagogies, to understand each other.
Its very ending constitutes a twist on the concept of the traditional happy ending. JP

Ira Sachs

Estados Unidos - US, 2016 / 85’ / DCP / Color
Inglés / Español - English / Spanish

Nació en Memphis, Tennessee, en 1965. Estudió literatura y teoría cinematográfica en la Universidad de Yale, y tras graduarse se estableció en
Nueva York. Dirigió los largometrajes The Delta (1997), Forty Shades of
Blue (2004; Bafici ‘12), y Keep the Lights On (2012), entre otros.
He was born in Memphis, Tennessee, in 1965. He studied literature and
film theory at the University of Yale and moved to New York after graduating. He directed several films, including The Delta (1997), Forty Shades
of Blue (2004; Bafici ‘12), and Keep the Lights On (2012).

D: Ira Sachs G: Mauricio Zacharias, I. Sachs F: Óscar Durán
E: Mollie Goldstein, Affonso Gonçalves DA: Alexandra Schaller
S: Damian Volpe M: Dickon Hinchliffe P: Lucas Joaquin, I. Sachs,
Christos V. Konstantakopoulos, Jim Lande, L. A. Teodosio
PE: Jay Van Hoy, Lars Knudsen CP: Faliro House Productions,
Parts & Labor Films, RT Features, Race Point Films, Raptor Films, Water’s
End Productions I: G. Kinnear, J. Ehle, P. Garcia, T. Taplitz, M. Barbieri
Contacto / Contact
Pascale Ramonda T +33 6 6201 3241
E [email protected] W pascaleramonda.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

189

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

careers

Mallory
Mallory está decidida a dar un giro rotundo a su existencia.
Nada ha sido sencillo para ella, pero el nacimiento de su hijo la
encuentra ante un desafío que quiere superar: abandonar por
completo su adicción a las drogas y dejar de vivir en la calle.

Mallory is determined to completely change her existence.
Nothing has ever been easy for her, but the birth of her son
faces her with a challenge she wants to overcome: clean herself up from her drug addiction and find a place to live other
than the street.

Ex adicta, madre coraje, metedora de pata compulsiva, orgullosa portadora de remeras de Cannibal Corpse y Mötorhead,
incansable buscavidas. Es difícil no empatizar con un personaje
así, con una heroína tan loachiana en su lucha contra sus demonios internos, contra los cantos de sirena de las adicciones
pasadas, pero también contra las inexplicables estructuras
burocráticas de la Ley que parecen existir solo para sostener
su propia existencia. Trestíková relata esta odisea sin protagonismo ni ubicuidad. Luego de cada intervalo en el seguimiento
de la vida de Mallory, notamos que está igual, mejoró o se fue
completamente al demonio. Para Trestíková, obsesionada desde
siempre por los cambios y continuidades a lo largo del tiempo,
no importa tanto mostrar los puntos de quiebre, los grandes sucesos, sino la inquebrantable persistencia de una batalla sufrida
y usualmente anónima. Juan Pablo Álvarez

A former addict, a Mother Courage who screws up compulsively,
proud owner of Cannibal Corpse and Mötorhead t-shirts, tireless
go-getter. It’s hard not to empathize with such a character, with
such a loachian heroine, in her struggle against her inner demons, against the siren calls of past addictions, but also against
the inexplicable bureaucratic structures of the Law that seem to
exist only to support her own existence. Trestíková relates this
odyssey without attracting attention or being ubiquitous. After
each interval in her following of Mallory’s life, we notice she’s
the same, has gotten better or that everything has gone to hell.
To Trestíková, who has always been obsessed with changes and
continuities through time, it’s not about showing the breaking
points, the big events, but the unbreakable persistence of a
long-suffering, usually anonymous battle. JPA

Helena Trestíková
Nació en 1949 en Praga, entonces Checoslovaquia. Se graduó en el
Departamento de Cine Documental en la FAMU de esa ciudad. Se desempeñó como Ministra de Cultura de su país, y dirigió numerosos documentales, entre ellos René (1993), Carmen Story (1999), My Lucky Star (2004)
y Marcela (2007), exhibidos en el foco que le dedicó el Bafici en 2009.
She was born in 1949 in Prague, in the former Czechoslovakia. She
graduated from the Documentary Film Department at the local FAMU.
She served as Ministry of Culture in her country and directed several
documentaries, including René (1993), Carmen Story (1999), My Lucky
Star (2004) and Marcela (2007) all of them screened in the Focus held
by Bafici in 2009.
190

República Checa - Czech Republic, 2015
101’ / DCP / Color & B&N
Checo - Czech
D, G: Helena Trestíková F: Miroslav Soucek, Vlastimil Hamerník, Robert
Novák, David Cysar, Jirí Chod, Jakub Hejna E: Jakub Hejna S: Richard
Müller M: Tadeás Věrcák P: Katerina Cerná, Pavel Strnad PE: Hana
Trestíková CP: Negativ, Czech Television I: Mallory Neradová
Contacto / Contact
Negativ. Daniel Vadocky
T +420 777 697 543
E [email protected] W negativ.cz

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

trayectorias

Microbe et Gasoil
Microbe & Gasoline
Microbio y Gasolina
Dos jóvenes amigos se embarcan en un viaje por la carretera a
través de Francia en un vehículo construido por ellos mismos.

Two young friends embark on a trip the highway across France
in a vehicle they built on their own.

Considérenla la anti-Supercool. Microbe et Gasoil es un retrato
dulce, honesto y redondo de la amistad masculina adolescente,
que favorece el optimismo por sobre la melancolía y, si bien
no ignora el sexo, no está obsesionado con él. La película está
filmada con oficio, pero casi no se ve el surrealismo típico de
Gondry en cuadro. La creatividad que puso en imágenes la memoria borrable de Eterno resplandor de una mente sin recuerdos y recreaba películas en Rebobinados existe, pero dentro de
los personajes, y ahí hay suficiente chispa lúdica para convertir
a Microbe et Gasoil en algo verdaderamente emocionante. Al
contrario de Wes Anderson, cuyos dioramas impenetrables son
maravillosos a su manera, la astucia estilística de Gondry surge
del desastre que es la vida real. En algún lugar del paraíso fílmico, Microbe et Gasoil está yendo con Enid de Ghost World a
visitar a Harold y Maude. Jordan Hoffman

Consider it an anti-Superbad. Microbe & Gasoline is a sweet,
honest and rounded portrayal of male teenage friendship that
favours optimism over melancholy, and while it doesn’t ignore
sex, it isn’t obsessed with it.
The film is craftily shot, but there’s almost no Gondry-esque
surrealism evident in the frame. The creativity that visualised
disappearing memory in Eternal Sunshine of the Spotless Mind
and sweded films in Be Kind Rewind exists, but it’s within the
characters, and that’s enough of a playful spark to make the
movie a true thrill. Unlike Wes Anderson, whose airtight dioramas are wonderful in their own way, Gondry’s wily style grows
from the mess of real life. Somewhere in movie paradise Microbe et Gasoil are taking a trip with Enid from Ghost World to
visit Harold and Maude. JH

Michel Gondry
Nació en Versailles, Francia, en 1963. Comenzó su carrera dirigiendo
videoclips para Daft Punk y The Chemical Brothers, entre otros. Dirigió
varios largos, entre ellos Eterno resplandor de una mente sin recuerdos
(2004), El avispón verde (2011) y La espuma de los días (2013).
He was born in Versailles, France, in 1963. He started his career directing
music videos for Daft Punk and The Chemical Brothers, among others. He
directed many features, including Eternal Sunshine of the Spotless Mind
(2004), The Green Hornet (2011) and Mood Indigo (2013).

Francia - France, 2015 / 105’ / DCP / Color
Francés - French
D, G: Michel Gondry F: Laurent Brunet E: Elise Fievet
M: Jean-Claude Vannier P: Georges Bermann
I: Ange Dargent, Théophile Baquet, Diane Besnier, Audrey Tautou
Contacto / Contact
The Festival Agency
E [email protected]
W thefestivalagency.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

191

careers

Office
Hua li shang ban zou
Oficina
El maestro hongkonés ofrece una transformación cinética, y
deslumbrante de la exitosa obra Design for Living, de Sylvia
Chang, en un espectacular film musical sobre las intrigas del
mundo corporativo.

The Hong Kong master offers a cinematic and dazzling transformation of Sylvia Chang’s hit play Design for Living in a spectacular musical film about intrigues in the corporate world.

Solo Johnnie To puede hacer un musical sobre la crisis financiera
y la competencia corporativa en China del que, sin canciones o
coreografías destacables, no podamos despegar los ojos de la
pantalla. La explosión de colores y el muy pertinente 3D conforman una fiesta. La cámara, elegante y lúdica, planea sobre
la acción y desnuda la esencia del sistema, sin paredes que la
oculten. Las relaciones al interior de una empresa, las pasiones
y traiciones cruzadas nos inducen a pensar que nada es demasiado diferente en las grandes ligas de la economía, regidas más
por la ambición y el chisme que por la inteligencia. El director de
Election ha seguido, previsto y criticado la historia reciente de su
país a través del cine de género. Ahora parece decirnos: cuando
la recesión es inevitable, relájate y goza. Fernando E. Juan Lima

Only Johnnie To can make a musical about the financial crisis
and corporate competitiveness in China in such a way that even
if it has no outstanding songs or choreographies, we can’t take
our eyes away from the screen. The explosion of colors and a
very pertinent 3D invite us to a party. The elegant and lucid camera flies over the action and reveals the essence of the system,
with no walls hiding it. The relationships within the company,
the crossed betrayals and passions lead us to think nothing is
too indifferent in the financial major leagues, which are ruled
by ambition and gossip rather than intelligence. The director of
Election has followed, foreseen, and criticized the recent history
of his country through genre cinema. Now he appears to be saying: when recession is inevitable, relax and enjoy. FEJL

Johnnie To

Hong Kong / China, 2015 / 119’ / DCP 3D / Color
Cantonés / Mandarín - Cantonese / Mandarin

Nació en Hong Kong en 1955 y comenzó su carrera como director de
televisión. En 1966 fundó junto a su colaborador Wai Ka-fai la productora
Milkyway Image. Entre sus largometrajes más destacados internacionalmente se encuentran Breaking News (2004), Election (2005), Exiled
(2006), Mad Detective (2007) y Drug War (2012).
He was born in Hong Kong in 1955 and began his career as a TV director.
In 1966 he founded the production company Milkyway Image together
with his partner Wai Ka-fai. Breaking News (2004), Election (2005), Exiled
(2006), Mad Detective (2007) and Drug War (2012) are some of his internationally renowned films.

192

D: Johnnie To G: Sylvia Chang F: Cheng Siu-keung
E: David Richardson DA: William Chang, Yau Wai-ming S: Tu Duu-shin
M: Dayu Lo, Chan Fai-young P: Johnnie To, Sylvia Chang
PE: Liu Yan-ming, Bill Kong CP: Beijing Hairin Pictures co., LTD
I: Eason Chan, Sylvia Chang, Lang Yue-ting, Chow Yun-fat, Tang Wei
Contacto / Contact
Edko Films. Olivia Leung
T +852 2528 8065
E [email protected]
W cinema.com.hk

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

trayectorias

Right Now, Wrong Then
Jigeumeun matgo geuttaeneun teullida
Ahora bien, antes mal
Hong Sang-soo realiza otro de sus ingeniosos juegos temporales, y cuenta dos variantes de la misma historia. Chunsu es
un director de cine que llega a Suwon y conoce a Heejun, una
pintora.

Hong Sang-soo performs another of his witty time games and
tells two different versions of the same story. Chunsu is a film
director who comes to Suwon and meets Heejun, an artist.

“¿Todos los directores de cine son iguales?”, pregunta alguien
en la película. La respuesta, en lo que a Hong respecta, no es
otra que “no”. Los encuentros y desencuentros entre un cineasta que llega a una ciudad para presentar su obra y una pintora
local abren la puerta a dos historias posibles de lo que podría
ser esa relación. Son los pequeños detalles –esos que se evidencian o se escapan cuando se ha bebido un poco de más–
los que definirán que la deriva sea más dulce o más amarga. La
conjunción de diálogos banales con reflexiones más profundas
es perfecta, y los dos protagonistas la hacen suya al punto de
operar más como un estándar que como restricción. Right Now,
Wrong Then, como puede decirse de toda la obra de Hong, se
conforma de sutiles e inteligentes variaciones sobre sus temas
de siempre. Fernando E. Juan Lima

“Are all film directors alike?” someone asks during the film. The
answer, as far as Hong is concerned, is none other than “no.”
The encounters and disagreements between a filmmaker that
arrives in the city to present his work and a local painter open
the door to two possible stories of what that relationship could
have been like. It’s the little details –those that become obvious
or slip out when one has drunk a bit too much– that will define
the drift as sweeter or bitterer. The combination of banal dialogue and deeper reflections is perfect, and the two stars make
the film their own to the point of operating more like a standard
than a restriction. Right Now, Wrong Then, as can be said about
Hong’s entire work, is made up of subtle and intelligent variations on the usual subjects. FEJL

Hong Sang-soo
Nació en Seúl, Corea del Sur, en 1960, y estudió cine en la Universidad
de Chung-Ang. Dirigió varios films, entre los que se destacan Turning
Gate (2002), Tale of Cinema (2005), Woman on the Beach (2006), Night
and Day (2008), Hahaha (2009) y Oki’s Movie (2010), todas exhibidas en
la retrospectiva que le dedicó el Bafici ‘13.
He was born in Seoul, South Korea, in 1960, and studied film at the
University of Chung-Ang. He directed several films, including Turning
Gate (2002), Tale of Cinema (2005), Woman on the Beach (2006), Night
and Day (2008), Hahaha (2009) and Oki’s Movie (2010), all of them
screened in the retrospective of his work held by Bafici ‘13.

Corea del Sur - South Korea, 2015 / 121’ / DCP / Color
Coreano - Korean
D, G: Hong Sang-soo F: Park Hong-yeol E: Hahm Sungwon
S: Kim Mir M: Jeong Yong-jin P: Kim Kyoung-hee CP: Jeonwonsa
I: Jung Jae-young, Kim Min-hee
Contacto / Contact
Finecut. Namyoung Kim
T +82 2569 8777
E [email protected]
W finecut.co.kr

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193

careers

Sangue del mio sangue
Blood of My Blood
Sangre de mi sangre
En un pasado lejano, la Iglesia intenta averiguar si una joven
acusada de seducir y llevar al suicidio a su confesor mantiene
un pacto con el diablo. En el presente, la película sigue la pista
de un viejo vampiro que ve amenazada su existencia cuando
un millonario intenta comprar su morada.

In a remote past, the Church tries to find out if a woman accused of seducing her confessor and leading him to suicide
has a deal with the devil. In present day, the film follows an
old vampire whose existence is threatened when a millionaire
tries to buy his dwelling.

A estas alturas, el maestro Bellocchio se ha reinventado en
varias ocasiones en su carrera. Con Sangue del mio sangue
lo hace otra vez; ahora, en una excursión al mundo de la Inquisición. La vehemencia cinematográfica hermana a esta película
con una tan distinta –y también vampírica– como Drácula, de
Coppola. Ambos cineastas comprenden que estos personajes,
estos misterios se abordan mejor desde un cine en ebullición,
un cine apasionado, un cine que no teme encontrarse con la
belleza en un río y un castillo de fondo musicalizados con una
canción de Metallica. A la vez, es un cine prudente que sabe del
poderío de una mujer desnuda. Un cine que no huye de las fealdades y los absurdos contemporáneos en un pasaje temporal
no arbitrario sino libre. Un cine aristocrático en el mejor sentido
de la palabra. Y nada más importa. Javier Porta Fouz

By now, the master Bellocchio has reinvented himself several
times throughout his career. He did it once again with Blood
of My Blood: a journey into the world of the Inquisition. Its cinematograhic vehemence relates this film to a very different one
that is also vampire-related, such as Coppola’s Dracula. Both
filmmakers understand that these characters, these mysteries,
can be better addressed with a kind of boiling, passionate cinema; a kind of cinema that is not afraid of finding beauty in a
river and a castle with a song by Metallica in the score. It’s also
a prudent cinema that is aware of the power of a naked woman.
It’s a cinema that doesn’t flee from contemporary ugliness and
absurdity, and its passing of time is not arbitrary, but completely
free. It’s an aristocratic cinema, in the finest sense of the word.
And nothing else matters. JPF

Marco Bellocchio
Nació en Italia en 1939, y estudió filosofía antes de dedicarse al cine.
Entre sus largometrajes se destacan El diablo en el cuerpo (1986), L’ora
di religione (Bafici ‘03), Buongiorno, notte (Bafici ‘04), Il regista di matrimoni (Bafici ‘07) y Vincere (2009; Bafici ‘10).
He was born in Italy in 1939 and studied philosophy after turning to film.
His films include Devil in the Flesh (1986), My Mother’s Smile (Bafici ‘03),
Good Morning, Night (Bafici ‘04), The Wedding Director (Bafici ‘07) and
Vincere (2009; Bafici ‘10).

194

Italia / Francia / Suiza - Italy / France / Switzerland, 2015
106’ / DCP / Color / Italiano - Italian
D, G: Marco Bellocchio F: Daniele Cipri E: Francesca Calvelli,
Claudio Misantoni DA: Andrea Castorina S: Christophe Giovannoni
M: Carlo Crivelli CP: Kavac Film, IBC Movie, Rai Cinema
I: Roberto Herlitzka, Pier Giorgio Bellocchio, Lidiya Liberman,
Fausto Russo Alesi, Alba Rohrwacher
Contacto / Contact
The Match Factory. Sergi Steegmann
E [email protected]
W the-match-factory.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

trayectorias

Schneider vs. Bax
Un asesino a sueldo recibe una tarea que, a priori, le resulta
sencilla: debe dar muerte a un escritor de 50 años que vive
alejado de todo, en una cabaña junto a un lago. Pero nada será
tan simple y ambos se encontrarán en un enfrentamiento inesperado.

A hit man gets a job that looks simple at first: he must kill a 50
year-old writer who lives away from everything in a cabin by a
lake. But it won’t be so simple, and they will find themselves in
an unexpected showdown.

Un título clarísimo. Un señor contra otro. Y un puñado de personajes que orbitan este enfrentamiento. Humor negro en
enormes cantidades, con fluidez nítida y con la claridad del día,
porque esta es una película de gran oscuridad temperamental,
pero a plena luz, con aire y agua, que transcurre mayormente
en un paraje aislado sacudido por el profesionalismo criminal
de estos asesinos y por los vaivenes provenientes de diversos
sentimientos. Van Warmerdam –nueve largometrajes en veinte
años– renueva las credenciales de su mundo sorprendente y
surreal, en el que nada es totalmente lo que parece aunque
todo –también los cuerpos desnudos– está a la vista. El de Van
Warmerdam es, a su modo, un cine de explosiones continuas,
en el que la comedia define el rumbo de su singular proyecto
cinematográfico. Javier Porta Fouz

A very clear title. One man against another. And a handful of
characters who orbit this clash. Loads of black humor with a
clean flow and as clear as the day, because this is a film with a
great temperamental darkness, but in plain sight, with air and
water, it takes place in a town stirred by the criminal professionalism of these assassins and the comings and goings of
different feelings. Van Warmerdam –nine films in twenty years–
renews the credentials of his surprising, surreal universe, in
which nothing is entirely what it seems, although everything
–including naked bodies– is visible. Van Warmerdam’s cinema
is, in its way, a cinema of continuing explosions, where comedy
defines the path of his singular cinematographic project. JPF

Alex Van Warmerdam
Nació en Holanda en 1952 y fundó dos grupos de teatro en su país.
Filmó su primera película, Abel, en 1986, a la que le siguen otras como
Grimm (2003; Bafici ‘04), Los últimos días de Emma Blank (2009) y
Borgman (2013).
He was born in the Netherlands in 1952 and founded two theater companies in his country. He made his first film Abel in 1986, and directed
several more, including Grimm (2003; Bafici ‘04), The Last Days of
Emma Blank (2009) and Borgman (2013).

Holanda / Bélgica - Netherlands / Belgium, 2015
96’ / DCP / Color / Holandés - Dutch
D, G, M: Alex van Warmerdam F: Tom Erisman E: Job ter Burg
DA: Geert Paredis S: Peter Warnier P: Marc van Warmerdam
CP: Graniet Film, CZAR I: Tom Dewispelaere, Alex van Warmerdam,
Maria Kraakman, Gene Bervoets, Annet Malherbe
Contacto / Contact
Fortissimo Films
T +31 206 273 215
E [email protected]
W fortissimo.nl

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

195

careers

Sunset Song
Canción del atardecer
Historia de una familia de campesinos escoceses integrada
por cuatro hijos y una madre que viven bajo el autoritarismo
de su padre. Un melodrama clásico contado desde el punto de
vista de la hija mayor en su evolución de adolescente a mujer.

Story of a family of Scottish farmers formed by four children
and a mother who live repressed under their father’s authoritarianism. A classic melodrama told from the point of view of
the older sister during her evolution from teenager to woman.

Basada en una novela de Lewis Grassic Gibbon de título homónimo, la penúltima película del gran Terence Davies cuenta la
historia de una joven mujer llamada Chris que vive con su familia bajo las órdenes de un padre autoritario al norte de Escocia.
En este mundo rural y patriarcal es casi inadmisible para una
mujer elegir su propia vida, y el modo en que Chris se abrirá
camino es como mínimo escabroso (la ruptura con su padre) y
quizás fallido (su matrimonio). Pero, más que el relato de una
odisea personal en condiciones adversas, es un film contra la
guerra. Davies no es un mero ilustrador de novelas, tiene la
elegancia propia de un cineasta que jamás renuncia a la forma:
véanse los cinco planos fijos con los que inicia el registro de
un velorio o la conmovedora secuencia tras el nacimiento de
los hermanos mellizos, mientras suena el clásico “Wayfaring
Stranger”. Roger Koza

Based on a novel of the same name by Lewis Grassic Gibbon,
the penultimate film by the great Terence Davies tells the story
of a woman named Chris who lives with her family under the
orders of an authoritarian father in northern Scotland. In this
rural, patriarchal world, it’s almost unacceptable for a woman
to choose her own life, and the way in which Chris will make
her way is rough, to say the least (breaking up with her father)
and maybe failed (breaking up her marriage). But, more than
the story of a personal odyssey in adverse conditions, it’s an
anti-war film. Davies doesn’t merely illustrate novels; he has
the very elegance of a filmmaker that never renounces form, as
can be seen in the five fixed shots with which he starts a scene
at a wake, or in the moving sequence after the birth of the twin
brothers while we hear the classic “Wayfaring Stranger.” RK

Terence Davies
Nació en Liverpool, Inglaterra, en 1945. Dirigió la trilogía autobiográfica
compuesta por los cortos Children (1976), Madonna and Child (1980)
y Death and Transfiguration (1983), y largos como The House of Mirth
(2000), Of Time and the City (2008) y The Deep Blue Sea (2011; Bafici ‘12).
He was born in Liverpool, England, in 1945. He directed the autobiographical trilogy made up by the shorts Children (1976), Madonna and
Child (1980) and Death and Tranfiguration (1983), and such features as
The House of Mirth (2000), Of Time and the City (2008) and The Deep
Blue Sea (2011; Bafici ’12).

196

Reino Unido / Luxemburgo - UK / Luxembourg, 2015
135’ / DCP / Color / Inglés - English
D, G: Terence Davies F: Michael McDonough E: David Charap
DA: Andy Harris S: Loic Collignon P: Roy Boulter, Sol Papadopoulos,
Nicolas Steil CP: Hurricane Films, BFI Film Fund, Iris Productions,
BBC Scotland, Luxembourg Film Fund, Creative Scotland
I: Peter Mullan, Agyness Deyn, Jack Greenlees, Kevin Guthrie, Ian Pirie
Contacto / Contact
Fortissimo Films
T +31 206 273 215
E [email protected] W fortissimo.nl

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trayectorias

Últimas conversas
Last Conversations
Últimas conversaciones
Les tocó a algunos colegas finalizar el emprendimiento que
encaró Coutinho poco antes de su muerte, en el que intentó
comprender a los adolescentes de la actualidad. Qué piensan, qué desean y cómo viven son solo algunos de los caminos recorridos en las conversaciones que encaró junto a
estudiantes brasileros.

Some of his colleagues finished the enterprise Coutinho took
on before his death, in which he attempted to understand
teenagers today. What they think, what they want, and how
they live are only some of the paths taken in the conversations
he engaged in with Brazilian students.

Si de cineastas brasileños se trata, ninguno es tan cercano
como Eduardo Coutinho, que una vez fumaba un cigarrillo tras
otro en las escaleras de la Lugones a la espera de poder conversar con el público cuando vino al DocBuenosAires a presentar Jogo de cena (2007). Y justamente Últimas conversas
se titula su conmovedora película póstuma, concluida por su
amigo João Moreira Salles con la ayuda de la montajista de
siempre del maestro, Jordana Berg. Basada en conversaciones
entre jóvenes estudiantes brasileños y el director poco antes de
su muerte, en febrero de 2014, la película trata de entender
cómo piensan, sueñan y viven los adolescentes de hoy. El film
no tuvo la atención que hubiera merecido, ni siquiera entre la
crítica de América Latina, a pesar de que se trata de una suerte
de summa de toda su obra. Luciano Monteagudo

There is no other Brazilian filmmaker as close as Eduardo
Coutinho, who once chain-smoked on the stairs of the Leopoldo
Lugones Theater while waiting to converse with the audience
when he came to DocBuenosAires to present Playing (2007).
And Last Conversations is the name of his moving posthumous
film, which was finished by his friend João Moreira Salles with
the help of the master’s usual editor, Jordana Berg. Based on
conversations between young Brazilian students and the director, shortly before his death in February 2014, the film tries to
understand how today’s teenagers think, dream and live. The
film didn’t get the attention it deserved, not even among Latin
American critics, even though it somehow summarizes his entire work. LM

Eduardo Coutinho
Nació en San Pablo, Brasil, en 1933. Estudió en el Instituto de Altos
Estudios de la Cinematografía de París. Dirigió los largometrajes Cabra
marcado para morrer (1964-1984), Edificio Master (2002; Bafici ‘03),
Jogo de cena (2007, Bafici ‘08) y Las canciones (2011; Bafici ‘12), entre
otros. Falleció en 2014.
He was born in Sao Paulo, Brazil, in 1933. He studied at the Institute
for Advanced Cinematographic Studies in Paris. He directed Twenty
Years Later (1964-1984), Edificio Master (2002; Bafici ‘03), Playing
(2007, Bafici ‘08) and Songs (2011; Bafici ‘12), among other films.
He died in 2014.

Brasil - Brazil, 2015 / 85’ / DCP / Color
Portugués - Portuguese
D, G: Eduardo Coutinho F: Jacques Cheuiche E: Jordana Berg
DA: Emily Pirmez S: Denilson Campos P: João Moreira Salles
PE: João Moreira Salles, Maria Carlota Bruno CP: Videofilmes
Contacto / Contact
Videofilmes. Maria Carlota Bruno
T +55 213 094 0810
E [email protected]

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197

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

careers

Un dia perfecte per volar
A Perfect Day to Fly
Un día perfecto para volar
Padre e hijo se encuentran rodeados de un paisaje que los
aleja de lo cotidiano. Un barrilete que se atasca entre los árboles es solo el puntapié inicial para una cantidad explosiva
de aventuras narradas que son, en definitiva, una historia de
amor de familia.

“Así y todo, ¿cuántos de nosotros luchamos para percibir
realmente a nuestros propios hijos?”. La pregunta formulada
por Stan Brakhage en los años sesenta recibe, en Un dia perfecte per volar, una réplica elemental y contundente. Porque
el de Marc Recha es, entre otras cosas, un film sobre cómo
percibimos el paso del tiempo simplemente al observar al hijo
que crece. La excusa argumental es mínima: un hombre y un
niño vuelan un barrilete y hablan, poco más. Con esta premisa,
Recha logra rozar, desde lo familiar e íntimo, una esencialidad
estremecedora en la que la conversación entre padre e hijo sirve
para establecer el tempo del film; y el rostro de ese actor prodigioso que es Sergi López va modulando un tono que pasa de lo
luminoso y despreocupado a un sombrío desenlace. Fran Gayo

Marc Recha
Nació en España en 1970. A los 18 años viajó a París becado por
el Departamento de Cultura de la Generalitat, donde colaboró en su
primera película. Desde entonces ha realizado numerosos cortos y
largometrajes, entre ellos Les Mansbuides (2003), Petitindi (2009)
y Dies d’Agost (2006).
He was born in Spain in 1970. At the age of 18 he travelled to Paris on
a scholarship given by City’s Department of Culture, where he worked
in his first film. Since then, he directed several short and feature-length
films, including Where Is Madame Catherine? (2003), Little Indi (2009)
and August Days (2006).

198

A father and his son find themselves surrounded by a landscape
that takes them away from everyday life. A kite getting stuck
on a tree is just the trigger for an explosive amount of narrated
adventures that, in the end, stand as a family love story.

“That being so, how many of us fight to really perceive our own
children?”. The question posed by Stan Brakhage back in the
‘60s gets an elementary and solid answer in A Perfect Day to
Fly. Because Marc Recha’s film is, among other things, one
about how we sense the time passing by simply observing our
children as they grow. The plot excuse is minimum: a man and
a boy fly a kite and talk –that’s pretty much it. With this premise, Rocha’s familiar and intimate approach manages to braze a
thrillingly essential element, in which a conversation between a
father and his son sets up the film’s tempo. And the face of the
remarkable actor Sergi Lopez modulates a tone that goes from
luminous and unconcerned to a somber outcome. FG

España - Spain, 2015 / 70’ / DCP / Color
Catalán - Catalan
D, G: Marc Recha F: Hélène Louvart E: Belén López
DA: Aitor Martos S: Pau Subirós M: Pau Recha P: Oriol Cortacans
PE: Marc Recha CP: Batabat I: Roc Recha, Sergi López, Marc Recha
Contacto / Contact
Latido Films. Marta Hernando
T +34 915 488 877
E [email protected]
W latidofilms.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

trayectorias

Inscripciones

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Inscriptions
No creo que pueda decir algo demasiado significativo acerca de Inscripciones. Yo misma no entiendo mucho. Sé que la
película viene de un lugar desconocido, viene de “afuera”, es
una inspiración. Me pasa así con todas las películas que hago,
no tengo conceptos predeterminados, van apareciendo como
pueden. Sé que es una película que intenta decir algo sobre
el nacimiento del lenguaje, del texto, de la palabra. Describe
el texto como imagen y sentido. Y trata de abordar la necesidad –inherente al hombre– de construcción de sentido ante la
invisibilidad existencial. Narcisa Hirsch
I don’t think I can say anything too significant about Inscriptions. I don’t understand much myself. I know the film comes
from somewhere unknown, that it comes from “outside,” that
it’s an inspiration. This happens to me with all the films I make
as I have no predetermined concepts; they appear the way
they can. I know it’s a film that tries to say something about the
birth of language, text, words. It describes text as image and
sense. And it tries to address the need –inherent in mankind–
to construct meaning in the face of existential invisibility. NH

Argentina, 2015 / 19’ / DM
Color & B&N / Español - Spanish
D, G, P: Narcisa Hirsch F: Narcisa Hirsch, Clara Frías, Daniela Muttis
E: Clara Frías S, M: Nicolás Diab CP: La Medina
Contacto / Contact
La Medina. Narcisa Hirsch
T +54 9 11 5021 1372
E [email protected]

Narcisa Hirsch
Nació en Berlín, Alemania, en 1928, pero vive en Argentina desde muy
pequeña. Es una de las mayores exponentes del cine experimental en
nuestro país. En 2012, el Bafici le dedicó un foco en el que se exhibieron muchos de sus cortos y el largo El mito de Narciso (2011).
She was born in Berlin, Germany, in 1928, but has lived in Argentina
since she was very little. She is one of the main experimental filmmakers in this country. In 2012, Bafici did a focus where many of her shorts
were shown, as well as the feature El mito de Narciso (2011).

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

199

cinefilias
cinephilias

APERTURA / OPENING
PREMIERE INTERNACIONAL / INTERNATIONAL PREMIERE

Cinephilias

Raoul Ruiz, contre l’ignorance fiction!
Raoul Ruiz, Against Ignorance Fiction!
Contra la ignorancia ficción, un retrato de Raoul Ruiz
Alejandra Rojo esboza un retrato del cineasta chileno que se
exilió en Francia durante el golpe de Estado del ‘73. Utiliza
fragmentos de películas, entrevistas y testimonios para dar
cuenta del hombre que creó una obra irónica e inclasificable.

Alejandra Rojo sketches a portrait of the Chilean filmmaker, who
took up exile in France during the ‘73 coup d’état. He uses fragments from films, interviews and testimonies in order to account
for the man who created an ironic, unclassifiable body of work.

La intimidad de Raoul Ruiz, el gran cineasta chileno, resulta
apasionante: era un gran conversador, con conceptos muy claros, además de un gran amante de la comida y la bebida. Pero,
además, Ruiz era un hombre sediento de conocimiento, que
se plasmaba en su cine lleno de juegos con el tiempo, con la
historia, con las formas. El film de Rojo nos muestra cómo el
interés del cineasta por la ciencia se va plasmando en escenas,
en personajes, en situaciones de sus películas. Resulta apasionante ver cómo la curiosidad del cineasta por el tiempo y su
relatividad queda impresa una película como Tres vidas y una
sola muerte (1996), por ejemplo. Rojo recoge una idea de Ruiz:
la poesía se ha refugiado en la ciencia. Y este documental, con
ideas y con cariño hacia el realizador, busca desentrañar esa
poesía presente en su cine. Rodrigo Bedoya

The intimate life of the great Chilean filmmaker Raoul Ruiz is
fascinating: he was a great talker, with very clear concepts, as
well as a food and drink lover. But Ruiz was also a man thirsty for
knowledge, something that you could notice on his films, which
always played with time, history, and forms. Rojo’s film shows
us how the filmmaker’s interest in science has traveled into the
scenes, characters, and situations in his films. It’s fascinating
to see how the filmmaker’s curiosity about time, and its relative
nature, gets printed on a film like, for example, Three Lives and
Only One Death (1996). Rojo picks up an idea from Ruiz: poetry
has taken refuge in science. And this resourceful documentary,
which shows its love for the filmmaker, seeks to unravel the
poetry that is present in his films. RB

Alejandra Rojo
Nació en Buenos Aires en 1966. Tiene un máster en Cine de la Universidad de París, donde da clase de guion y puesta en escena. Dirigió varios
cortos y largos documentales.
She was born in Buenos Aires in 1966. He has a Master’s in Film from
the University of Paris, where she teaches screenwriting and filmmaking.
She directed many shorts and documentary features.

Francia / Portugal - France / Portugal, 2016
63’ / DCP / Color & B&N
Francés / Español / Portugués - French / Spanish / Portuguese
D, G: Alejandra Rojo F: Jérôme Colin E: Isabelle Poudevigne
S: Samuel Mittelman M: Jorge Arriagada P, PE: Delphine Moirel
CP: Producción TS Productions I: Paulo Branco, Ricardo Pereira,
Melvil Poupaud, Waldo Rojas, Jorge Arriagada
Contacto / Contact
TS Productions. Delphine Morel
T +33 153 102 400
E [email protected]

202

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

cinefilias

A glória de fazer cinema em
Portugal
The Glory of Filmmaking in Portugal
La gloria de hacer cine en Portugal
El 18 de septiembre de 1929, el escritor portugués José Régio
le envió una carta a Alberto Serpa expresando su deseo de
crear una compañía productora y empezar a hacer películas.
Durante casi noventa años, no se supo nada más. Sin embargo,
el descubrimiento de unos viejos rollos parece ponerle punto
final a la historia.
On September 18 th1929, José Régio sent a letter to Alberto
Serpa expressing his desire to create a production company
and start making films. For almost ninety years, nothing more
was known about the outcome. However, the discovery of some
old reels seems to provide the ending to the story.
Manuel Mozos
Nació en Lisboa, Portugal, en 1959. Dirigió largos de ficción como Quando troveja (1998) y 4 copas (2008), y documentales como Ruinas (2009;
Bafici ‘10) y João Bénard da Costa - Outros amarão as coisas que eu
amei (2014; Bafici ‘15).

Back Track

He was born in Lisbon, Portugal in 1959. He directed several fiction films,
including Quando troveja (1998) and 4 copas (2008), and documentaries
such as Ruinas (2009; Bafici ‘10) and João Bénard da Costa - Outros
amarão as coisas que eu amei (2014; Bafici ‘15).
Portugal, 2015 / 16’ / DCP / Color / Portugués / Portuguese
D: Manuel Mozos G: Eduardo Brito, Miguel Dias F: Miguel Ângelo
E: Tiago Ramiro, Ricardo Freitas S: Thiago Perry de Sampaio
M: Joana Gama, Luís Fernandes P: Miguel Dias CP: Curtas Metragens
CRL I: João Pontes, Pedro Cardoso, Samuel Mira, Sérgio Costa,
Ricardo Leite
Contacto / Contact
Agencia - Portuguese Short Film Agency. Salette Ramalho
T +351 252 646 683 E [email protected] W curtas.pt/agencia

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Una exhibición de brillantez técnica alrededor de un relato muy
complejo armado con imágenes y sonidos de más de 25 películas. La trama está entretejida sin costuras, narrada completamente por una voz en off: una mujer y varios hombres (un
escritor, un mujeriego, ¿un criminal?), todos irremediablemente
bajo el hechizo de esa suerte de sirena.
As how piece of technical brilliance involving a highly complex story woven out of images and sounds from over 25
feature films. The plot is seamlessly interwoven, narrated by
an off-screen voice: a woman and several men (a writer, a
womanizer, a criminal?), each hopelessly under the spell of
the siren-like lady.
Virgil Widrich

Austria, 2015/7’ / DCP 3D / B&N/Inglés - English
D, G, E, P: Virgil Widrich F: Bernhard Schlick S: Frédéric Fichefet
CP: Film and Multimedia Productions GmbH
Contacto / Contact
Sixpackfilm
T +43 1526 0990 E [email protected]
W sixpackfilm.com ~ widrichfilm.com

Nació en Austria en 1967. A los 13 años filmó sus primeras películas
en Super 8 y dirigió varios cortometrajes, entre ellos Copy Shop (2001;
Bafici ‘13).
He was born in Austria in 1967. At the age of 13 he shot his first films
in Super 8, and later directed several short films, including Copy Shop
(2001; Bafici ‘13).

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

203

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Cinephilias

Audaz se eleva
Going Down: Erecting the Southern Porn Industry
Un recorrido por la historia del porno –entre prejuicios, tabúes
y mitos–, desde que se constituyó como género hasta que devino en industria. Y, de paso, un vistazo a las posibilidades de
su desarrollo en Argentina.

A tour through the history of porn –among prejudice, taboos
and myths–, from the moment it constituted itself as a genre
until it became an industry. And, while we’re at it, a look on the
chances of progressing in Argentina.

¿El cine pornográfico se inventó en Argentina? Técnicamente,
parece que sí. O al menos eso piensa la gran cantidad de
voces autorizadas que prestan testimonio a lo largo de este
documental que recorre la historia de la industria triple X en el
país. Hoy que el porno representa alrededor de un tercio del
tráfico en Internet, los directores Torres Negri y Leiva intentan
entender cómo fue que Argentina no terminó de posicionarse
como un jugador clave en ese mercado, siendo que su historia
en el rubro del cine condicionado es tan rica. De las insólitas
maniobras realizadas para esquivar la censura en la época de
la dictadura a la masificación del porno en la web, pasando
por la explosión del VHS primero y el DVD después, cada etapa
tiene su encanto y es relatada por directores, historiadores,
sexólogos, actores, periodistas, activistas y demás personajes
apasionados. Lucas Garófalo

Was porn film invented in Argentina? Technically speaking, it
appears so. Or at least that’s what many authorized voices think
when they lend their testimonies throughout this documentary,
which covers the story of the local triple X industry. Today, with
porn standing for around one third of all Internet traffic, filmmakers Torres Negri and Leiva try to understand how was it that
Argentina failed to position itself in that market, being that it has
such a rich history with that genre. From the incredible ways
to avoid censorship during the dictatorship to the widespread
growth of porn on the web, and including the VHS and DVD
explosions, every phase has its charm, depicted by directors,
historians, sexologists, actors, journalists, activists, and other
passionate characters. LG

Mariano Torres Negri
Nació en Buenos Aires en 1984. Es licenciado en Comunicación Audiovisual y trabaja en televisión desde 2006. Audaz se eleva es su ópera prima.
He was born in Buenos Aires in 1984. He has a Bachelor’s Degree in
audiovisual communication and has been working in the television industry since 2006. Going Down is his first feature.

Argentina, 2016 / 107’ / DM / Color
Español - Spanish

Lisandro Leiva

D, G, E, P, PE: Lisandro Leiva, Mariano Torres Negri
F: Mariano Torres Negri, Juan Pablo Bondi DA: Mariano Torres Negri,
Martín Torres, Isa Crosta S: Daniel Celina CP: Big Pig Films
I: Victor Maytland, Darío Sztajnszrajber, Juan Carlos Kusnetzoff,
Malena Pichot, César Jones

Nació en Buenos aires en 1983. Es productor periodístico, y continúa su
formación como psicoanalista. Audaz se eleva es su primer largometraje.
He was born in Buenos Aires in 1983. He is a journalistic producer and
continues studying psychology. Going Down is his first feature.

Contacto / Contact
Big Pig Films. Mariano Torres Negri
T +54 9 11 6003 1813 E [email protected]
W bigpigfilms.com ~ audazseeleva.com

204

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Cinefilias

El Perro de Ituzaingó
Ituzaingó Dog
Documental acerca del emblemático cineasta independiente
Raúl Perrone, radicado en la localidad bonaerense del título.

A documentary about emblematic independent filmmaker Raúl
Perrone, who lives in the area of greater Buenos Aires mentioned in the title.

El cine de Raúl Perrone es tan particular como adictivo. Su
prolífica y heterogénea filmografía, su estética, su austeridad,
su barrio, sus cielos, sus modos, sus métodos: todo Perrone
en cine es admirable. Y en este documental, el español Patricio Carroggio –extasiado realizador haciendo cine sobre aquel
objeto que lo extasía– se sumerge en el rodaje de Poema
urgente para una perra hambrienta. Entonces mira (y admira)
cómo trabaja un director cascarrabias, intolerante, obsesivo,
gracioso e insoportable, pero ante todo maestro. Carroggio
escucha, poco (como Perrone), pero escucha, y hace hablar a
quienes trabajan con el argentino para que nos cuenten algo
que no vamos a creernos del todo pero que, al final y mientras transcurre esta película, descubriremos que siempre fue
y será verdad. Josefina García Pullés

Raúl Perrone’s films are as peculiar as they are addictive. Its
prolific and heterogeneous body of work, his aesthetics, his
austerity, his neighborhood, his skies, his ways, his methods:
everything that is Perrone in film is admirable. And in this documentary, Spanish director Patricio Carroggio –a captivated filmmaker making a film about that object that captivates him- dives
into the shooting of Poema urgente para una perra hambrienta.
And he looks at (and admires) how a grumpy, intolerant, obsessive, funny, unbearable but, above all, masterful director works.
Carroggio listens, not much (like Perrone), but he listens, and
he makes those who work with the Argentine director tell us
things we won’t fully believe, but that, in the end and also during this film, we will find out they were always true, and always
will be. JGP

Patricio Carroggio
Nació en Barcelona en 1979, donde estudió cine y televisión. Dirigió
cortometrajes, documentales, video-danza, videoclips y animación.
He was born in 1979 in Barcelona, where he studied film and television. He directed short films, video-dance pieces, music videos and
animations.

Argentina, 2016
70’ / DM / B&N
Español - Spanish
D, G, F, E, DA, S, P, PE: Patricio Carroggio M: Carlos Masinger
I: Raúl Perrone, Sofía Brito, Jose J. Maldonado
Contacto / Contact
Patricio Carroggio
T + 54 9 341 677 4941
E [email protected]
W patriciocarroggio.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

205

Cinephilias

El último verano
The Last Summer
Cada noche de verano, en algunos pequeños pueblos de España,
autóctonos y veraneantes se acercan a las plazas para vivir la
experiencia de asistir a una proyección al aire libre en 35mm.
Para que este evento sea posible, hay personas que trabajan sin
descanso en jornadas que pueden ser las últimas.

Every summer night, in some Spanish towns, locals and tourists come together in parks to experience an outdoors 35mm
screening. People work restlessly to make this possible in long
days that can very well be their last.

El último verano, de Leire Apellaniz, tiene el peso material del documento que es y el aire lírico de una ficción épica que encuentra
en la figura del perdedor resignado el drama anunciado de un fin
de ciclo. Lo que se cuenta sin melancolía es aquello que se veía
venir. La historia, que no puede ser más sencilla, es la de Miguel
Ángel, una bestia tecnocrática en extinción que programa proyecciones en fílmico por pueblos de España. Pero lo que ilumina
la película por dentro es la belleza forense con que Apellaniz nos
muestra el inventario museográfico y verbal de un mundo que
dejó de andar: lámparas de xenón, cruces de Malta, bobinas, empalmadoras. Cada cosa que se nombra o que se ve y se nombra
por última vez. En esa despedida, El último verano es el primer
recuerdo filmado de lo que ya no vuelve. Juan José Becerra

Leire Apellaniz’s El último verano carries the material weight of
being a document, and the lyrical tone of an epic fiction that
finds in the figure of a resigned loser the pre-announced drama
of the end of an era. The film depicts without melancholy what
they knew it would come. The very simple story is the one of
Miguel Ángel, a technocratic, endangered beast who programs
film screenings in small Spanish towns. Yet what actually sheds
light on the film is the forensic beauty with which Apellaniz
shows us the museographic and verbal inventory of a world that
is not running anymore: xenon lamps, Maltese crosses, reels,
splicers. A world of things that are mentioned or seen for the
last time. In that farewell, The Last Summer is the first filmed
memory of that which is gone. JJB

Leire Apellaniz

España - Spain, 2016 / 93’ / DCP / Color / Español - Spanish

Trabajó en numerosos festivales de cine, y actualmente es la responsable
del Departamento Técnico del Festival de Cine de San Sebastián. Paralelamente, ha desarrollado una labor activa como productora en diversos
proyectos audiovisuales a través de su productora Señor y Señora.
She worked for several film festivals, and is currently in charge of the
Technical Department of the San Sebastian Film Festival. At the same
time, she has developed an active career as a producer for several audiovisual projects through her production company Señor y Señora.

206

D, G, P, PE: Leire Apellaniz F: Javi Aguirre, Aritz Moreno
E: Marcos Florez DA: S: Alazne Ameztoy CP: Señor y Señora S.L.
Contacto / Contact
Señor y Señora. Arkaitz Villar
T +34 686 485 976
E [email protected]
W senorysenora.es

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

Cinefilias

El viento sabe que vuelvo a casa
The Wind Knows I’m Coming Back Home
Un cineasta llega a Chiloé –una de las islas más grandes de
la costa chilena– y planea su próximo film. Entre audiciones
y búsqueda de locaciones, se abre camino entre las historias
que espía, mientras observa los vínculos y tensiones que flotan en el aire.

A filmmaker arrives in Chiloé –one of the largest islands in
the Chilean coast– and plans his next film. Between auditions and location scouting, he makes his way through the
stories he spies on, while observing the links and tensions
that float in the air.

En el poema de Jorge Teillier que da título a esta película, el autor
escribe la siguiente frase: “Un día, volveremos al primer fuego”.
Fiel a este pedido, José Luis Torres Leiva realiza una película que
reclama, para sí misma, una vuelta a las fuentes del cine y a
cierta inocencia y simpleza perdidas. Una simpleza que, como los
ríos tranquilos, esconde mucho más de lo que aparenta su calma
superficie. No se trata aquí de utilizar las formas del documental
como un truco cinematográfico (o, peor aún, un guiño para iniciados), sino de dejar a las historias que se cuentan –y a quienes las
cuentan– ser las protagonistas. La aparición de Ignacio Agüero
(uno de los mejores e inexplicablemente secretos directores de la
actualidad) como narrador y disparador de la película termina de
completar una obra que, al igual que el viento de Bresson, sopla
adonde quiere. Marcelo Alderete

In the poem by Jorge Teillier that lends its title to this film, the
poet writes the following phrase: “One day, we will return to
the very first fire”. Remaining true to that request, José Luis
Torres Leiva makes a film that claims for a return to the origins
of cinema and a certain lost innocence and simplicity. A kind of
simplicity that, as quiet rivers, hides a lot more than what its
calmed surface shows. Here it’s not about using the forms of
documentary as a film trick (or worse, a wink for the experts),
but to let the stories themselves –and the people telling them–
become the protagonists. The presence of Ignacio Agüero (one
of the finest and inexplicably unknown directors today) as a narrator and trigger for this film completes a piece that, just like
Bresson’s wind, blows in any direction it wishes to do so. MA

José Luis Torres Leiva
Nació en Santiago de Chile en 1975. Dirigió numerosos cortos y documentales, como Ningún lugar en ninguna parte (2004), El tiempo que se
queda (ganadora de la Competencia Cine del Futuro en el Bafici ‘07) y
Tres semanas después (Bafici ‘11). Su primer film de ficción fue El cielo,
la tierra y la lluvia (Bacifi ‘08).
He was born in Santiago de Chile in 1975. He directed several short
films and documentaries, including Ningún lugar en ninguna parte
(2004), Women Workers Leaving the Factory (2005), The Time that
Rests (winner of the Cinema of the Future section of Bafici ‘07) and
Three Weeks Later (Bafici ‘11). The Sky, the Earth and the Rain (Bacifi
‘08) was his first fiction film.

Chile, 2016 / 103’ / DCP / Color / Español - Spanish
D, G: José Luis Torres Leiva F: Cristian Soto E: José Luis Torres Leiva,
Andrea Chignoli S: Roberto Espinoza P: Carolina Quezada
PE: Catalina Vergara CP: Globo Rojo Producciones I: Ignacio Agüero
Contacto / Contact
Globo Rojo Producciones. Catalina Vergara
T +56 996 530 493
E [email protected]
W globorojoproducciones.cl

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

207

Cinephilias

Favio: Crónica de un director
Favio, Chronicle of a Director
A mediados de 2009, Favio concedió una entrevista que permaneció inédita y en la que habló exclusivamente de cine. El
resultado fue una clase magistral, y este documental la recupera, buscando echar luz sobre la mirada personal del realizador argentino.

In early 2009, Favio gave an interview that remained unreleased and in which he only talked about film. The result was a
master class, and this documentary revives it, seeking to shed
light on the Argentine filmmaker’s unique gaze.

Son pocos los emblemas de la cultura argentina capaces de
apelar por igual al gusto elitista museístico y al gusto popular.
Leonardo Favio fue sin dudas uno de ellos. Intempestivo, peronista y apegado a la liturgia de esta tierra, el mendocino fue un
artista de todos los oficios pero, antes que nada, un cineasta.
Así lo recupera Favio, crónica de un director: como un hombre de cine que se nutrió de la radio, la actuación y la música
para construir el puñado de rapsodias con las que engalanó a
nuestro cine. El testimonio de familiares, colaboradores y amigos reactualiza la imborrable estela de bohemia y genialidad
detrás del gran Favio, cuya voz sobrevuela toda la película. Su
vida, inmensa y lírica como sus personajes, encuentra así su
merecido homenaje. Guido Segal (Catálogo 30° Festival de
Mar del Plata)

There are very few icons in Argentine culture capable of appealing to both popular and elitist tastes. Leonardo Favio was
undoubtedly one of them. An unseasonable Peronist attached
to the liturgy of this land, the director, born in the province of
Mendoza, was an artist at every craft but, above all, he was a
filmmaker. This is how Favio: Chronicle of a Director recaptures
him, as a man of film who fed from radio, acting and music
in order to build up the handful of rhapsodies with which he
adorned our cinematography. The testimonies from relatives,
collaborators and friends updates the indelible tail of bohemia
and genius behind the great Favio, whose voice overflies the
entire film. This way, his life, as immense and lyrical as his characters, finds its well-deserved tribute. GS (30 th Festival de Mar
del Plata Catalogue)

Alejandro Venturini

Argentina, 2015 / 120’ / DM / Color & B&N / Español - Spanish

Nacido en Lomas de Zamora en 1986, estudió dirección en la Universidad del Cine y se especializó en guion y cine documental. Dirigió el corto
Elegía, además de videoclips y documentales televisivos. También trabajó
en sonido y cámara en largos documentales como El otro fútbol (2012)
y La del Chango (2014).
He was born in Lomas de Zamora in 1986, studied filmmaking at the
Universidad del Cine and specialized in screenwriting and documentary
filmmaking. He directed the short Elegía as well as music videos and television documentaries. He also worked in the sound and camera departments in documentary features such as The Other Football (2012) and
Take It from Chango (2014).
208

D, G: Alejandro Venturini F: Francisco De Santis, Sofía Rodrigo
E: Lucas Ríos DA: Paloma Chiodo S: Manuel Pinto M: Iván Wyszogrod
P: Paloma Chiodo PE: Paloma Chiodo, Alejandro Venturini
CP: 2t Producciones I: Leonardo Favio, Zuhair Jury, Graciela Borges,
Edgardo Nieva, Eliseo Subiela
Contacto / Contact
2t Producciones
T +54 9 11 5578 0271
E [email protected]
W 2tproducciones.com.ar

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Cinefilias

Harold and Lilian. A Hollywood
Love Story
Harold y Lilian. Una historia de amor en Hollywood
Harold y Lillian trabajaron en cientos de películas icónicas durante la edad de oro de Hollywood, incluyendo Piso de soltero,
Los pájaros y El graduado. Pero sus contribuciones permanecen en gran medida sin acreditar.

Harold and Lilian worked in hundreds of iconic films during the golden age of Hollywood, including The Apartment,
The Birds and The Graduate. But their contributions remain
mostly unaccredited.

El cine nos enseñó que el amor auténtico debía ser turbulento.
Devoto de los desencuentros y esclavo de la tragedia romántica.
A pesar de que Harold y Lillian Michelson vivieron a los besos
entre set y set, nunca creyeron en esa educación sentimental.
Los alumnos rebeldes que estuvieron casados por más de seis
décadas trabajaron en la industria de Hollywood con los monstruos más temibles: desde Cecil B. DeMille hasta Hitchcock.
Harold trazaba las líneas que componían cada plano de una
película en sus storyboards, Lillian realizaba las investigaciones
históricas para que la ficción que se construyera en pantalla
grande fuera verosímil. El documental de Daniel Raim evidencia, a través de entrevistas y dibujos monocromáticos, que las
grandes historias de amor no siempre se encuentran delante de
cámara. Maia Debowicz

Cinema has taught us true love must be turbulent, a devote
follower of failed encounters and a slave to romantic tragedy.
Yet despite Harold and Lillian Michelson spent their lives kissing
each other on film sets, they never believed in that sentimental
education. These rebel students were married for over six decades and worked in the Hollywood industry with the scariest
monsters, from Cecil B. DeMille to Hitchcock. Harold drew the
lines that formed every shot of a film on his storyboards, and
Lillian performed the historic research that enabled big screen
fiction to be credible. Through interviews and monochromatic
drawings, Daniel Raim’s documentary proves great love stories
not always happen in front of the camera. MD

Daniel Raim
Estudió cine en el American Film Institute, y se dio a conocer en el
2000 cuando su corto The Man on Lincoln’s Nose estuvo nominado a un Oscar. Realizó documentales sobre algunos de los grandes
nombres del Hollywood clásico.
He studied film at the American Film Institute, and became known in
2000 when his short film The Man on Lincoln’s Nose was nominated for
an Oscar. He directed documentaries about some of the great names of
classic Hollywood.

Estados Unidos - US, 2015 / 96’ / DCP / Color
Inglés - English
D, G: Daniel Raim F: Battiste Fenwick, Daniel Raim
E, P: Daniel Raim, Jennifer Raim S: Jason Tuttle M: Dave Lebolt
I: Harold Michelson, Lillian Michelson, Gene Allen, Mel Brooks,
Francis Ford Coppola, James D. Bissel
Contacto / Contact
Wide House. Dounia Georgeon
T +33 153 950 464
E [email protected]
W widehouse.org ~ haroldandlillian.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

209

Cinephilias

Hitchcock/Truffaut
Medio siglo después de la publicación del libro El cine según
Hitchcock, de François Truffaut, Kent Jones invita a algunos
realizadores (Martin Scorsese, David Fincher, Richard Linklater,
Wes Anderson, James Gray, Paul Schrader) a compartir sus
pensamientos sobre el maestro del suspenso.

Half a century after the publication of the book Hitchcock,
by François Truffaut, Kent Jones invites filmmakers (Martin
Scorsese, David Fincher, Richard Linklater, Wes Anderson,
James Gray, Paul Schrader) to share their thoughts on the
master of suspense.

No pretendan encontrar aquí riesgo o búsquedas formales que
se aparten de los cánones más difundidos del documental.
Cuando se tiene un material como el de las famosas entrevistas
que François Truffaut realizó a Alfred Hitchcock, no se necesita
casi de nada más para tener una buena película. Los diálogos
son la génesis del libro indispensable que los contiene, que
apuró el último paso para que la crítica comprendiera lo que los
espectadores ya sabían: que ese “realizador comercial” era un
verdadero autor. Al audio de las charlas e imágenes de las películas de Hitchcock y Truffaut se suman opiniones de diversos
directores. Martin Scorsese, Wes Anderson y Kiyoshi Kurosawa,
entre otros, tratan de explicar la razón de la perenne actualidad
y modernidad de la obra del creador de Vértigo. Fernando E.
Juan Lima

Don’t enter this film expecting to find risk or formal approaches
away from the most conventional canons of documentary filmmaking. When you’re dealing with material like the famous
interviews François Truffaut did to Alfred Hitchcock, you practically don’t need anything else in order to come up with a good
film. These dialogues are the genesis of the essential book that
contains them, which helped critics understand what audiences
already knew: that that “commercial filmmaker” was a true auteur. The film features audios from these encounters, images of
Hitchcock and Truffaut and opinions by many directors. Martin
Scorsese, Wes Anderson and Kiyoshi Kurosawa, among others,
try to explain the reason why the work by the creator of Vertigo
is always current and modern. FEJL

Kent Jones
Nació en Estados Unidos, y es uno de los nombres fundamentales de la
crítica contemporánea. Fue editor de la revista Film Comment y dirigió el
documental Val Lewton: The Man in the Shadows (Bafici ‘06). También
codirigió, junto a Martin Scorsese, A Letter to Elia (2010; Bafici ‘11) y fue
jurado en el Bafici ‘09.
He was born in the US, and is one of the founding names of contemporary
criticism. He was the editor for the magazine Film Comment and directed
the documentary Val Lewton: The Man in the Shadows (Bafici ‘06). He
also co-directed, together with Martin Scorsese, A Letter to Elia (2010;
Bafici ‘11) and at in the jury of Bafici ‘09.

210

Estados Unidos / Francia - US / France, 2015 / 80’ / DCP / Color
Inglés / Francés / Japonés - English / French / Japanese
D: Kent Jones G: Kent Jones, Serge Toubiana E: Rachel Reichman
M: Jeremiah Bornfield P: John Kochman, Daniel Battsek
PE: Charles S. Cohen, Olivier Mille CP: Cohen Media Group,
Artline Films, Arte France I: Alfred Hitchcock, François Truffaut,
Wes Anderson, David Fincher, Martin Scorsese
Contacto / Contact
Cohen Media Group. Andrew Borden
T +1 310 360 6448
E [email protected] W cohenmedia.net

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Cinefilias

Mi hist(e)ria en el cine
My Hist(e)ry in Cinema
Harta del tiempo que le lleva realizar películas y de la dificultad
para estrenarlas, María Victoria decide abandonar el oficio de
directora cinematográfica para comenzar a filmar a su marido
y a sus hijos. Este camino la llevará a reencontrarse con ella
misma y con su pasión por el cine.

Sick of the time it takes to make a film and how hard it is to
release one, María Victoria decides to leave her job as a film
director and starts filming her husband and children. That road
will take her to find herself and her passion for cinema again.

Basta de buscar subsidios, financiamiento, salas, horarios imposibles en butacas inexistentes: hacer cine independiente es
una desgracia cuesta arriba. María Victoria Menis está agotada,
y no encuentra la fuerza para hacer su próxima película. Sabe
que estrenar es difícil y puede resultar poco reconfortante. ¿Por
qué seguir filmando? Y si no halla la razón, ¿qué hacer luego
de una vida dedicada al trabajo detrás de cámara? Esta vez le
toca al cine seducirla a ella. Sus dudas y reproches la obligan
a cuestionarse su vida profesional, pero es en los rincones más
privados de su cotidianeidad donde se ensayan las respuestas.
Menis busca y se topa con el reflejo de su trabajo que parece
decirle, una y otra vez, que se puede perder un poco el rumbo,
la paciencia e incluso la esperanza pero, cuando existe, la pasión puede barrer con todo lo demás. Sol Santoro

Enough with seeking grants, financing, theaters, and impossible
showtimes in non-existent seats: making independent movies
is an uphill misfortune. María Victoria Menis is exhausted, and
can’t seem to find the strength to make her new film. She knows
that opening a film is difficult and can prove to not be comforting. Why keep filming? And if she doesn’t find the reason, what
is there to do after a life devoted to working behind the scenes?
This time, cinema has to seduce her. Her doubts and reproaches
force her to question her professional life, but it is in one of the
most private corners of her everydayness that the answers start
to appear. Menis seeks and bumps into the reflection of her
work, which seems to tell her, once and again, that one can lose
their way, patience and even hope, but, when it exists, passion
can sweep away everything else. SS

María Victoria Menis
Nació en Argentina y estudió cine en la ENERC. Es guionista de cine,
teatro y televisión y se dedica a la docencia en la Universidad de Buenos
Aires, Enerc y Escuela de Cine de Avellaneda. Dirigió algunos largometrajes, como Los espíritus patrióticos (1989), El cielito (2004) y La cámara
oscura (2008).
She was born in Argentina and studied film at ENERC. She writes scripts
for film, theater, and TV, and works as a teacher at the University of
Buenos Aires, ENERC, and the Avellaneda Film School. She directed
several films, including Los espíritus patrióticos (1989), Little Sky (2004)
and The Camera Obscura (2008).

Argentina / España - Argentina / Spain, 2016
64’ / DCP / Color / Español - Spanish
D: María Victoria Menis G, PE: María Victoria Menis, Cecilia Menis
F: Franca González E: Florencia Efron S: Martín Grignaschi
M: Tomás Becú P: Nadia Martínez CP: Todo Cine SA
I: María Victoria Menis, Cecilia Menis, Franca González,
Saul Cherñajovsky, Rosa Cherñajovsky
Contacto / Contact
FilmsToFestivals. Gisela Chicolino
T +54 9 11 5181 1740
E [email protected] W filmstofestivals.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

211

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

Cinephilias

O espectador espantado
The Amazed Spectator
El espectador espantado
El director portugués realiza una investigación sobre el espectador, que abarca desde El ciudadano vista en un teléfono móvil hasta un partido de fútbol proyectado en una sala de cine,
mezclados con entrevistas a críticos, directores y cinéfilos.

The Portuguese filmmaker investigates spectators, ranging
from Citizen Kane watched on a smartphone to a soccer match
projected in a film theater, mixed with interviews to critics,
filmmakers, and cinephiles.

El cine constantemente adquiere nuevas formas; se desarma
para reorganizarse sobre nuevos ejes y al mismo tiempo, como
reflejo y rastro de ese carácter mutante, cría, instruye y define
a diversos tipos de espectadores. O espectador espantado actualiza la pregunta “¿qué es el cine?” al retratar las huellas y
seguir los caminos marcados por diferentes obsesiones, que
aparecen en forma de testimonios, detonadas desde la sala. Las
imágenes de un público de fantasía que grita, se transforma y
estalla desde la butaca, tomadas como si fueran una subjetiva
de las propias películas que observan las reacciones de las criaturas que generan, portan un espesor onírico que, más allá de
expresar la materialidad de los sueños, parece preparado para
volverlas pesadilla en cuanto se lo proponga. Aldo Montaño

Cinema constantly gains new forms; it disarms and reorganizes
itself on new grounds, and at the same time it raises, educates,
and defines different kinds of spectators, as a reflection and
trace of that mutant nature. The Amazed Spectator updates the
question “What is cinema?” by depicting the tracks and following the roads marked by different obsessions triggered from the
theater, which are here featured in the shape of testimonies.
The images of a fantasy audience that screams, transforms, and
explodes in their seats are captured as POV shots of the films
themselves, as if they were watching the reactions of children.
They carry a dreamy density that express the material element
of reams, while also appear to be ready to turn them into nightmares as soon as they feel like it. AM

Edgar Pêra
Nació en Portugal en 1960. Dirigió numerosos cortos y largometrajes,
entre los que se destacan O Barão (2011) y 3x3D (junto a Jean-Luc
Godard y Peter Greenaway; 2013, Bafici ‘14).
He was born in Portugal in 1960. He directed several short and featurelength films, including O Barão (2011) and 3x3D (together with Jean-Luc
Godard and Peter Greenaway; 2013, Bafici ‘14).

212

Portugal, 2015 / 70’ / DCP 3D / Color & B&N
Portugués / Inglés / Francés - Portuguese / English / French
D, G, E: Edgar Pêra F: Luís Branquinho DA: Ricardo Preto S: Vasco
Carvalho, Pedro Ribeiro, Pedro Marinho M: Artur Cyanetto, Jorge
Prendas P, PE: Rodrigo Areias CP: Bando À Parte I: Laura Mulvey,
Eduardo Lourenço, Augusto M. Seabra, Olaf Möller, Laura Rascaroli
Contacto / Contact
Bando À Parte. Carlos André
T +35 1 253 094 489 E [email protected]
W bandoaparte.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

Cinefilias

Porno e libertà
Porn to Be Free
Porno y libertad
A partir de material de archivo y entrevistas, este documental cuenta de forma lúdica la revolución sexual y el auge de
la pornografía que se produjo en Italia en los años setenta y
ochenta, donde se daban cita batallas por las libertades políticas, culturales y personales.

De entre todos los géneros, sin duda el más vilipendiado es el
porno. La eclosión erótica de los años setenta es la base firme
sobre la que se para Porno e libertà, documental acerca del
desarrollo del porno italiano. Con las pieles llegó la conmoción:
ni bien Italia liberó las cadenas del conservadurismo, su cine
implosionó a puros autores insólitos, pubis peludos y un desparpajo vanguardista. Faltaba poco para que la Cicciolina bajase
desde Hungría y se echara a rodar la más importante revolución
sexual de la historia. Por eso, amantes de la carne sobre carne,
hedonistas del mete y saca, pornógrafos cachonderos, sepan
que Porno e libertà rastrea una génesis posible, analiza su evolución y la exprime vía archivos genitales y testimonios reparadores. Y que, si bien se trata de un trabajo de rigor histórico, no
renuncia al bendito arte de calentar. Hernán Panessi
Carmine Amoroso

Through stock footage and interviews, this documentary playfully tells of the sexual revolution and the rise of porn that took
place in Italy in the late ‘70s and ‘80s, where battles for political, cultural and personal freedoms took place.

There is no doubt that the most vilified of all genres is porn.
The erotic eclosion of the ‘70s is the solid base where Porn to
Be Free, a documentary about Italian porn, stands. With flesh
came commotion: as soon as Italy became free from the chains
of conservatism, its cinema imploded by way of weird auteurs,
hairy pubic areas and an avant-garde impudence. It wouldn’t
be long until the Cicciolina came down from Hungary and carried out the most important sexual revolution in history. That
is why you, lovers of flesh on flesh, hedonists of ins and outs,
horny pornographers, should know that Porno e libertà traces a
possible genesis, analyzes its evolution and displays it through
genital archives and comforting testimonies. And that, even
though it’s a work if historical rigor, it doesn’t renounce the holy
art of making you horny. HP

Italia - Italy, 2016 / 78’ / DCP / Color & B&N / Italiano - Italiano

Nació en Italia en 1963, y en sus comienzos trabajó como asistente de
dirección de Mario Monicelli, entre otros. Debutó como realizador con
Come mi vuoi (1997). Actualmente enseña dirección y dramaturgia en el
Centro Experimental de Cinematografía de Roma.
He was born in Italy in 1963. In his beginnings, he was assistant director
to Mario Monicelli, among others. He made his directorial debut with As
You Want Me (1997). He currently teaches filmmaking and play-writing
at Rome’s Experimental Film Center.

D, G: Carmine Amoroso F: Paolo Ferrari M: Fabrizio Fornaci
P: Patrizia Zoratti, Paolo Ferrari, Carmine Amoroso CP: Zutfilm SRL
I: Riccardo Schicchi, Lasse Braun, Ilona Cicciolina Staller, Judith Malina,
Giuliana Gamba, Helena Velena
Contacto / Contact
Wide House. Dounia Georgeon
T +33 153 950 464
E [email protected]
W widehouse.org

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

213

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Cinephilias

Saru. Documental sobre
Jorge Sarudiansky
Saru. Documentary about Jorge Sarudiansky
Retrato de Jorge Sarudiansky (Saru, para los amigos), uno de
los grandes escenógrafos argentinos que, a lo largo de más de
cuarenta años, ha realizado alrededor de cien puestas teatrales innovadoras.

A portrait of Jorge Sarudiansky (his friends call him Saru), one
of the greatest Argentine set designers, who has made around
a hundred innovative theater sets in the last forty years.

Jorge Sarudiansky fue un grande (murió en 2009), uno de esos
valiosos artífices de la cultura que suelen pasar inadvertidos,
que suelen quedar en un segundo plano. Sarudiansky descolló
y dejó su impronta como escenógrafo teatral, director de arte
en cine y hombre clave del diseño gráfico y la publicidad argentina. ¿Cuál era el secreto? “Lápiz, papel, culo y silla. Lo demás,
no existe”, afirma entre risas él mismo en una de las primeras
frases sueltas de Saru. Porque la película de Alejandra Isler no
solo cuenta con los testimonios de amigos, colegas y allegados
íntimos, sino también con declaraciones y entrevistas del propio
Sarudiansky comentando las películas en las que participó, sus
piezas de diseño gráfico o las fotos del álbum familiar. Muerto
en 2009, Saru es un retrato tan sentido como exhaustivo de una
mente brillante de la cultura argentina. Matías Capelli

Jorge Sarudiansky was a great man (he passed away in 2009),
one of those precious architects of culture that are usually underrated and left in the background. Sarudiansky excelled and left
his mark as a stage designer in theater, an art director in film,
and a key figure of Argentine graphic design and advertising.
What was his secret? “Pen, paper, and ass on the chair. The rest
doesn’t matter”, he himself states laughing in one of the first
statements in “Saru”. Because Alejandra Isler’s film includes not
only the testimonies of friends, colleagues and people close to
him, but also statements and interviews of Sarudiansky himself,
commenting on the films he worked on, his graphic design pieces, or pictures from his family album. Saru is both a heartfelt and
thorough portrait of this brilliant mind of Argentine culture. MC

Ale Isler
Nació en Buenos Aires en 1975. Es licenciada en artes combinadas en la
UBA, también estudió diseño industrial y cursó estudios de escenografía
con el arquitecto Gastón Breyer. Realizó varios cortos documentales y
dictó cursos en diversas instituciones.
She was born in Buenos Aires in 1975. A Combined Arts graduate from
UBA, she also studied industrial design and attended set design courses
by architect Gaston Breyer. She directed several documentary short films
and taught courses in different institutions.

214

Argentina, 2016 / 74’ / DM / Color / Español - Spanish
D, DA, P: Ale Isler G: Roberto Barandalla, Ale Isler F: Paula Grandío
E: Gustavo Codella S: Leandro de Loredo PE: Miranda De Sá Souza
CP: Habitación 1520, Mandrágora I: Jorge Sarudiansky,
María Julia Bertotto, Félix Chango Monti, Daniel Wolkovich, Marcelo Salvioli
Contacto / Contact
Ale Isler
T +54 9 11 5160 4886
E [email protected]
W aleisler.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

Cinefilias

Sin dejar rastros
Without a Trace
La ópera prima de Kartaszewicz retrata la vida y obra del cineasta Quirino Cristiani (1896-1984), animador, dibujante e
historietista ítalo-argentino, creador de El apóstol (1917), primer largometraje de animación del mundo, cuya obra se ha
perdido casi por completo.

Kartaszewicz’s first film depicts the life and work of filmmaker
Quirino Cristiani (1896-1984), an Italian-Argentine animator,
drawing artist, and comic book writer who created the world’s
first animated film El apóstol (1917), and whose work is now
almost entirely lost.

Además de la birome y el sistema dactiloscópico, en Argentina
nació el primer largometraje animado de la historia. El apóstol
se estrenó en 1917, y sus 58.000 cuadros llevaban la firma de
Quirino Cristiani, quien no solo fue un pionero de los dibujos
animados, sino que también fundó el primer campo nudista de
Sudamérica. Recortando figuras en cartulinas negras y uniendo
con hilo las articulaciones de los personajes, logró que los dibujos sacudieran el esqueleto al ritmo de una canción (porque
también fue el responsable de crear el primer largometraje de
animación sonoro en 1931). “Disney es grande, pero yo fui el
primero”, afirmó el caricaturista que se dio el lujo de rechazar una oferta laboral del Tío Walt. Sin dejar rastros timonea
un barco pirata que busca aquellos tesoros de Cristiani que se
perdieron en un incendio como el de la biblioteca de Alejandría.
Maia Debowicz

Together with the rolling pen and the fingerprinting system, Argentina was also the home of the first animated film in history.
The Apostle was released in 1917 and the 58.000 frames were
signed by Quirino Cristiani, who was not only a cartoon pioneer,
but also the founder of the first nudist farm in South America.
Clipping figures in black poster board and sewing their limbs together, he managed to make the cartoons dance to a song –he
was also responsible for the first animated film with sound in
1931. “Disney is big, but I was the first one,” said this cartoonist
who even rejected a job offer from Uncle Walt. Without a Trace
navigates a pirate ship in search of those Cristiani treasures
that were lost in a fire like the one in the Alexandria library. MD

Diego Kartaszewicz
Nació en Argentina en 1981. Estudió cine y se graduó en el CIEVYC en
2006. Actualmente se desempeña como productor y realizador audiovisual en el Centro de Producción Audiovisual de Quilmes, abocado fundamentalmente a la realización de documentales.
He was born in Argentina in 1981. He studied filmmaking and graduated at CIEVYC in 2006. He is currently a producer and director at the
Quilmes Audiovisual Production Center, where he mainly works with
documentaries.

Argentina, 2015 / 66’ / DM / Color & B&N
Español - Spanish
D, G, S: Diego Kartaszewicz F: Esteban Corti, Luis Reggiardo
E: Valeria Racciopi DA: Roberta Sánchez M: Guillermo Sniezyk
P, PE: Roberta Sánchez CP: 16:9 Cine I: Manuel García Ferré,
Héctor Cristiani, Raúl Manrupe, Natacha Mell, Norberto Galasso
Contacto / Contact
16:9 Cine. Roberta Sánchez
T +54 11 4941 7822 E [email protected]
W 169cine.com ~ sindejarrastro.wix.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

215

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

Cinephilias

Sipo Phantasma
Ghost Ship
Barco fantasma
Personas y personajes como Oscar Wilde, Murnau y Nosferatu
realizan un viaje a bordo de un crucero, navegando entre historias de naufragios, fantasmas, amores y vampiros, mientras
dejan que el espectador establezca los nexos entre las voces y
los capítulos que conforman la película.

People and characters like Oscar Wilde, Murnau, and Nosferatu take a trip on a cruise liner, sailing through stories of
shipwrecks, ghosts, love affairs and vampires, as they let the
viewer establish the links between the voices and the episodes that form this film.

Bienvenidos al primer crucero de una hora de duración. Las
paradas: Murnau, Nosferatu, Stoker y Wilde, entre otras. Póngase cómodo y déjese llevar por Almandoz, capitán-director de
esta original travesía cinéfila, y disfrute de sus paisajes y espectáculos. Conozca relatos perdidos en el tiempo y personajes
olvidados. Como un collage narrativo y visual, Sipo Phantasma
experimenta con variedad de registros y estilos para entrelazar
historias de romances, venganzas, pérdidas y descubrimientos,
en un recorrido literario y cinematográfico entre el misticismo y
la anécdota, el hecho y la invención. Un viaje tan breve como
atrapante a través de un océano de espejos e ilusiones, lo que
es decir a través del cine. Emiliano Andrés Cappiello

Welcome to the first one-hour cruise. The stops: Murnau, Nosferatu, Stoker and Wilde, among others. Brace yourself and get
carried away by Almandoz, captain-director of this highly original cinephile journey, and enjoy its landscapes and spectacles.
Learn about forgotten characters and tales lost in time. Like
visual and narrative collage, Sipo Phantasma experiments with
a variety of formats and styles in order to intertwine tales of romance, revenge, loss and discovery, in a literary and cinematic
journey between mysticism and anecdote, between fact and
invention. A brief but absorbing journey through an ocean of
mirrors and illusions, that is, through film. EAC

Koldo Almandoz
Nació en San Sebastián en 1973. Estudió periodismo y comunicación
audiovisual; trabajó en radio y estudió cine en Nueva York. Realizó varios
cortometrajes, y es bajista de la banda de garage punk Gora Gora Kids.
He was born in San Sebastian in 1973. He studied journalism and audiovisual communication; he worked in radio and studied film in New York.
He directed several short films, and plays bass in the garage punk band
Gora Gora Kids.

216

España - Spain, 2016
67’ / DCP / Color
Español - Spanish
D, G: Koldo Almandoz F: Javier Agirre, Koldo Almandoz E: Laurent
Dufreche DA: Teatro Taun Taun S: Laurent Dufreche, Haimar
Olaskoaga M: Mediavox P, PE: Marian Fernández CP: Txintxua Films
I: Florence Balcome, Maider Intxauspe
Contacto / Contact
Txintxua Films
T +34 943 393 380 E [email protected] W txintxua.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

Cinefilias

Solos
Alone
Cuatro jóvenes viajan en una camioneta por pueblos perdidos
de la selva, llevando una pantalla inflable y equipos necesarios
para proyectar películas en lugares recónditos del país.

A group of four young people travel in a van through deserted
jungle towns, carrying an inflatable film screen and the necessary equipment to screen films in remote places in the country.

Cuatro amigos, una camioneta, una pantalla inflable y la voluntad de proyectar cine independiente en pequeños pueblos de la
Amazonia peruana: unos pocos datos que apenas constituyen el
andamiaje argumental de esta road movie. Hay, por supuesto,
comentarios al pie sobre el consumo de cine en zonas inhóspitas, sobre la posibilidad de generar espacios que gambeteen la
lógica de las multisalas. Pero son apenas vías tangenciales de
una película que transmite algarabía y vitalidad, transformando su
aventura romántica de objetivos cinéfilos en una delicada épica
sobre la amistad. Solos se parece demasiado al “viaje” de MDMA
que se pegan sus personajes en pleno corazón selvático. Y comprueba que sí vale la pena darles duro a los deseos personales
aunque no sea más que para disfrutar del recorrido. Eduardo
D. Benítez

Four friends, a truck, an inflatable projection screen, and a will
to screen independent cinema in small towns in the Peruvian
Amazon: these are the few pieces that form the plot structure
of this road movie. There are, of course, footnote comments
about film watching in deserted areas, and the possibility of
creating places that dribble from the multiplex logic. But these
are merely tangential direction in a film that expresses joy and
vitality, transforming this romantic, cinephile adventure into a
delicate epic story about friendship. Alone looks too much like
the MDMA “trip” the characters take in the middle of the jungle.
And it proves putting your energy into personal dreams is always worth it, even if it’s just to enjoy the ride. EDB

Joanna Lombardi
Nació en Perú, y dirigió el cortometraje De noche (2009) y el largometraje
Casadentro (2013).
She was born in Peru, and directed the short film De noche (2009)
and the feature-length film Casadentro (2013).

Perú / Francia - Peru / France, 2015
92’ / DCP / Color / Español - Spanish
D, G: Joanna Lombardi F: Inti Briones E: Eric Williams
DA: Daniela Talavera S: Rosa María Oliart P: Tondero Films
PE: Miguel Valladares CP: Tondero Films, El Árbol Azul
I: Wendy Vásquez, Alberto Rojas Apel, Rodrigo Palacios, Diego Lombardi
Contacto / Contact
EZ Films. Ray Meirovitz
T +33 953 698 094
E [email protected]
W ez-films.com/solos ~ tondero.com.pe

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

217

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Cinephilias

The 1000 Eyes of Dr. Maddin
Los 1000 ojos del Dr. Maddin
Documental que se adentra en la cabeza del inclasificable director de cine canadiense Guy Maddin, un fanático del cine
mudo, el melodrama y el espiritismo. La cámara de Montmayeur se cuela entre bastidores durante la realización de su
última película, The Forbidden Room.

A documentary that enters into the mind of unclassifiable
Canadian filmmaker guy Maddin, who is a fan of silent cinema, melodrama, and séance. Montmayeur’s camera goes
behind the scenes during the making of his latest film The
Forbidden Room.

“Me gustaría que la gente mirara películas así como escucha
música, sin preguntarse qué significa”, dice Guy Maddin a poco
de empezar el documental, y el director Yves Montmayeur se
ocupa de ampliar esa discografía que conforman las películas
del canadiense sin tocar el sentido, dejando el misterio intacto. Lo hace sumando otras voces al coro: George Méliès, John
Waters, Isabella Rossellini, Jack Smith, Udo Kier, Fritz Lang, Buñuel y los hermanos Quay parecen acá contemporáneos en el
contrapunto que entra y sale del cine, pero, claro, nunca sale
del todo. Ejemplo: Maddin escuchaba en el habla de las mujeres
islandesas de su familia los ecos de los personajes de Josef von
Sternberg, y eso, más que explicar la dicción extrañada de sus
propias películas, habla de un cuerpo configurado por el cine
al punto de imaginarse como un médium. Marina Yuszczuk

“I would like that people would watch films the same way they
listen to music, without asking themselves what does it mean”,
says Guy Maddin at the beginning of the documentary, and
director Yves Montmayeur expands the discography formed
by the Canadian director’s films without tampering with their
meaning, and leaving the mystery intact. He adds voices to the
choir: George Méliès, John Waters, Isabella Rossellini, Jack
Smith, Udo Kier, Fritz Lang, Luis Buñuel, and the Quay Brothers
are featured here as contemporaries in the counterpoint that
walks in and out of cinema without ever exiting completely. For
example: Maddin heard in the voices of the Islandic women from
his family the echoes of characters by Joseph con Sternberg,
and that expresses not so much the reason behind the strange
diction of his films as the notion of a body that is configured
by cinema up to the point of imagining itself as a psychic. MY

Yves Montmayeur
Nació en Francia en 1973, y dirigió numerosos largos documentales; entre ellos, Yakuza eiga: Une histoire secrete du cinema japonais
(2008; Bafici ‘09).
He was born in France in 1973, and directed several documentary
features, including Yakuza eiga: Une histoire secrete du cinema japonais
(2008; Bafici ‘09).

Estados Unidos / Francia - US / France, 2015 / 65’
DM / Color & B&N / Inglés - English
D, G, F: Yves Montmayeur E: Fabien Bouillaud S: Stéphane Lévy
P: Thierry Tripod PE: Thierry Tripod, Cédric Delport, Damien Le Boucher
CP: BrainWorks I: Guy Maddin, Kenneth Anger, Udo Kier,
Isabella Rossellini, John Waters
Contacto / Contact
Taskovski Films. Jasmina Vignjevic
T +387 65 659 214
E [email protected] W taskovskifilms.com

218

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

Cinefilias

Todo comenzó por el fin
It All Started at the End
El Grupo de Cali, con Luis Ospina a la cabeza, se da a la tarea
de autorretratarse. Recorriendo su propia historia, se topa una
vez más con los complejos años setenta y ochenta, momento
en que se forjaron films fundamentales para comprender la
historia cinematográfica de Colombia.

The Cali Group, with Luis Opina at the top, decides to make a
self-portrait. By going through their own past history, they run
into the complex ‘70s and ‘80s, the time when the films essential to understand Colombia’s cinema were forged.

Nunca se está más vivo que cuando se teme a la muerte. Frente
a esta posibilidad, Luis Ospina decide revisitar sus recuerdos.
La historia clínica da pie a la historia personal, y ésta a la historia de un tiempo, una ciudad, un país y una cinefilia. Las figuras
de Andrés Caicedo, Carlos Mayolo y el propio Ospina (único sobreviviente de la legendaria tríada) estructuran este documental
en el que unas vidas son inseparables de las obras. El pasado
–en blanco y negro– y el presente –en colores– se mezclan
para dar cuenta de un colectivo de artistas (el grupo de Cali, o
Caliwood, como lo llamaban algunos) que, a partir de la década
del setenta, entre drogas, alcohol y rumba, delinearon una estética en literatura, cine, teatro y artes plásticas, marcando así el
camino de toda una generación. Marina Locatelli

You’re never more alive than when you fear death. Facing this
possibility, Luis Ospina decides to revisit his memories. His clinical history triggers his personal history, which in turn enables
the history of a time, a city, a country, and a cinephilia. The figures of Andrés Caicedo, Carlos Mayolo, and Ospina himself (the
sole survivor of this legendary triad) structure this documentary
in which lives are inseparable from their work. A black and white
past and a colored present day blend together to depict a group
of artist (the Cali group, or Caliwood, as some people called
it) who –amidst drugs, alcohol, and partying– sketched out a
particular aesthetics in literature, film, theater and art, back in
the early ‘70s. ML

Luis Ospina
Nació en 1949 en Cali, Colombia. Realizó, entre otras películas, Purasangre (1982), Soplo de vida (1999) y Un tigre de papel (2007), que se
proyectó junto a otros de sus films en el foco que le dedicó el Festival en
2008. Desde el 2009 se desempeña como director artístico del Festival
Internacional de Cine de Cali.
Born in 1949 in Cali, Colombia. He directed several films, including Pure
Blood (1982), Breath of Life (1999) and A Paper Tiger (2007), which
was screened among other films by him in the Focus held on his work
by the Festival in 2008. Since 2009 he is the artistic director of the Cali
International Film Festival.

Colombia, 2015 / 208’ / DCP / Color & B&N
Español - Spanish
D, G, P: Luis Ospina F: Francisco Medina E: Gustavo Vasco, Luis Ospina
S: Isabel Torres M: Camilo Sanabria, Franz Schubert, Johnny Pacheco &
Rolando Laserie, Los Speakers, Junior Jein, Bloque de Búsqueda
PE: Sasha Quintero Carbonell I: Luis Ospina, Carlos Mayolo,
Beatriz Caballero, Rosaro Caicedo, Sandro Romero Rey
Contacto / Contact
Luis Ospina
T +57 1 285 9912 +57 320 834 7905
E [email protected] W luisospina.com ~ porelfin.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

219

Cinephilias - Charlie Lyne

Beyond Clueless
Más allá de Ni idea
Narrada por la ex estrella de culto adolescente Fairuza Balk,
esta película-collage pone a la secundaria de Hollywood bajo
el microscopio, a través de material de archivo de más de 200
fragmentos de películas americanas de high school.

Narrated by former cult teen star Fairuza Balk, this collagefilm places Hollywood high schools under the microscope,
through archive footage from more than 200 American high
school movies.

El romance entre el cine y la adolescencia comenzó a tomar
forma en la década del cincuenta, en algún punto entre Marlon
Brando, James Dean y Bill Halley. En los ochenta cobró fuerza inusitada de la mano de John Hughes, que se despegó de
productos á la Porky´s para delinear con mayor destreza un
perfil más acabado de la juventud moderna. Lo que siguió fue
una andanada de largometrajes con/para/sobre adolescentes
que resumen las distintas vertientes del cine joven: primeros
amores, diferencias sociales, sexualidad y la siempre presente angustia adolescente. Cargado de arquetipos, es un género
con reglas propias que son estudiadas por Charlie Lyne en este
largometraje poblado con imágenes de más de 200 películas,
narrado por Fairuza Balk y musicalizado con gran potencia por
Summer Camp. De visión obligatoria para los amantes del género. Pablo Conde

The romance between cinema and adolescence started to take
shape during the ‘50s, at some point between Marlon Brando,
James Dean and Bill Halley. In the ‘80s, it gained some unprecedented strength thanks to John Hughes, who stood away
from Porky’s-style products in order to more skillfully sketch a
stronger profile of modern youth. What followed was an overabundance of features starring/for/about teenagers that summarize the different aspects of young cinema: first loves, social
differences, sexuality and the ever-present teenage angst. Filled
with archetypes, it is a genre with its own rules, which Charlie
Lyne studies in this feature populated by images from more than
200 films, narrated by Fairuza Balk and with some potent music
by Summer Camp. A must-see for lovers of the genre. PC

Charlie Lyne
Nació en 1991 y vive en Londres. Trabaja como periodista para The Guardian, y dirigió un corto y tres largos documentales.
He was born in 1991 and lives in London. He works as a journalist for
The Guardian, and directed a short film and three documentary features.

Reino Unido - UK, 2014 / 89’ / DCP / Color
Inglés - English
D, F, DA: Charlie Lyne M: Summer Camp P: Charlie Lyne,
Billy Boyd Cape, Anthony Ing PE: Louis Bhose, Miles Haughton,
Oliver Levy, Fred Macpherson, Sue Odell CP: Beyond Clueless Limited
I: Fairuza Balk
Contacto / Contact
Charlie Lyne
T +44 7913 207 949
E [email protected]
W charlielyne.com ~ beyondclueless.co.uk

220

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

Cinefilias - Charlie Lyne

Fear Itself
El miedo en persona
Construido en su totalidad a partir de escenas de distintas películas, el film enfrenta a los espectadores ante una amplia
gama de imágenes y sonidos de cien años de cine de terror, y
los invita a descubrir cómo funciona el miedo.

Built entirely on scenes from different movies, this film faces
the viewer to a wide range of pictures and sounds from a hundred years of horror cinema, and invites you to find out how
fear works.

Una puerta chirriante, un susurro al oído, un bad trip en la calle, el misterio de lo que no se ve, la sensación perturbadora
de estar solo, una pesadilla profunda que atormenta y no deja
dormir. ¿Se puede gozar del miedo? Este documental recorre la
naturaleza del susto ejemplificándolo con un poderoso recorrido
de cien años de historia del cine. El trabajo de la BBC se devela
como un interesante estudio del género y se yergue como un
viaje a la experiencia física del miedo. Una voz en off va hilando
la narración entre imágenes de 8mm y Dark Water, pasando por
Poltergeist II, Suspiria, El sonido de la muerte y muchas más.
Por eso la película es una buena excusa para revisitar una de
las sensaciones más ¿placenteras? que provoca el hecho de
ver películas de horror: tener miedo de todo, hasta del miedo
mismo. Hernán Panessi

A screeching door, a whisper in the ear, a bad trip on the street,
the mystery of the unseen, the disturbing sensation of being
alone, a deep nightmare tormenting you and keeping you up.
Can you enjoy fear? This documentary goes through the nature
of scary with examples from a powerful tour through a hundred years of film history. The BBC work results in an interesting
study on the genre and stands as a journey into the physical
experience of fear. A voice over leads the narration, amidst images from 8mm to Dark Water, including Poltergeist II, Suspiria,
Blow Out, and many more. That is why the film is a good excuse
to revisit one of the most pleasant (?) feelings from watching
horror movies: being afraid of everything, even of fear itself. HP

Reino Unido - UK, 2015 / 88’ / DCP / Color
Inglés - English
D, E, G: Charlie Lyne M: Jeremy Warmsley P: Catherine Bray,
Anthony Ing, Charlie Lyne, Daniel O’Connor PE: Victoria Jaye,
Janet Lee CP: BBC I: Amy E. Watson
Contacto / Contact
BBC. Charlie Lyne
T +44 7913 207 949 E [email protected]
W charlielyne.com ~ bbc.co.uk

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

221

personas y personajes
People & Characters

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

people & characters

Carmona tiene una fuente
Carmona Has a Fountain
Barcelona cambia y muchos ya no entran en el nuevo paisaje
urbano que se está fraguando. Pedro Vázquez está a punto de
cumplir setenta años y se ve obligado a abandonar el insalubre
piso donde vive en el Casco Antiguo. Pero ¿a dónde ir?

Barcelona changes and lots of people are not part of the new
urban landscape that is being planned. Pedro Vazquez is about
to turn seventy and he is forced to leave the unhealthy apartment where he lives in the Old Quarter. But, where will he go?

“En la celda tenía una cama, una mesita y un placard. Y a la
noche aparecía, detrás de los barrotes, un demonio que me
miraba y se reía de mí”. Pedro Vázquez tiene todas las restricciones posibles, pero no negociará la de entregar su libertad.
Antonio Trullén lo acompaña en esa obstinación, y cada plano
que le da a Vázquez se convierte en un lugar de resistencia. Si
no es desafiando a la salud en un bar o en alguna deambulación
nocturna, es gritándole a quien le viene a cobrar el alquiler o a
los edificios públicos. Pedro sabe, independientemente de su
salud, que su final llegó hace rato para la sociedad en la que
vive; entonces la contempla con dolor, casi caído de la historia,
como un personaje de western, pero también con cierta impunidad vengativa. La maldice, ahora desde afuera, como un
demonio tras los barrotes que se ríe de los nuevos presidiarios.
Daniel Alaniz

“In my cell, I had a bed, a small table, and a closet. And every
night, a demon showed up from behind the bars, looking and
laughing at me”. Pedro Vazquez finds himself restricted in every
possible way, yet he won’t negotiate his freedom. Antonio Trullén joins him in that stubbornness, and every shot of Vázquez
becomes a place of resistance. He can be compromising his
own health in a bar, wandering around at night, or shouting
either at a person who comes to collect his rent, or at public
buildings. Regardless of his health, Pedro knows the end of him
has come a long time ago in the community he lives in. So, he
contemplates it in pain, as if fallen from history like a character in a western, but also with a certain vindictive impunity. He
curses it from the outside now, like a demon coming across the
bars and laughing at the new inmates. DA

Antonio Trullén
Nació en Barcelona en 1980. Estudió teoría de la literatura y literatura
comparada en la Universidad de Barcelona y la Nueva Sorbona de París, y
montaje en el Instituto Nacional de las Artes del Espectáculo de Bruselas
(INSAS). Carmona tiene una fuente es su primer trabajo como realizador.
He was born in Barcelona in 1980. He studied theory of literature and
compared literature at the University of Barcelona and the New Sorbonne
in Paris, as well as film editing at the National Institute of the Arts of
Spectatle in Brussels (INSAS). Carmona Has a Fountain is his first work
as a filmmaker.

224

España - Spain, 2015
57’ / DCP / Color
Español - Spanish
D, G, F, DA, S, P, PE: Antonio Trullén E: Antonio Trullén, Valeria Stucki
I: Pedro Vázquez, Esmeralda, Mami Watanabe, Losan
Contacto / Contact
Playtime Audiovisuales. Natalia Piñuel
T +34 687 095 212
E [email protected]
W playtimeaudiovisuales.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

personas y personajes

El Francesito. Un documental
(im)posible sobre Enrique Pichon-RiviÈre
The Little French
Más de una encuesta afirma que Argentina es uno de los países
con más psicoanalistas en el mundo. En este documental, Kohan investiga como si fuera Sherlock Holmes de qué manera la
obra de Enrique Pichon-Rivière provocó semejante fenómeno.

Several polls confirm Argentina is one of the cities with the
most psychoanalysts in the world. In this documentary, Kohan
investigates, in Sherlock Holmes style, how the work of Enrique Pichon-Riviere caused this phenomenon.

No existirían en Argentina tantos fanáticos de Woody Allen de
no ser por Enrique Pichon-Rivière. El Francesito, como le decían sus amigos, ancló las raíces del psicoanálisis en nuestro
país para que crezcan como árboles gigantescos que en vez de
frutos ofrecen divanes. El psiquiatra y psicoanalista creció en la
selva chaqueña, entre las manchas de los pumas y los dientes
afilados de los yacarés. Cuentan sus allegados que esa infancia
salvaje fue el crayón que bocetó su camino profesional, el cemento con el que construyó su obsesión por descifrar la locura.
Kohan entrevista a colegas, familiares y admiradores de la obra
de Pichon-Rivière para convertir al monumento en ser humano.
A través de diferentes anécdotas, el director teje un sweater
de celuloide que abriga al mismo tiempo que pica. Eso es, en
definitiva, lo que produce el psicoanálisis. Maia Debowicz

There wouldn’t be so many Woody Allen fans in Argentina if
it weren’t for Enrique Pichon-Rivière. The Little Frenchman, as
his friends called him, anchored the roots of psychoanalysis in
order for them to grow like giant trees that offer couches instead
of fruit. The psychiatrist and psychoanalyst grew up in the Chaco
jungle, among the puma spots and sharp alligator teeth. His
friends and relatives say that his wild childhood was the crayon
that sketched his career path, the concrete with which he built
his obsession for deciphering madness. Kohan interviews colleagues, relatives and admirers of Pichon-Rivière’s work in order to turn the monument into a human being. Through different
anecdotes, the director knits a celluloid sweater that keeps you
warm and itches at the same time. That is, in short, what psychoanalysis does. MD

Miguel Luis Kohan

Argentina, 2016 / 85’ / DCP / Color & B&N / Español - Spanish

Nació en 1957, estudió cine y producción de televisión en Los Ángeles.
Es el fundador de la productora K Films, y dirigió Salinas grandes (2001),
Café de los maestros (2009), y el unitario Lluvia cósmica (2015).
He was born in 1957, and studied film and TV production in Los Angeles.
He’s the founder of the production company K Films, and directed Salinas grandes (2001), Café de los maestros (2009), and the series Lluvia
cósmica (2015).

D, G, P, DA: Miguel Luis Kohan F: Miguel Luis Kohan,
José María Gómez E: Rosario Cervio S: Gustavo Pomenarec,
Diego Martínez M: Gustavo Pomenarec PE: Nicolás Batlle
CP: K Films I: Joaquín Pichon Rivière, Alfredo Moffatt,
Ana Quiroga, Juan José Stagnaro, Estela Baistrocchi
Contacto / Contact
K Films. Miguel Luis Kohan
T +54 11 4556 0723
E [email protected]
W kfilmscine.com ~ kfilmsproducciones.wordpress.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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people & characters

Il solengo
Un grupo de viejos amigos se reúne en una pequeña cabaña
para recordar a Mario de Marcella, un ermitaño que vivía en el
bosque cerca de Roma. Lo llamaban Il Solengo, que en el dialecto toscano hace referencia a un jabalí aislado de la manada.

A group of old friends gather in a small cabin to remember
Mario de Marcella, a hermit living in the woods near Rome.
They used to call him Il Solengo, a Tuscan dialect reference for
a boar that stranded away from the heard.

El protagonista de esta película tan áspera como contundente
es un ser solitario cuyo comportamiento resulta un enigma para
quienes lo rodean: il solengo del título es en definitiva un animal
perdido, cuyo recuerdo persiste en los relatos de los mayores
de un pueblo de la campiña italiana en las afueras de Roma. La
película se articula a partir de charlas y testimonios de quienes
conocieron al personaje, para trazar desde allí un panorama
gris, lleno de zonas inasibles, de la primera mitad del siglo XX
en Italia. La infelicidad secreta del personaje, figura central aunque elusiva de la trama, así como su hosquedad y su naturaleza
insondable, se presentan como el fantasma de todo relato que
se precie: así como no hay historia que valga sin claroscuros,
tampoco hay cine de verdad sin un misterio cuya resolución
está condenada al fracaso. David Obarrio

The main character in this rough and blunt film is a lonely person whose behavior is a mystery, even for those around him: the
solengo from the title is, in the end, a lost animal whose memory
persists in the stories of the elders in an Italian rural town outside Rome. The film is articulated through a series of conversations and testimonies from people who knew the character. It
later draws a gray landscape, filled with intangible areas, of the
first half of the 20th century in Italy. The secret unhappiness of
the character –an essential yet elusive element of the plot– and
his grim, bottomless nature are all presented like the ghost of
any self-respecting story should. Just like there’s no story without shady areas, no true cinema lacks a mystery with a solution
that is doomed to fail. DO

Los directores / the Directors
Alessio Rigo de Righi: Nació en Estados Unidos en 1986, y estudió
literatura en Roma y cine en Nueva York. Matteo Zoppis: Nació en Roma
en 1986 y estudió cine en Nueva York. Juntos dirigieron el mediometraje
Belva Nera (Premio del Jurado en Cinema du Reel 2014, Bafici ‘14).)
Alessio Rigo de Righi: He was born in the US in 1986, and studied
literature in Roma and filmmaking in New York. Matteo Zoppis: He was
born in Rome in 1986 and studied filmmaking in New York. Together,
they directed the medium-length film Belva Nera (Jury Prize at Cinema
du Reel 2014, Bafici ‘14).

226

Italia / Argentina - Italy / Argentina, 2015 / 70’ / DCP / Color /
Italiano - Italian
D, G: Alessio Rigo de Righi, Matteo Zoppis F: Simone d’Arcangelo
E: Andrés Pepe Estrada, Alessio Rigo de Righi, Matteo Zoppis
S: Marcos Molina Jaime P: Tommaso Bertani, Alessio Rigo de Richi,
Matteo Zoppis, Agustina Costa M: Vittorio Giampietro, Fabrizio Magliocca
CP: Ring Film, Cosa Rossa Film, Volpe Films I: Bruno di Giovanni, Ercole
Colnago, Giovanni Morichelli, Ugo Farnetti, Orso Pietrini
Contacto / Contact
Ring Film, Volpe Films. Agustina Costa
T +54 11 5752 5653 E [email protected]
W volpefilms.com ~ ringfilm.it/ilsolengo

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

personas y personajes

Jess & James
Jess y James son dos jóvenes que tienen un breve encuentro
sexual y emprenden un viaje a través de la pampa argentina
para reunirse con el hermano de Jess. En el camino se enfrentarán a sucesos inesperados y participarán en un trío con
otro hombre.

La vida sin fantasía no tiene ningún sentido. Y en base a eso
construye Giralt su fábula romántica de escape hacia la libertad,
sea sexual, identitaria o lúdica. Los muchachos solo quieren
divertirse, no quieren quedar atados a las cadenas del mundo
del trabajo, de las apariencias, del pretender ser. Son cowboys
queer habitando su road movie particular, su renacer rural, donde la ciudad solo implica rutinas, escondites y simulaciones.
El campo, con su infinita planicie verde, es una invitación a la
sensualidad, a toquetearse sin tapujos, a dejar atrás vínculos
viciados más regidos por el pasado que por la inmediatez erótica del presente. Juventud que es puro deseo, como la película
misma, que exhibe gozosa una total empatía hacia su tierna
rebeldía. Guido Segal

Santiago Giralt

Jess y James are two young men who share a brief sexual
encounter and go out on a trip through the Argentine pampas
to meet Jess’ brother. On the way, they will face unexpected
events and join a three-way with another man.

Life without fantasy is pointless. And Giralt uses this statement
as the basis of his romantic fable about an escape towards
freedom (sexual, identitary or playful). Boys just want to have
fun; they don’t want to remain tied to the chains of the world of
labor, of appearances, of expectations. They are queer cowboys
inhabiting their own private road movie, their rural rebirth, where
the city involves routines, hideouts and simulations. The country, with its endless green plains, is an invitation to sensuality,
to touching each other without reservations, to leaving behind
stale bonds that are more tied to the past than to the erotic
urgency of the present. Youth that’s pure desire, like the film
itself, which joyously exhibits total empathy towards their tender
rebelliousness. GS

Argentina, 2016 / 90’ / DM / Color / Español - Spanish

Dirigió Toda la gente sola (2009), Antes del estreno (2010), Anagramas
(2014) y es uno de los realizadores de UPA 2! El regreso (Bafici ‘15).
He directed Toda la gente sola (2009), Antes del estreno (2010), and
Anagramas (2014) and is one of the directors of UPA 2! El regreso (Bafici ‘15).

D, G, E: Santiago Giralt F: Connie Martin DA: Julieta Lopez Acosta
S: Nicolas Payueta M: Emisor P: Federico Carol, Derek Curl
PE: Federico Carol, Andrew Chang CP: Los Griegos Films,
TLA Releasing I: Martín Karich, Nicolás Romeo, Federico Fontán,
Alejandro Paker, Nahuel Mutti
Contacto / Contact
Los Griegos Films. Federico Carol
T +54 9 11 6306 5288
E [email protected]
W losgriegosfilms.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

people & characters

La piel marcada
Scars
Boxeador y poeta, Sergio Víctor Palma fue el primer campeón
mundial argentino en obtener el título en Estados Unidos. Ahora, a los 59 años, se propone refundar un gimnasio de Lanús en
el que, desde su sillita ubicada a un costado del ring, continúa
alentando a los jóvenes a perseguir sus sueños.

A boxer and a poet, Sergio Victor Palma was the first Argentine
champion to obtain the title in the US. Now, at the age of 59, he
wants to reopen a gym in Lanus where he continues to encourage young people to pursue their dreams, from a small chair
by the side of the ring.

“En el ring puedo quedarme hasta ser viejo y con canas, porque sé cómo pegar y bailar para desaparecer”, dijo una vez
el Superman del boxeo, Mohamed Ali. Un sentimiento similar
cobijó por décadas a Sergio Víctor Palma, el primer campeón
mundial argentino en obtener el título en Estados Unidos. El
boxeador chaqueño que provocó furor en la gente a fines de
los setenta ya no cubre sus manos con los acolchonados
guantes: ahora lucha dentro de un cuerpo dañado para que
no se derritan sus recuerdos. Hernán Fernández retrata con
primeros planos la serenidad de ese hombre sabio que, además de pelear como Rocky y entrenar a los más jóvenes con
la pasión de Mickey, fue poeta y músico, e intenta descubrir
una respuesta a la pregunta que persiguió a Sergio por años:
¿qué sucede después de que uno llega a la cima del mundo?
Maia Debowicz

“I can stay on the ring until I’m old and go gray, because I
know how to hit and dance in order to disappear”, said once
the Superman of boxing, Muhammad Ali. The first Argentine world champion to have won the title in the US, Sergio
Víctor Palma, held a similar feeling for decades. The fighter
from Chaco, who raised passions among people in the late
‘60s, no longer covers his hands with gloves: he now fights
inside his damaged body to prevent the memories from melting away. Hernán Fernández uses close-ups to depict the
serenity of this wise man –he fights like Rocky, trains the
young with Mickey’s passion, and was also a poet and a
musician– and tries to find an answer to the question that
haunted Sergio for years: what happens after you reach the
top of the world? MD

Hernán Fernández
Nació en Buenos Aires en 1985. Es director de montaje egresado de la
ENERC. Dirigió el mediometraje El segundo oficio (2013) y el largo Puerto
Paticuá (2014).
He was born in Buenos Aires in 1985. He is an editor graduated from
ENERC. He directed the medium length film El segundo oficio (2013) and
the feature-length film Puerto Paticuá (2014).

228

Argentina, 2016 / 76’ / DCP / Color
Español - Spanish
D, G, P: Hernán Fernández F: Diego Gachassin E: Luciano Sosa,
Hernán Fernández S: Julián Caparrós PE: Morena Fernández
Quinteros, Sergio Acosta I: Sergio Víctor Palma, Matías Zavalla,
Orieta Edith Gilberto
Contacto / Contact
Hernán Fernández
T +54 9 11 6548 2598
E [email protected]
W lapielmarcada.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

personas y personajes

Linefork
Lee Sexton, quien comenzó a tocar el banjo a los 8 años, proviene de una familia de agricultores de una zona rural de Kentucky, conocida por su pobreza y sus minas de carbón. Esta
figura legendaria es el motor de esta película que recorre su
historia de vida.

Lee Sexton started playing banjo when he was 8 years old, and
he comes from a farmers’ family in a rural area of Kentucky,
known for its poverty and carbon mines. This legendary figure
is the engine of the film, which covers his life story.

Estados Unidos es muchos países en uno, y entre sus linajes se
encuentra la veta más telúrica, donde el sonido de un banjo tiñe
de alegres melodías el paisaje agreste de planicies ocres. Kentucky, bañada en bourbon y trenes oxidados, es un exponente
de un pasado mítico, de cadenas rotas, de acentos marcados,
gorras militares y valores tradicionales. Es también donde Lee
Sexton –leyenda olvidada del banjo y minero retirado– y su
esposa viven su plácida vejez, poblada de silencios y complicidades; donde cosechan porotos, respiran música y lidian con
la carga impositiva de un gobierno que se ha olvidado de ellos.
Silva y Rawlins nos invitan a visitar el rincón menos glamoroso
de la fastuosa nación, donde la herencia se defiende a golpe
de cuerda y la vida es concreta en los confines del hogar rural,
como le hubiera gustado a Henry David Thoreau. Guido Segal

The US is many countries in one, and between its lineages,
we can find its most earthly vein, where the sound of a banjo
tinges the rural landscape of ochre plains with joyful melodies.
Kentucky, steeped in bourbon and rusty trains, is an example
of a mythical past, of broken chains, marked accents, military
berets, and traditional values. It’s also where Lee Sexton –a forgotten banjo legend and retired miner– and his wife live their
placid old age, filled with silences and complicities; where they
harvest beans, breathe music and deal with the tax burden of
a government that has forgotten them. Silva and Rawlins invite
us to visit the less-glamorous corner of this sumptuous nation,
where legacies are defended at the hit of a string and life is concrete in the confines of a rural home, as Henry David Thoreau
would have liked. GS

Jeff Silva
Es profesor y programador. Dirigió los documentales Balkan Rhapsodies:
78 Measures of War (2008) e Ivan and Ivana (2011).
He’s a film professor and programmer. He directed the documentaries
Balkan Rhapsodies: 78 Measures of War (2008) and Ivan and Ivana (2011).

Vic Rawlings
Vive en Massachusetts. Es músico especializado en instrumentos de
cuerda y maestro.
He lives in Massachusetts. He’s a musician specialized in string instruments, and a teacher.

Estados Unidos - US, 2016 / 98’ / DCP / Color
Inglés - English
D, F, E, P: Jeff Silva, Vic Rawlings S: Ernst Karel M: Lee Sexton
Contacto / Contact
Silva-Rawlings Productions. Jeff Silva
T +1 617 642 5737
E [email protected]
W linefork.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

people & characters

Looking for Exits - Conversations
with a Wingsuit Artist
Buscando salidas - Conversaciones con una artista del wingsuit
Atleta y artista del aire, Ellen Brennan vuela desde arriba de las
nubes con su traje especial a 240 kilómetros por hora. Como si
se tratara de una Henry David Thoreau de la actualidad o una
Nietzsche voladora, el director explora el lado filosófico de una
mujer impredecible.

An athlete and airborne artist, Ellen Brennan flies above the
clouds with her special suit at 240 kilometers per hour. As if
she was a current version of Henry David Thoreau or a flying
Nietzsche, the filmmaker explores the philosophical side of an
unpredictable woman.

El wingsuit del subtítulo es un traje que se utiliza para volar por
los aires. La gente se tira de aviones y planea un rato; otros,
como Ellen Brennan, aumentan el riesgo: suben montañas y
se tiran a través de precipicios. No son pocos los que se matan
contra una roca, o al menos ven su carrera truncada por una
herida grave. Looking for Exits explora este mundo a partir de
breves conversaciones con Brennan, una de las practicantes
con más años en el deporte. Mientras se atraviesan paisajes
fascinantes, los diálogos traspasan la discusión sobre el mero
hobby y exploran filosofías de vida, necesidades de escapismo
y búsquedas personales. Así, la película trasciende el retrato
de un personaje y se convierte en una paciente exploración de
esa delgada línea que divide la pasión de la locura. Emiliano
Andrés Cappiello

The wingsuit mentioned in the film’s title is a suit you use to fly
in the air. Some people wear it to jump from airplanes and glide
temporarily, while others like Ellen Brennan raise the stakes:
they climb up mountains and jump off cliffs. Quite some of them
end up killed by crashing into a rock, or at the very least have
their careers terminated by a serious injury. Looking for Exits explores this world through brief conversations with Brennan, one
of the longest-running players of this sport. While going through
fascinating landscapes, the dialogues go beyond the hobby
to explore philosophies of life, escapism needs, and personal
quests. Thus, the film transcends the portrait of a character to
become a patient exploration of that thin line dividing passion
from madness. EAC

Kristoffer Hegnsvad
Nacido en Dinamarca en 1978, se desempeña como jefe de redacción
de Film & TV, edición semanal del diario Dagbladet Politiken. Estudió
filosofía y estudios culturales en la Universidad de Copenhagen y en la
Sorbona de París. Looking for Exits es su primer trabajo como director.
Born in Denmark in 1978, he is an editor in chief for Film & TV, a weekly
edition of the Dagbladet Politiken newspaper. He studied philosophy and
cultural studies at the University of Copenhagen and the Sorbonne in
Paris. Looking for Exits is his directorial debut.

230

Dinamarca - Denmark, 2015 / 62’ / DCP / Color / Inglés - English
D: Kristoffer Hegnsvad G: Kristoffer Hegnsvad, Peter Alsted
F: Peter Alsted E: Paul Colcer DA: Troels Schwarz, Astrid Friis Reitzel
S: Peter Albrechtsen, Anne Gry Friis Kristensen M: Rune Glerup
P: Cecilie C. Caspersen PE: Kristoffer Hegnsvad, Peter Alsted
CP: Empty Chairs I: Ellen Brennan
Contacto / Contact
Empty Chairs. Cecilie Caspersen
T +45 2857 8485
E [email protected] ~ [email protected]
W emptychairs.dk ~ lookingforexits.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

personas y personajes

Murales. El principio de las cosas
Murals. The Beginning of Things
Francisco entrena para cruzar nadando el Río Paraná. La hazaña es casi tan grande como la de terminar el documental
que filma hace ocho años acerca de un colectivo de ex presos
políticos que pinta murales en homenaje a los desaparecidos.

Francisco trains to swim across the Paraná River. The feat is
almost as big as finishing the documentary he has been making for the past eight years about a group of former political
prisoners that paints murals honoring the desaparecidos.

Murales aborda un tema ciertamente doloroso con un espíritu
desconcertante, más cerca de la investigación no del todo empeñosa sobre el modo en que se construye una película que de
los fantasmas que pueblan la memoria y el pasado reciente de
la Argentina. El director indaga acerca de un familiar desaparecido en la última dictadura, pero al mismo tiempo busca un
tono, una forma, rasgos discernibles para contar eso que no se
sabe cómo contar. La película encuentra momentos luminosos,
navega entre brumas de un humor ligero, el desaliento propio
de un caso que parece destinado a no esclarecerse nunca y la
incertidumbre de estar moviéndose en un terreno esquivo, con
agujeros negros y sobrevivientes lacónicos. La falta de certezas
de la película, su constitución inorgánica, resulta ser al final su
sello más distintivo y secretamente conmovedor. David Obarrio

Murals taps into a certainly painful subject with a disconcerting
spirit, closer to the not-very-diligent investigation on the way a
film is built than to the ghosts that populate Argentina’s memory
and recent past. The director looks into the disappearance of
a relative during the last dictatorship, but, at the same time,
seeks a tone, a form, discernible features in order to tell that
which one doesn’t know how to tell. The film finds some luminous moments, navigates through hazes of light humor, the discouragement caused by a case that seems destined to remain
unsolved and the uncertainty of moving through elusive ground,
with black holes and laconic survivors. In the end, the film’s
lack of certainties, its inorganic setup, ends up being its most
distinctive and secretly moving feature. DO

Francisco Matiozzi Molinas
Nació en Rosario en 1978, y es licenciado en Comunicación Audiovisual.
Además trabaja como montajista y docente. Debutó como director con
su corto Pochormiga (2004).
He was born in Rosario in 1978, and majored in Audiovisual Communication. He also works as an editor and teacher. He debuted in filmmaking
with his short film Pochormiga (2004).

Argentina, 2016 / 66’ / DCP / Color & B&N / Español - Spanish
D, G, E: Francisco Matiozzi Molinas F: Francisco Matiozzi Molinas,
Mauro Barreca DA: Luciana Lacorazza S: Gabriela Rivas Feoli,
Francisco Matiozzi Molinas M: Iván Tarabelli P, PE: Luciana Lacorazza,
Francisco Matiozzi Molinas CP: Avi Films I: Francisco Matiozzi Molinas,
Haydée Molinas, Horacio Dalmonego, Luis Megías, Hugo Papalardo
Contacto / Contact
AVI Films. Luciana Lacorazza
T +54 9 341 656 8763 +54 9 341 3447890
E [email protected] ~ [email protected]
W avifilms.com.ar ~ murales.com.ar

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

231

people & characters

Un Français
French Blood
Un francés
Marco forma parte de un grupo de skinheads que pasan sus
días golpeando negros, árabes y judíos. Hasta que se produce
un quiebre y Marco desea emprender otro camino, mientras que
las personas a su alrededor continúan de la misma manera.

Marco is part of a group of skinheads who spend their days
beating up blacks, Arabs and Jews. Until Marco decides to go
on another path while those around him stay the same.

La primera media hora de Un français, afilada y pasada de
testosterona, remite directamente a Made in Britain, de Alan
Clarke, uno de los retratos más incómodos que se recuerdan
del resurgimiento de la ultraderecha en la Europa de los años
ochenta. Sin embargo, si la estrategia de Clarke en su película
pasaba por una confianza ciega en el combate dialéctico para
explicarnos a su personaje, en Un français nos encontramos
con otra cosa: el seguimiento de Marco, protagonista del film,
durante dos décadas en las que su vida se irá derrumbando
lentamente, así como los lazos con quienes lo rodean. El retrato
de esos veinte años servirá también para mostrarnos cómo la
institucionalización del odio es la prueba final y definitiva de otro
derrumbe: el de la idea de un país o un continente. Fran Gayo

The first, sharpened and testosterone-filled half-hour of French
Blood evokes Alan Clarke’s Made in Britain, one of the most
uncomfortable portraits ever made about the emergence of
the ultra-right wing in ‘80s Europe. However, whereas Clarke’s
strategy was a blind trust in dialectic combat as a way to explain
his main character, French Blood features a different thing: the
film follows the main character Marco for two decades in which
his life will slowly crumble, together with his relationships with
everyone around him. The portrait of those twenty years will also
serve as an illustration of how the institutionalization of hate is
the ultimate and definitive proof of yet another collapse: the notion of a country or a continent. FG

Diastème
Dramaturgo, músico, actor, guionista y realizador francés. Dirigió varios
cortos y el largo Le Bruit des gens autor (2008).
A French playwright, musician, actor, screenwriter and filmmaker. He
directed many shorts and the feature Sunny Spells (2008).

Francia - France, 2015 / 97’ / DCP / Color
Francés - French
D, G: Diastème F: Philippe Guilbert E: Chantal Hymans DA: Riton
Dupire-Clément S: Thomas Lefevre, Germain Boulay M: Jean-Marie
Blondel P: Philippe Lioret PE: Marielle Duigou CP: Fin Août, Mars Films,
France 3 Cinéma I: Alban Lenoir, Samuel Jouy, Paul Hamy, Olivier
Chenille, Jeanne Rosa
Contacto / Contact
Indie Sales Company. Martin Gondre
T +33 1448302 28 E [email protected]
W indiesales.eu

232

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

personas y personajes - penny lane

Our Nixon
Nuestro Nixon
Películas de Super 8 caseras nunca antes vistas, filmadas por
los colaboradores más cercanos a Richard Nixon –y conspiradores de Watergate– que ofrecen un punto de vista más íntimo
del famoso caso que involucra al funcionario.

Unreleased, homemade films in Super 8 shot by Richard
Nixon’s closest aids –and Watergate conspirators– offering an
intimate view of the famous case involving the president.

H. R. Haldeman, John Ehrlichman y Dwight Chapin. Tres hombres jóvenes, alejados de la política, que de pronto entraron en
el corazón de la Casa Blanca bajo el brazo de Richard Nixon.
Como jugando, estos hombres grabaron con una cámara Super
8 ese mundo nuevo que los fascina. Our Nixon recoge estas
imágenes, archivadas durante años, que van mostrando esa
fascinación casi adolescente por el poder, por el lujo, por el
encanto de estar cerca de la oficina más poderosa del mundo.
Pero, poco a poco, todo va cambiando: primero las protestas
pacifistas, los movimientos juveniles, la indignación por Vietnam. Y después Watergate, que termina siendo la estocada
final para estos jóvenes poderosos cuyo juego termina de la
peor manera. De wonder boys a mancha en la historia de Estados Unidos: Our Nixon es la crónica de tan oscuro recorrido.
Rodrigo Bedoya

H. R. Haldeman, John Ehrlichman and Dwight Chapin. Three
young men who didn’t come from politics, but soon entered
the heart of the White House under Richard Nixon’s wing. As if
playing a game, these men captured that new world that fascinated them with a Super 8 camera. Our Nixon compiles these
images, which had been archived for years, showing that almost
adolescent fascination for power, for luxury, for the joy of being
near the most powerful office in the world. But, little by little,
everything starts changing: first came the pacifist protests, the
youth movements, the outrage for Vietnam. And then Watergate,
which ends up being the deathblow for these powerful young
men whose game ends up in the worst possible way. From
wonder boys to a stain in the history of the US: Our Nixon is the
chronicle of such a dark journey. RB

Penny Lane
Se graduó en el Vassar College de Nueva York, EE. UU. Es cineasta y,
ocasionalmente, video artista, curadora y profesora de cine, video y
nuevos medios artísticos. Además de cortometrajes como The Abortion
Diaries (2005), dirigió dos largometrajes.
She graduated from Vassar College in New York, USA. She’s a filmmaker,
and occasional video artist, curator, and professor of film, video and new
art mediums. She directed several short films, including The Abortion
Diaries (2005), and directed two feature-length films.

Estados Unidos - US, 2013 / 85’ / DCP / Color & B&N
Inglés - English
D: Penny Lane E: Francisco Bello S: Tom Paul
M: Hrishikesh Hirway P: Penny Lane, Brian L. Frye
PE: Dan Cogan CP: Dipper Films, Impact Partners, PILOT
I: H.R. Haldeman, John Ehrlichman, Dwight Chapin
Contacto / Contact
Dipper Films. Penny Lane
T +1 347 255 3416
E [email protected]
W lennypane.com ~ ournixon.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

233

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

People & Characters - Penny Lane

Nuts!
¡Bolas!
Antes del Viagra había trasplantes de testículos de cabra, hombres con grandes sueños y un héroe improbable, el Dr. John
Brinkley, cuya extraña historia cuenta este documental animado.

Before Viagra, there were transplants of goat testicles, men
with huge dreams, and an unlikely hero named Dr. John Brinkley, and his weird story is told in this animated documentary.

Ver para creer: la excéntrica, apabullante, desquiciada historia
del Dr. John Romulus Brinkley (1885-1942), un genio de la estafa que erigió un imperio millonario durante la Gran Depresión
a partir de un peculiar invento para la cura de la impotencia
sexual; creando también, por el camino, esa maldición moderna
que es el infomercial. Desarrollada décadas antes del Viagra, la
técnica consistía en la (presunta) implantación en el paciente
de testículos de… chivo. A partir de algunas entrevistas, del
escaso material documental disponible y de unas divertidas
recreaciones animadas, Penny Lane despliega el retrato de un
personaje inenarrable con la ironía justa y una enorme fascinación, a la vez que plantea una entusiasta reflexión sobre esa
disposición, perfectamente humana, a creer en lo sobrenatural,
en curas mágicas y soluciones milagrosas. Mariano Kairuz

You have to see it to believe it: this is the eccentric, overwhelming, deranged story of Dr. John Romulus Brinkley (1885-1942),
a genius con man who built a millionaire empire during the
Great Depression through a particular invention that was meant
to cure sexual impotence –on the way, he also created that
modern curse called infomercials. Developed decades before
Viagra, the technique consisted in (presumably) implanting the
testicles of a… goat. Through interviews, the scarce archive
footage available, and some entertaining animated reenactments, Penny Lane lays out a portrait of an impossible character, with the right amount of irony and a huge fascination, which
in turn proposes an enthusiastic reflection on that perfectly human disposition to believe in supernatural things, magic cures,
and miraculous solutions. MK

Estados Unidos - US, 2016 / 79’ / DCP / Color & B&N
Inglés - English
D, F, DA: Penny Lane G: Thom Stylinski E: Penny Lane, Thom Stylinski
S: Tom Paul M: Brian McOmber P: Caitlin Mae Burke, James Belfer,
Daniel Shepard, Penny Lane PE: Dan Cogan, Elias Savada
CP: Gland Power Films, Cartuna I: Pope Brock, Gene Fowler,
Megan Seaholm, Jim Reardon
Contacto / Contact
Gland Power Films LLC. Penny Lane
T +1 347 255 3416 E [email protected]
W lennypane.com ~ nutsthefilm.com

234

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

Arquitectura
Architecture

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

architecture

Barbicania
Bêka y Lemoine se proponen realizar un video-diario de un
mes en la vida del Barbican, desde los pisos superiores de
las torres hasta los niveles subterráneos del centro de arte
situado en Londres. Un mapa íntimo de esta obra maestra de
la arquitectura brutalista.

Bêka and Lemoine intend to make a video-diary of one month
in the life of London’s Barbican, from the top floors of the towers to the underground levels of the art center. An intimate
map of this masterpiece of brutalist architecture.

Todos los días, dos hombres tocan el piano en la biblioteca del
Barbican Centre. Y, en los cuatro años que llevan haciéndolo, solo
hablaron una vez; dicen que no necesitan saber más del otro. En
otro extremo, en lo más alto de una de las torres, un matrimonio
cuenta que cuando llegaron estaban fascinados con la vista, salvo
por una torre gigante y espantosa: otro módulo del Barbican, igual
al que ellos habitan. El Barbican Centre es un espacio enorme
de encuentros, desencuentros y reflejos deformes; una autopista
humana de contradicciones, como ese sentimiento de pertenencia de sus habitantes a un lugar alienante. Y ya que hablamos de
ciencia y de ficción, es también un chip prodigioso lleno de fallas
en la matrix: como esa esquina donde siempre se forman remolinos de viento, o ese rincón tan particular a la vista, pero imposible
de fotografiar por cómo le da el sol. Daniel Alaniz

Every day, two men play the piano at the Barbican Centre library.
And in all the four years they have been doing this, they’ve only
talked to each other once –according to them they don’t need to
know more about one another. On the other end, high atop one
of the towers, a married couple tells us that when they got there
they were fascinated with the view, except for a giant, horrible
tower: another module of the Barbican, just like the one they
inhabit. The Barbican Centre is a huge area of encounters, failed
encounters, and deformed reflections. It’s a human highway of
contradictions; like that feeling of belonging to an alienating
place its inhabitants have. And since we’re talking about science and fiction, it’s also a marvelous chip filled with glitches in
the matrix: like that corner where whirlpools constantly form, or
that particular nook that is impossible to photograph because of
the way sunlight hits it. DA

Ila Bêka
Nació en Italia, y estudió arquitectura. En 2005 fundó, junto a Louise
Lemoine, la plataforma Bêka&Partners.
He was born in Italy and studied architecture. In 2005, he founded, along
with Louise Lemoine, the platform Bêka&Partners.

Louise Lemoine
Nació en Francia, y se graduó en cine y filosofía en la Universidad de la
Sorbona en París.
She was born in France and graduated in film and philosophy from the
Sorbonne, in Paris.

236

Francia / Reino Unido - France / UK, 2014 / 90’
DCP / Color / Inglés - English
D, G, E, DA: Ila Bêka, Louise Lemoine F: Ila Bêka
S: Louise Lemoine M: Walter Fuji, Lo Studio
P: Filippo Clericuzio PE: Marco Mona CP: Bêka&Partners
Contacto / Contact
Bêka&Partners. Sara Gardella
T +39 339 184 2284
E [email protected]
W living-architectures.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

arquitectura

Voyage autour de la lune
Viaje alrededor de la luna
La ciudad de Burdeos representada a través de un diario urbano.
Ila Bêka y Louise Lemoine nos hablan acerca de la identidad de
un espacio público que ha cambiado profundamente en la mente colectiva de la ciudad alguna vez llamada Puerto de Luna.

The city of Bordeaux represented through an urban journal. Ila
Bêka and Louise Lemoine tell us about the identity of a public
space that has gone through great change in the collective
mind of the city once known as the Port of Moon.

El lúcido, empático, lúdico método de Bêka y Lemoine no solo funciona detrás de puertas cerradas. Cualquier espacio tocado por la
arquitectura es susceptible de ser narrado a través de sus usuarios, a quienes la mirada del dúo devuelve a su estatuto primero
y principal: personas. En el renovado paseo ribereño de Burdeos
–que la Unesco declaró hace una década Patrimonio Mundial de
la Humanidad–, su flamante Voyage autour de la Lune encuentra
una fauna excepcional de tribus urbanas, músicos trashumantes
y devotos de religiones estrambóticas. Todos son tratados con el
mismo respeto, la misma curiosidad, la misma atención. Y en la
intimidad construida (cómo no) por B. y L., esas historias de vida
que parecen seguir el curso caprichoso del Garona logran contar,
también, a toda una ciudad. Agustín Masaedo

Bêka and Lemoine’s lucid, empathic, and playful method doesn’t
work only behind close doors. Any area tapped by architecture is
susceptible of being narrated through those who use it, and the
duo’s perspective gives them back their original and main status: people. In the renovated boardwalk of Bordeaux –declared
a World Heritage Site by Unesco a decade ago– its new Voyage
autour de la Lune finds an exceptional fauna of urban tribes,
travelling musicians, and devotees of outlandish religions. They
are all treated with the same respect, curiosity, and attention.
And in the intimacy built by B and L, those life stories that seem
to follow the whimsical path of the Garona River also manage to
depict a whole city. AM

Francia - France, 2016 / 76’ / DM / Color
Francés - French
D, G, E, DA: Ila Bêka, Louise Lemoine F: Ila Bêka
S: Louise Lemoine M: Walter Fuji, Lo Studio P: Filippo Clericuzio
PE: Filippo Clericuzio, Sara Gardella CP: Bêka&Partners
Contacto / Contact
Bêka&Partners. Sara Gardella
T +39 339 184 2284
E [email protected] W living-architectures.com

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237

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

architecture

TELOS: The Fantastic World
of Eugene Tssui
TELOS: El fantástico mundo de Eugene Tssui
Mucho antes que cualquier moda eco-friendly, un arquitecto
tan revolucionario como poco ortodoxo cuestionó todos los
estándares de la arquitectura para poner el paisaje y la naturaleza en primer plano. Lee ofrece un retrato vívido de su
talento y audacia.

Long before any eco-friendly trend ever existed, an architect
who is as revolutionary as he is unorthodox questioned the
standards of architecture and placed the landscape and nature in the spotlight. Lee offers a vivid portrait of his talent
and audacity.

Gimnasta olímpico, pianista excelso, artista plástico, diseñador de ropa, de joyas y hasta de la vajilla usada en su propia
boda… No faltará quien defina a Eugene Tssui como un hombre renacentista. Pero la imagen que construye este retrato que
plasmó su vecina californiana Kyung Lee es más bien la de un
hombre del futuro. Tan avanzadas y rupturistas son las ideas
de Tssui sobre la arquitectura –su principal campo de acción,
mal que le pese al establishment profesional– que casi ninguno
de sus fabulosos proyectos, inspirados en modelos de la naturaleza como los osos de agua o los nidos de termitas, llegó
a concretarse. Su última fantasía arquitectónica, sin embargo,
parece haber encontrado aliados inesperados en Mount Shasta,
la pequeña comunidad montañosa donde planea construirla.
Agustín Masaedo

An Olympic gymnast, sublime pianist, and plastic artist, he designs fashion, jewelry, and even the china used in his own wedding… Eugene Tussi could certainly be defined as a Renaissance man. But the portrait his Californian neighbor Kyung Lee
makes of him is more like the one of a man who comes from
the future. Tssui’s ideas on architecture –his main field of work,
sadly for that professional establishment– are so advanced and
groundbreaking that almost none of his projects –inspired in
models from nature like water bears or termite nests– ever got
constructed. His latest architectonic fantasy, however, appears
to have found unexpected allies at Mount Shasta, the small
mountain community where he plans to build it. AM

Kyung Lee
Nacida en Yokohama, Japón, en 1979, cuenta con una extensa trayectoria en edición y trabajo de cámara. Establecida en Estados Unidos, se
desempeñó en el área de posproducción para la cadena Link TV y trabajó
en múltiples documentales. TELOS: The Fantastic World of Eugene Tssui
es su debut como directora.
Born in Yokohama, Japan, in 1979, she has a long career in film edition
and camera work. She moved to the US, where she worked in postproduction for Link TV and worked in several documentaries. TELOS: The
Fantastic World of Eugene Tssui is her directorial debut.

238

Estados Unidos - US, 2014 / 58’
DCP / Color / Inglés - English
D, F, E, PE: Kyung Lee S: Philip Perkins M: Luke Wyland
P: Kyung Lee, George Csicsery CP: Ten By Ten I: Eugene Tssui,
Fred Stitt, Elisabeth Montgomery, Jason Monberg, Paolo Tssui
Contacto / Contact
Ten By Ten. Kyung Lee
T +1 510 652 1492
E [email protected]
W tenbyteninc.com ~ telosmovie.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

arquitectura

The Chinese Mayor
Datong
El alcalde chino

El alcalde chino Geng Yanbo realiza una reforma radical en
la ciudad de Datong. Su plan es demoler miles de hogares y
reubicar a medio millón de personas para dar paso a la restauración de reliquias antiguas, con el fin de fomentar el crecimiento económico a través del turismo y la cultura.

Chinese mayor Geng Yanbo is making a radical reform in the
city of Datong. His plan is to demolish thousands of homes and
relocate half a million people in order to give way to the restoration of antique relics, with the goal of promoting economic
growth through tourism and culture.

Geng Yanbo asume como autoridad de una de las ciudades
más contaminadas y superpobladas de China con un plan tan
enorme como antipático: demoler gran parte de la ciudad –de
crecimiento caótico y acelerado–, localizar a sus habitantes en
la periferia, refundarla reconstruyendo las viejas murallas perimetrales y sus edificios emblemáticos para que recupere su
valor patrimonial, y así hacer de ella una capital cultural, que
a su vez proyecte a futuro una nueva economía. Geng Yanbo
se enfrenta, como en un fuego cruzado permanente, con las
demandas de los habitantes, las falencias de la administración
y la voluntad del partido, a la vez que mantiene su visión de esa
otra ciudad posible como norte. Con íntima cercanía, asistimos
al proceso completo de su mandato, donde la dimensión de la
ciudad toma, ante todo, escala humana. Magdalena Arau

Geng Yanbo takes office as the authority of one of the most
contaminated and overpopulated cities in China, with a plan
that is as huge as unpopular: to demolish a big portion of the
city –in chaotic, accelerated growth–, relocate the people in the
outskirts, and re-found it again by reconstructing the old perimeter walls and emblematic buildings, so it can get its heritage
value back, thus turning it into a cultural capital that in turn can
project a new economy in the future. As in a permanent crossed
fire, Geng Yanbo faces the demands of the locals, failed management decisions, and the will of the party, while he maintains
his vision of a different city as the main goal. With an intimate
closeness, we witness the entire process of his mandate, as the
dimensions of the city acquire a human scale. MA

Hao Zhou
Nació en China, y dirigió seis largos documentales, entre los que se
destacan The Transition Period (2010) y The Night (2014).
He was born in China, and directed six documentary features, including
The Transition Period (2010) and The Night (2014).

China / Estados Unidos - China / US, 2015 / 87’
DM / Color / Chino - Chinese
D: Hao Zhou G, DA, P, PE: Qi Zhao F: Tianhui Zhang E: Tom Lin,
Xiaochuan Yu S: Jing Xiao CP: Zhaoqi Films I: Geng Yanbo, Song
Yuhua, Zheng Hui
Contacto / Contact
Zhaoqi Films. Qi Zhao
T +1 380 119 8369
E [email protected]
W zhaoqifilms.com

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239

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

architecture

The Land of Many Palaces
La tierra de muchos palacios
En Ordos, China, miles de agricultores están siendo reubicados en otra ciudad en virtud de un plan del gobierno para modernizar la región. El documental sigue a un funcionario cuyo
trabajo es convencer a los trabajadores de que se muden a
la ciudad.

El gobierno chino inaugura una ciudad. Casi como un prototipo,
esta se construye bajo una estricta planificación, que incluye
tanto las distintas áreas con sus modelos asignados de vivienda
como las rutinas públicas y los modos de habitarla. Se diseña
una ciudad y, en el mismo movimiento, a sus ciudadanos. El
plan incluye la relocalización de los campesinos que viven en las
afueras, quienes, con mayor o menor entusiasmo, entregan sus
tierras a cambio de un departamento y una serie de tutoriales
urbanos que pregonan calidad de vida para todos. The Land
of Many Palaces oscila entre el retrato biográfico riguroso y la
contemplación de un paisaje artificial imponente que, entre sus
atractivos, ofrece una réplica a escala de una pequeña granja
como pieza de museo. Magdalena Arau

LOS Directores / the Directors
Adam Smith: Nació en Inglaterra en 1987. Tiene un máster en Documental de la Universidad de Stanford. Dirigió el corto Role Play (2012) y
dos largometrajes. Ting Song: Nació en China en 1984. Tiene un máster
en Cine de Universidad de Nueva York. Realizó el corto The Way Home
(2013), un largometraje y un documental televisivo.
Adam Smith: Born in England in 1987. He has a master in Documentary
from Stanford University . He directed the short Role Play (2012) and
two feature films.Ting Song: Born in China in 1984. He has a Master’s
in Film at New York University. He made the short film The Way Home
(2013), a feature film and a television documentary.

240

In Ordos, China, thousands of farmers are being relocated in
another city due to a government plan to modernize the region.
The documentary follows a government official whose job is to
convince the workers of moving to the city.

The Chinese government is inaugurating a city. Almost like a
prototype, the place is built on a strict plan that includes both
all the different areas with assigned home units as well as their
public routines and the ways of inhabiting them. A city is designed, and its citizens too. The plan includes the relocation of
farmers living in the outskirts, who surrender their lands –with
mixed levels of enthusiasm– in exchange for an apartment and
a series of urban tutorials that promote quality of life for everyone. The Land of Many Places oscillates between a rigorous biographical portrait and the contemplation of a stunning artificial
landscape and its attractions, which include a scale replica of a
small farm, like a museum piece. MA

China / Reino Unido - China / UK, 2015 / 61’
DCP / Color / Mandarín / Mandarin
D, F: Adam Smith, Ting Song E: Adam Smith S: Yanyi Tong
M: Rob Scales P, PE: Ting Song, Adam Smith, Qihan Wang
CP: Pulan Films I: Yuan Xiao-mei, Hao Shi-wen
Contacto / Contact
Pulan Films. Ting Song
T +86 186 0049 9079
E [email protected]
W pulanfilms.com ~ thelandofmanypalaces.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

arquitectura

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

La cupola

Le Corbusier [|||||]
Asger Jorn [Relief]

El retrato de una casa sin paredes que la sostengan. Una llamativa cúpula de hormigón, un espacio abierto justo en medio
de las extrañas formaciones rocosas de una costa escarpada
de granito rojizo. La casa perteneció a la actriz Monica Vitti y
al director Michelangelo Antonioni. Aparentemente al azar, en
la imagen surgen figuras que entran al domo y, todavía hoy,
la utopía de un concepto alternativo de vida parece flotar por
encima de su silueta.
The portrait of a house without supporting walls. A bold dome
made of concrete, an open space right in the middle of the
bizarre rock formations of a rugged coast made of reddish
granite. The house belonged to actress Monica Vitti and director Michelangelo Antonioni. Seemingly at random, figures wind
up in the image and enter the dome, and even today, the utopia
of an alternative concept of living seems to float above its form.
Volker Sattel
Nació en 1970. Estudió dirección y cámara en la Academia de Cine de
Baden Württemberg. Actualmente vive y trabaja en Berlín.
He was born in 1970. He studied filmmaking and camera at the Baden
Württemberg Film Academy. He currently lives and works in Berlin.
Alemania - Germany, 2016 / 40’ / DCP / Color
Italiano / Alemán - Italian / German
D, G, P: Volker Sattel F: Volker Sattel, Thilo Schmidt
E: Stefanie Gaus, Volker Sattel S: Filipp Forberg, Tim Elzer
M: Tim Elzer PE: Caroline Kirberg
CP: Volker Sattel I: Minze Gaus, Francesca Bertin,
Guisepina Isetta, Severin Dold, Stephan Geene
Contacto / Contact
Volker Sattel
T +49 179 695 4709
E [email protected]

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

Emigholz compara la Villa Savoye, construida por Le Corbusier
en 1931, con el Grand Relief, de Asger Jorn, que el pintor y
escultor danés produjo en 1959 para el Århus Statsgymnasium. La película traza conexiones entre objetos disímiles, al
menos de acuerdo con las disposiciones ideológicas de sus
creadores. “Un diálogo entre la claridad estilizada a fondo y
el salvajismo declarado, en ambos casos con ribetes ideológicos”, en palabras del director.
Emigholz contrasts the Villa Savoye, built by Le Corbusier in
1931, and Asger Jorn’s Grand Relief, which the Danish painter
and sculptor produced in 1959 for the Århus Statsgymnasium.
The film makes connections between what does not belong
together, at least not according to the ideological stipulations of
their creators. “A dialogue between thoroughly stylized clarity
and declared wildness, both with ideologically trimmings,” in
the words of the director.
Heinz Emigholz
Nació en Alemania en 1948. Se formó como dibujante antes de estudiar
filosofía y literatura en Hamburgo. Comenzó su carrera en el cine en
1968, y dirigió varios cortos y largos documentales como Loos Ornamental (2009) y Perret in Frankreich und Algerien (2012).
He was born in Germany in 1948. He trained as a drawing artist before
studying philosophy and literature in Hamburg. He began his film career in
1968, and directed several short and feature-length documentaries, such
as Loos Ornamental (2009) and Perret in Frankreich und Algerien (2012).
Alemania / Dinamarca - Germany / Denmark, 2016
29’ / DCP / Color
D, G, P: Heinz Emigholz F, E: Heinz Emigholz, Till Beckmann
S: Till Beckmann, Jochen Jezussek, Christian Obermaier
CP: Heinz Emigholz Filmproduktion
Contacto / Contact
Filmgalerie 451. Frieder Schlaich T +49 30 3398 2800
E [email protected] W filmgalerie451.de

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

241

Architecture

Silence
PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Este cortometraje documental intenta traducir la arquitectura
románica del siglo XI a un lenguaje cinematográfico.
This documentary short film is an attempt of translating 11th
century architecture into a cinematic language.
Sebastian Pasquet
Nació en 1991 en Buenos Aires, Argentina. Estudió cine documental
en la UNSAM. Realizó varios cortometrajes documentales sobre arte y
cultura. Participó de varios festivales internacionales con el documental Sobre el arroyo. Trabajó como sonidista de varios cortometrajes de
ficción.
He was born in 1991 in Buenos Aires, Argentina. He studied documentary filmmaking at UNSAM. He directed several documentary short
about art and culture. He participated in several international festivals
with his documentary Sobre el arroyo. He worked as a sound designer
in several fiction short films.

242

Argentina / España - Argentina / Spain, 2016 / 15’
DM / Color / Inglés - English
D, G, F, E, S, P, PE: Sebastián Pasquet
CP: ECSA Espacio Cultural San Andrés I: Annette Gulick
Contacto / Contact
Sebastián Pasquet
T +54 9 11 3092 4804
E [email protected]
W sebastianpasquet.myportfolio.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

arquitectura - Karl-Heinz Klopf

Pensar en imágenes acerca de los espacios que nos
construimos para vivir parece (lo habrán notado, o lo
notarán, en esta sección) una puerta abierta de par en
par a la experimentación, al juego, a la libertad. Y la
obra del austríaco Karl-Heinz Klopf (Linz, 1956) es la
prueba –no definitiva: en construcción permanente– de
ello. A Klopf lo conocimos hace algunos años con la
pequeña (por duración y dimensiones de su sujeto) y
gigante (por todo lo demás) Tower House, y descubrir
ahora que esa era apenas la primera película de una
serie dedicada a las casas particulares de arquitectos
célebres, nos llenó de felicidad. No solo porque A Tropical House sea una obra maestra –que lo es–, sino
porque de ese descubrimiento pasamos al de la obra
previa de Klopf, dedicada íntegramente “a los ambientes construidos y las esferas urbanas”, como reza su
biografía. Y vimos que no hay dos de esos films que se
parezcan entre sí: los hay abstractos como Studio, coloridos como By Way of Display, humanistas y pop como
They y minimalistas como Plan. Con cada película, KarlHeinz Klopf parece borrar su libro de mapas y dibujarse
nuevos caminos: un cartógrafo libertario y lúdico, que
ahora les toca descubrir a ustedes. Agustín Masaedo

Thinking through images about the spaces we have
built to live in seems (you may have noticed it, or you
will notice it, in this section) like a wide-open door for
experimentation, for playing, for freedom. And the work
by Austrian Karl-Heinz Klopf (Linz, 1956) is proof –nondefinite: in permanent construction– of that.
We knew Klopf from the small (in running-time as well
as the dimensions of its subject) and enormous (for
everything else) Tower House, and discovering that it
was merely the first film in a series devoted to the homes of celebrated architects filled us with joy. Not only
because A Tropical House is a masterpiece –which it
is–, but also because that discovery led us to Klopf’s
previous work, fully devoted to “constructed environments and urban spheres,” as his biography reads. And
we saw that no two of these films resemble each other:
there are abstract ones like Studio, colorful ones like By
Way of Display, humanist and pop ones like They and
minimalist ones like Plan. With each film, Karl-Heinz
Klopf seems to erase his book of maps and draw new
paths: a libertarian, playful cartographer that is now
your turn to discover. AM

Contacto / Contact
Karl-Heinz Klopf
T +43 699 1070 1114
E [email protected]
W khklopf.at

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

243

Architecture - Karl-Heinz Klopf

Studio
Estudio
La cuenta regresiva está en marcha. La cámara se mueve a través
de varios niveles de un marco arquitectónico, surgen simulaciones
de paredes y pasillos, una estructura hecha de líneas negras sobre
fondo blanco. Con cada nivel adicional, el trabajo de la cámara se
vuelve más complejo y ofrece, como un videojuego, nuevas opciones y posibilidades. Cada tanto aparecen fragmentos de e-mails.
Hablan sobre ciudades y son, a la vez, huellas transmisibles de los
respectivos recorridos (laborales), del (auto)posicionamiento y de
los intercambios (en red). Rike Frank
The countdown runs. The camera moves through various levels
of an architectural framework, simulations of walls and hallways emerge, a structure made up of black lines on a white
background. With each additional level, the camera work becomes more complex and offers, like a videogame, new options and possibilities. From time to time excerpts from e-mail
messages appear. They tell about cities and are at the same
time communicable tracks of respective (work)paths, of (self)
positioning and of (network) exchanges. RF

By Way of Display

Austria, 2000 / 8’ / DCP / Color & B&N
D, G: Karl-Heinz Klopf, Sigrid Kurz E: Karl-Heinz Klopf, Sigrid Kurz,
Peter Hauenschild DA: Karl-Heinz Klopf S: Karl-Heinz Klopf,
Sigrid Kurz, Wolfgang Dorninger CP: KlopfKurz Vienna

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

Por medio de la exhibición
En Taiwán, la venta de nueces de areca –levemente estimulantes cuando se las mastica– dio lugar al desarrollo de una nueva clase de construcción improvisada: el puesto de nueces de
areca. Estos negocios temporales o simples unidades móviles,
atendidos por “Bellezas de las Nueces de Areca” que se visten
con uniformes ajustados para atraer a sus clientes, brotaron
como hongos por todo el país. By Way of Display habla de
este fenómeno singular haciendo foco en su contexto urbano,
cultural y social.
In Taiwan, the sale of betel nuts –a mild stimulant when chewed–
has spawned the development of a new makeshift building type,
the betel nut stall. These temporary stores or simple mobile
units, staffed by “Betel Nut Beauties” who dress in tight uniforms
to attract their customers, have cropped up all over the country.
By Way of Display tells about this specific phenomenon by focusing on its urban, cultural and social contexts.

244

Austria / Taiwán - Austria / Taiwan, 2003 / 37’ / DCP
Color & B&N / Chino / Inglés - Chinese / English
D, G, F, DA, P: Karl-Heinz Klopf E: Karl-Heinz Klopf, Kurt Hennrich
S: Wolfgang Dorninger M: Radio Asia FM92,7 CP: KlopfKurz Vienna
I: Herng-Dah Bih, Ti-Nan Chi, Neifei Ding, Min-Jay Kang, Cheng-Shen Lin

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

arquitectura - Karl-Heinz Klopf
PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

They
Ellos
Retrato de un área municipal en el norte de Liverpool, donde
un parque ondulado que nadie usa reemplazó lo que alguna
vez fue un barrio activo y populoso. Los vecinos del parque
pelean por la solidaridad de lo que queda de sus comunidades,
mientras buscan una nueva identidad y mejores condiciones
de vida. They aborda ese tema con precisión, y también desarrolla una narración propia que lleva a un acercamiento más
abstracto y transformador a la forma en que puede ser mirado
este paisaje.
The portrait of a municipal area in North Liverpool, where an
unused hilly park replaced what was once an active, highly
populated neighborhood. The neighborhoods around the park
fight for the solidarity of their remaining communities, and at
the same time search for a new identity and better living conditions.They precisely addresses this issue, whilst also developing its own narration which leads to a more abstract and
transformative approach to how this landscape may be viewed.

Austria / Reino Unido - Austria / UK, 2010
35’ / DCP / Color / Inglés - English
D, G, F, DA, P: Karl-Heinz Klopf E: Tatia Skhirtladze
S: Atanas Tcholakov CP: KlopfKurz Vienna
I: Adam Byrne, Frank Green, Shirley Hann, Ann Roach, Jane Corbett

PREMIERE INTERNACIONAL / INTERNATIONAL PREMIERE

Plan
Con una mirada única a la atmósfera de las oficinas de tres
arquitectos en Beijing, Plan muestra primeros planos y gestos de personas inmersas en su trabajo, en estrictas condiciones espaciales y en estrecha conexión con dispositivos
y programas. Las conferencias internas y discusiones con
clientes son observadas en detalle mientras se desarrollan
relatos en miniatura. Plan revela cómo una ciudad y su sociedad pueden ser imaginadas con solo mirar el ambiente de
un estudio de arquitectura.
A unique insight into the atmosphere of three architects’ offices in Beijing, Plan shows close ups of people and their gestures, immersed in their work in stringent spatial conditions
and in tight connection with devices and programs. Internal
conferences and discussions with clients are watched in detail while miniature-like narrations are developed. Plan reveals
how a city and its society can be imagined through the gaze at
the milieu of the architect’s office.

Austria / China, 2011 / 30’ / DCP / Color
Chino / Inglés - Chinese / English
D, G, F, DA, P: Karl-Heinz Klopf E: Tatia Skhirtladze
S: Atanas Tcholakov CP: KlopfKurz Vienna

* A pedido del director, la película se proyecta sin subtítulos / At the director’s request the film is screened without subtitles.
[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

245

Architecture - Karl-Heinz Klopf

Tower House
Casa-torre
La casa que Takamitsu Azuma construyó en una parcela de
veinte metros cuadrados en 1966 fue considerada, desde el
momento de su creación, un símbolo de la vida moderna.

The house Takamitsu Azuma built, in a 20-square-meter plot
in 1966, was considered, since the moment of its creation, a
symbol of modern life.

Tower House es una casa construida en 1966, en la ciudad de
Tokio, por Takamitsu Azuma. En apenas veinte metros cuadrados, la construcción piensa y resuelve problemas arquitectónicos
y de convivencia familiar. Está estructurada a partir de una escalera central que asciende en espiral, construida en cemento, que
le da a la casa una impresión de ligereza al tiempo que funciona
como núcleo a partir del cual todas las habitaciones se van posicionando unas sobre otras. Narrada por la hija de Azuma, quien
vivió allí desde niña y fue testigo de los cambios de la casa y
de sus alrededores, Tower House describe cómo el espacio que
habitamos puede modificar nuestras vidas y costumbres; desde
encontrar el rincón perfecto para colgar los sacos hasta saber
cómo pisar los escalones para avisar que pasamos de una habitación a otra. Leandro Listorti (Catálogo Bafici ‘14)

The Tower House was built by Takamitsu Azuma in the city of
Tokyo in 1966. In just twenty square meters, the construction
thinks about and resolves problems of architecture and family
cohabitation. It’s structured from a central spiral cement staircase that gives an impression of lightness at the same time it
works as a core from which all the rooms are positioned on top
of one another. Narrated by Azuma’s daughter, who has lived
there since her childhood and witnessed the changes in the
house and its surroundings, Tower House describes how the
space we inhabit can modify our lives and customs; from finding
the perfect spot to hang the coats to knowing how to put our
foot on the steps to let people know we’re going from one room
to another. LL (Bafici ‘14 Catalogue)

Austria / Japón - Austria / Japan, 2014 / 62’
DCP / Color & B&N / Japonés - Japonese
D, G, F, DA, P: Karl-Heinz Klopf E: Tatia Skhirtladze S: Nils Kirchhoff
CP: KlopfKurz Vienna I: Rie Azuma

246

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

arquitectura - Karl-Heinz Klopf

A Tropical House
Una casa tropical
Filmada casi en su totalidad en tomas estáticas y revelando,
piso tras piso, los rincones de una casa, esta es (además de la
perfecta continuidad de Tower House) la segunda meditación
cinematográfica del director acerca de una arquitectura tan
específica como cautivadora.

Almost entirely shot in still shots and revealing the corners of a
house floor by floor, this is the filmmaker’s second meditation
(and a perfect continuation to Tower House) about a particular
architecture, as specific as it is captivating.

La segunda película de la serie iniciada por Tower House retrata
la casa que Andra Matin diseñó para vivir junto a su familia.
Cómo filmarla pareciera ser la pregunta que este film responde:
con la humildad de un observador que se detiene ante un objeto fascinante. La cámara adquiere su pulso mientras recorre
paulatinamente la casa y revela su estructura, el modo en que
la luz incide en ella o la imagen del agua en un día de tormenta. Ese mismo gesto atraviesa el film mientras los espacios
se reconfiguran, dándole tanta importancia a una enorme viga
de concreto como a un paraguas que puede convertirse en un
techo transportable. Si existiese algo parecido a poder habitar
un lugar a la distancia, eso describiría la experiencia que nos
brinda esta película. Magdalena Arau

The second film in the series started by Tower House portrays
the house Andra Matin designed to live with his family. How to
shoot it seems to be the question this film answers: with the
humility of an observer that stops in front of a fascinating object. The camera acquires its firmness while gradually walking
around the house, and reveals its structure, the way the light
impacts on it or the image of water on a stormy day. That very
gesture is present throughout the entire film, and the space reconfigure themselves, making an enormous concrete beam and
an umbrella that can transform itself into a transportable roof
equally important. If it were possible to inhabit a place remotely,
it would describe the experience this film provides us with. MA

Austria / Indonesia, 2015 / 51’
DCP / Color / Javanés - Javanese
D, G, F, P: Karl-Heinz Klopf E: Tanja Skhirtladze S: Nils Kirchhoff
Contacto / Contact
Sixpackfilm. Dietmar Schwarzler
T +43 1 526 0990
E [email protected]film.com
W sixpackfilm.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

247

comer y beber
eat & drink

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

eat & drink

Ants on a Shrimp
Hormigas en un camarón
En enero de 2015, el Noma, reconocido como el mejor restaurante del mundo y dirigido por su carismático cocinero René
Redzepi, traslada a todo su equipo de Dinamarca a Japón. Un
viaje a través de los gustos y sabores de una de las culturas
alimentarias más impresionantes del mundo

In January 2015, the Noma, acknowledged as the best restaurant in the world and ran by its charismatic cook René Redzepi,
moved all its team from Denmark to Japan. A trip through the
flavors and tastes of one of the most impressive food cultures
in the world.

René Redzepi y su grupo de selectos chefs se mudan a
Tokio para abrir una sucursal de Noma, el mejor restaurante del
mundo. Pero en ese designio hay una búsqueda metafísica (y
material también): ¿cómo se lidia con la presión de ser “el mejor
del mundo”? ¿Cómo se logra estar siempre a la altura de las
circunstancias y las expectativas? Desplegando una búsqueda
herzoguiana más grande que la vida, liderados por un guía espiritual demente, recorriendo bosques y rincones inhóspitos en
busca de ingredientes (locales) que les permitan llegar a platos
únicos. Hay padecimiento, dolor, presión y fracaso hasta dar
con un acierto. Porque lo que importa para René es la obsesión,
la locura, el abandono de la zona de confort: en la experiencia
vital radica el secreto de ser los mejores del mundo. Pero quizá
nadie jamás sepa a qué precio. Hasta ahora. Cecilia Martínez

René Redzepi and his group of selected chefs move to Tokyo
and open a branch of Noma, the finest restaurant in the world.
But there’s a metaphysical (and material) search in that fate:
how do you deal with the pressure of being “the best in the
world”? How do you get to always meet the challenge and expectations? You do it by spreading a Herzogian, larger than life
quest lead by an insane spiritual guide, across forests and distant corners, in search of (local) ingredients that allow them to
make unique dishes. There’s suffering, pain, passion and failure
before an accomplishment. Because what matters for René is
obsession, madness and leaving your comfort zone: the secret
for being the best in the world lies on having a vital experience.
But probably no one knows at what price. Until now. CM

Maurice Dekkers
Periodista, director y empresario residente en Ámsterdam. Después de
graduarse de la Royal Academy of Arts, hizo la premiada serie Keuringsdienstvan Waarde, que se convirtió en uno de los programas más populares de la televisión holandesa. Ants on a Shrimp es su primer largometraje documental. ​
Amsterdam-based journalist, filmmaker, and entrepreneur. After graduating from the Royal Academy of Arts, he directed the awarded series Keuringsdienstvan Waarde, which became one of the most popular shows
on Dutch TV. Ants on a Shrimp is his first feature-length documentary.

250

Holanda - Netherlands, 2015 / 88’ / DCP / Color
Inglés / Japonés - English / Japanese
D, G: Maurice Dekkers F: Hans Bouma E: Pelle Asselbergs
S: Jillis Schriel M: Nicolas Jaar P: Nelsje Musch-Elzinga, Dan Blazer
CP: BlazHoffski, Dahl TV I: René Redzepi, Lars Williams, Rosio Sanchez,
Thomas Frebel, Dan Giusti
Contacto / Contact
Fortissimo Films
T +31 206 273 215
E [email protected]
W fortissimo.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

comer y beber

Campo a través. Mugaritz,
intuyendo un camino
Off Road. Mugaritz, Feeling a Way
Pep Gatell nos acerca al universo de Mugaritz, uno de los diez
mejores restaurantes del mundo. A través de sus pensamientos
y comentarios, el equipo de profesionales culinarios comparte su
inspiración, su trabajo y su esfuerzo por alcanzar la excelencia.

Pep Gatell draws us close to the world of Mugaritz, one of the
ten best restaurants in the world. Through their thoughts and
comments, these cooking professionals share their influences,
their work and their efforts to achieve excellence.

“Una flor, otra flor, un maestro”, decía la canción, y un poco así
es Campo a través. Pep Gatell llena este documental de planos
detalle y cerrados para, partiendo desde lo más pequeño, dar
cuenta de la dimensión infinita que pueden tener los grandes
proyectos. Flores, hojas, esponjas, llamas, corchos, bocas, instrumentos y texturas de todo tipo se suceden ante nuestros ojos
mientras los trabajadores del restaurante Mugaritz, de todo rango y especialización, cuentan en off la experiencia trascendental
que es llevar a cabo todos los días una maquinaria semejante.
“Una causa, un efecto”, continuaba la canción, y detrás de cada
pequeño detalle, filmado con minucia, se esconde el secreto
del éxito de los delirios posibles: el trabajo, ese material del que
están hechos los sueños. Daniel Alaniz

“One flower, another flower, a master,” said the song, and Campo
a través is kind of like that. Pep Gatell fills up this documentary
with detailed and closed shots, starting from small elements
to express the infinite dimension that can exist in big projects.
Flowers, leafs, sponges, flames, corks, mouths, instruments,
and all kinds of textures parade in front of our eyes, while the
voice over of the workers from the Mugaritz restaurant –from
every rank and area– tell us about the transcendental experience of making such machinery work every day. “One cause,
one effect,” said the song, and behind every thoroughly filmed
detail there’s the secret of success of every possible delirium:
work, that material which dreams are made of. DA

Pep Gatell

España - Spain, 2015 / 65’ / DCP / Color / Español - Spanish

Nació en España en 1958. Desde 1980, es uno de los directores artísticos de la prestigiosa compañía catalana de teatro La Fura dels Baus.
Dirigió los cortometrajes Macaron de caza (2012) y TABA (2013).
He was born in Spain in 1958. Since 1980, he is one of the artistic
directors of the prestigious Catalonian theater company La Fura dels
Baus. He has directed the shorts Macaron de caza (2012) and TABA:
The Table Game (2013).

D: Pep Gatell G: Andoni Luis Aduriz, Pep Gatell F: Pol Aregall
E: Sara López DA: Nadala Fernández S: Josep Vilagut, Miquel Mestres
M: Àlex Ferrer PE: Irene Aldareguia, Francisco Javier Allende Arias,
Andrés Luque, Nadala Fernández CP: IXO Producciones,
La Fura dels Baus, Euskaltel, Radio Televisión Española
I: Andoni Luis Aduriz, Ramon Perisé, Eli Iglesias, Javier Vergara Forcada
Contacto / Contact
Feelsales. María González
T +34 915 903 920 E [email protected]
W feelsales.com ~ campoatravesfilm.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

251

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

eat & drink

Carne propia
Bullseye
Un viejo toro campeón emprende el último viaje de su vida,
desde la pampa húmeda hacia su último destino: el matadero.
En su viaje en camión por las llanuras, la voz de su pensamiento recuerda las más extrañas historias sobre la carne argentina y la influencia que ejerce sobre nosotros.

An old champion bull goes on to its last journey from the
humid pampas to its last destination: the slaughterhouse.
On its trip through the planes, its thoughts remind us of the
strangest stories about Argentine beef and the influence it
has on us.

Que está cada vez más cara, que ya no se come tanta, que la
mejor se exporta, que si es buena o mala para la salud… Todos
tenemos algo para opinar sobre ella porque, como sabía una
vieja serie de TV, los argentinos de carne somos. Pero algunos
lo son más que otros, y justamente a esos, a los que están del
otro lado del mostrador (de la carnicería), nunca los escuchamos. Hasta ahora: este documental le da voz –una voz de recio
galán latino– a un toro campeón en su viaje final, para que
evoque a su paso relatos tan curiosos como reveladores sobre
el lugar que ocupa la carne por estas pampas. O “los lugares”:
de la Rural al monumento a la lata de corned beef, y de Berisso
a un frigorífico recuperado, Carne propia traza, con agudeza
y humor, el mapa posible de una auténtica pasión nacional.
Agustín Masaedo

It’s getting more expensive; people are not eating that much of
it these days; the finest one gets exported; it’s either good or
bad for your health…We all have an opinion about it, because,
as one famous TV show said, Argentines are made of beef. But
some are more than others, and we never get to hear them, the
ones standing on the other side of the butcher’s shop counter. Until now: this documentary provides a voice –a Latin stud
voice– to a champion bull on its last journey, so he can evoke
stories that are both curious and revealing about the place of
beef has in these pampas –or “places”: from the Rural Society
to the corned beef monument and from Berisso to an employeerun meatpacking, Bullseye draws a sharp and humorous map of
a true national passion. AM

Alberto Romero
Fue coguionista del documental Pichuco (2014) y de ¿Quién mató a
Mariano Ferreyra? (2013).
He co-wrote the documentary Pichuco (2014) and ¿Quién mató a Mariano Ferreyra? (2013).

252

Argentina, 2016 / 70’ / DM / Color / Español - Spanish
D, G, P: Alberto Romero F: Martín Turnes E: Juan Martín Hsu
S: Pablo Córdoba M: Tito Romero PE: Lucía Miranda
CP: Puente Films I: Arnaldo André
Contacto / Contact
Puente Films. Alberto Romero
T +54 9 11 5829 6967
E [email protected]
W puentefilms.com.ar ~ facebook.com/CarnePropiaFilm

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE
Foto / Photo: Edward Gray

comer y beber

In Defense of Food
En defensa de la comida
Basado en el bestseller homónimo del periodista Michael Pollan, este documental explora cómo la dieta moderna puede
ser perjudicial, y cómo se crea una confusión acerca de lo que
es saludable y lo que no.

Based on the bestseller of the same title by journalist Michael
Pollan, this documentary explores how modern diet can be
damaging, and how there is a confusion between what is
healthy and what’s not.

Si no conocen a Michael Pollan, ya es hora de hacerlo. Y si ya
lo conocen por sus publicaciones, ahora pueden verlo en este
documental que se hace a partir de su libro En defensa de la
comida (In Defense of Food ). Y que se enriquece con el conocimiento y la posterior carrera (exitosa) de Pollan, que ha seguido
escribiendo best sellers centrados en la comida, en comer, en
cocinar. ¿Por qué todas estas maravillas necesitan defensa? Si
no lo saben deberían ver esta película cargada de información
fundamental, de datos que asombran, de alertas urgentes. Si ya
lo saben, y ya leyeron frases de Pollan como “evita productos
con ganchos como light, descremado o bajo en grasas”, “evita alimentos que veas anunciados en televisión” o “si se llama
igual en todos los idiomas, no es comida”, también saben por
qué tienen que ver esta película. Javier Porta Fouz

If you don’t know Michael Pollan, it’s time you do. And if you
already know him from his publications, you can now see him
in this documentary based on his book In Defense of Food. The
film nurtures itself from the knowledge and (successful) career
of Pollan, who kept writing bestsellers about food, eating, and
cooking. Why do all these marvelous things need a defense?
If you don’t know, you should see this film, which is heavy on
fundamental information, amazing data, and urgent alerts. If you
do know and you already read phrases like “avoid any food with
hooks like light, non-fat, or low-fat,” “avoid any food you see
advertised on TV,” or “if it’s called the same in every language,
it’s not food,” then you know why you have to see this film. JPF

Michael Schwarz
Realizó varios largos documentales, entre los que se destacan The
Body’s Secret Army (2011) y The War on Microbes (2012).
He directed several documentary films including The Body’s Secret Army
(2011) and The War on Microbes (2012).

Estados Unidos - US, 2015 / 78’
DM / Color / Inglés - English
D: Michael Schwarz G: Edward Gray F: Vicente Franco
E: Rhonda Collins, Gail Huddleson S: Ray Day M: Christopher Hedge
P: Michael Schwarz, Edward Gray PE: Kiki Kapany CP: Kikim Media
I: Michael Pollan
Contacto / Contact
Kikim Media. Michael Schwarz
T +1 650 617 0550
E [email protected]
W kikim.com ~ pbs.org/indefenseoffood

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

253

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

eat & drink

Kampai! For the Love of Sake
¡Kampai! Por amor al sake
Un fabricante británico de sake, un periodista estadounidense y
el joven presidente de una destilería en Japón se unen para explorar el misterioso mundo del vino de arroz japonés y su historia.

A British sake manufacturer, an American journalist, and the
young president of a distillery in Japan gather to explore the
mysterious world of Japanese rice wine and its history.

Es complicada esa cuestión de encontrar algo que dé sentido a
la propia vida, algo que no todos logran ni identificar. ¿Qué tienen en común un periodista, un profesor de inglés y el dueño de
una destilería? La pasión, la determinación, el haber dedicado la
vida a algo, el haber renacido al encontrar un propósito que los
remueva de la angustia del vacío existencial. Ellos lo encuentran
a su manera, convirtiéndose en especialistas del sake, la bebida tradicional de Japón. Pero son algo más que conocedores:
se trata de evangelistas de la bebida a base de arroz, ya que
van esparciendo la palabra sagrada y ganando adeptos como
en una verdadera cruzada. Porque entienden que el sake no
es solo una bebida: es una forma de existir, de vincularse con
otros; es ritual, comunión, trabajo y pasión. Y la vida se les va
en eso. Cecilia Martínez

Finding a meaning to one’s life is complicated. It’s something
not everyone succeeds in identifying. What do a journalist, an
English teacher, and the owner of a distillery have in common?
A passion, a determination having devoted their lives to something, having been born again by finding a purpose that removes
them from the existential vacuum. They find it their own way,
turning into experts in sake, Japan’s traditional drink. But they
are something more than connoisseurs: they are evangelists of
the rice-based drink, and go around spreading the holy word
and gaining devotees as though it were a true crusade. Because
they understand that sake is not just a drink: it’s a way of existing, of relating with others; it’s ritual, communion, work and
passion. And their lives revolve around it. CM

Mirai Konishi
Creció en Japón, y se formó en la Universidad de Carolina del Sur (USC).
Dirigió un cortometraje, y actualmente escribe sobre cine en las publicaciones japonesas Roadshow y Cut.
He grew up in Japan and trained at the University of Southern California
(USC). He directed a short film, and currently writes about film in the
Japanese publications Roadshow and Cut.

254

EU -USA / Japón - Japan, 2015 / 95’ / DCP / Color
Inglés / Japonés - English / Japanese
D, G, E: Mirai Konishi F: Masami Inomoto, Mirai Konishi
M: Stephen Viens I: Philip Harper, John Gauntner, Kosuke Kuji
Contacto / Contact
Fortissimo Films
T +31 206 273 215
E [email protected]
W fortissimo.nl

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

comer y beber

L’ADN du ceviche
The Ceviche DNA
El ADN del ceviche
Recorriendo la costa norte del Perú, Amazonia y Lima, este
documental explora los aspectos históricos y sociopolíticos
en torno al ceviche, un plato consumido en Perú desde la
época precolombina.

This documentary goes through the northern shore of Peru,
Amazonia, and Lima, and explores the historical and sociopolitical aspects of ceviche, a dish from Peru that dates back to
pre-Columbian times.

Un plato-marca para un país que logró hacer de su gastronomía
un valor y un destino cultural y turístico. Un boom que alcanza
a los restaurantes y a la producción de alimentos, desde los
arquitectos que diseñan los ambientes hasta los pescadores artesanales, además de Gastón Acurio, el más famoso promotor
y casi un político en campaña permanente por la comida. El
ceviche como comida popular en la calle. Su historia. Su preparación, contada y mostrada en cámara con una sencillez que
exhibe en pocos minutos todo el conocimiento de generaciones
puesto en este plato. Este film es una exploración ambiciosa y
rítmica, que recorre el Perú para buscar, preguntar y mostrar.
Uno de los mejores sentidos –de los más soleados, de los más
sabrosos– que se le pueden dar al término “documental de investigación”. Javier Porta Fouz

A trademark dish for a country that managed to turn its gastronomy into something of value and a cultural and touristic
destination. It’s a trend that stretches to restaurants and food
production, from architects designing places and small fishermen to Gastón Acurio, its most famous promoter, almost a politician in a permanent campaign for food. Ceviche as a popular
street meal. Its history. Its preparation explained and showed in
camera in a simple manner that in just a few minutes expresses
the knowledge of generations transmitted into this dish. This
film is an ambitious and rhythmic exploration that goes through
Peru seeking, asking, and showing. One of the finest –sunniest, tastiest– meanings you can provide to the term “research
documentary.” JPF

Orlando Arriagada

Canadá / Perú - Canada / Peru, 2015 / 85’
DCP / Color / Español - Spanish

Nació en Chile y se nacionalizó canadiense. En 2007 fundó la productora
Pimiento, y ha dirigido varios largometrajes, como Derrière le miracle
(2011) y Miss Inc. (2013).
He was born in Chile, and became a Canadian citizen. In 2007 he founded the production company Pimiento, and directed several films, including Derrière le miracle (2011) and Miss Inc. (2013).

D, M: Orlando Arriagada G: Louis-François Grenier F: François LégerSavard E: Guillermo López Pérez DA: Alain Fournier S: Nestor Andrés
Vélez Ruiz M: Orlando Macedo Conceição P: Orlando Arriagada
PE: Dominique Séguin CP: Productions Pimiento Inc. I: Santiago Uceda
Castilo, Bernardo Roca Rey, Gastón Acurio, Javier Wong, Susana Baca
Contacto / Contact
Productions Pimiento. Isabel Jiménez
T +1 514 662 5281
E [email protected] W pimiento.ca ~ adnceviche.tv

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

255

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

eat & drink

Sagardoa bidegile - Historias de sidra
Cider Stories
Cuatro meses al año, las sidrerías vascas atraen a miles de
comensales, locales y foráneos. Todos esperan cumplir con la
tradición: degustar un menú a base de tortilla, bacalao, chuleta
y queso, y beber sidra al grito de “¡txotx!”.

Four months a year, the Basque cider bars attract thousands
of people, both local and foreign. Everyone waits to fulfill the
tradition: enjoying a menu of Spanish omelette, cod, chop and
cheese, and drinking cider to the cry of “¡txotx!”.

Hay películas que cumplen un rol especial dentro de un festival de cine, y son particularmente útiles para aquellos que nos
internamos en sus salas durante días enteros. Breves y distendidas, son pequeños recreos entre las numerosas funciones de
la vida festivalera. Sagardoa bidegile - Historias de sidra es una
de estas películas. El documental de Bego Zubia Gallastegi se
interna en el mundo de las sidrerías vascas en su período de
mayor actividad para ofrecer un recorrido exhaustivo de todos
sus procesos, de los clásicos a los modernos. Lejos de limitarse
a la mera observación y descripción, el film emprende un viaje
que explora cómo la gastronomía puede exceder la alimentación y pasar a relacionarse intrínsecamente con un pueblo y
moldear su mismísima identidad. Emiliano Andrés Cappiello

There are films that play a special role within a film festival, and
are particularly useful for those of us who confine ourselves in
its theaters for full days. Brief and relaxed, they are small breaks
among the many shows of festival life. Cider Stories is one of
these films. Bego Zubia Gallastegi’s documentary penetrates
the world of Basque cider bars in their most active period in order to offer a thorough journey through all of its processes, from
the classic to the modern. Far from limiting itself to merely observing and describing, the film embarks on a trip that explores
how gastronomy can transcend food and end up relating intrinsically to a town to the point of molding its own identity. EAC

Bego Zubia Gallastegi
Ha desarrollado gran parte de su carrera como periodista en prensa
escrita y televisión. Actualmente es directora del programa de divulgación científica Teknopolis (Elhuyar-ETB), y dirigió varios mediometrajes
documentales para televisión, como Viaje a la prehistoria (2013) y Tras
el hierro antiguo (2014).
She has made a career as a press and television journalist. She currently
directs the scientific dissemination program Teknopolis (Elhuyar-ETB),
and has directed many mid-length documentaries for television, such as
Viaje a la prehistoria (2013) and Tras el hierro antiguo (2014).

256

España - Spain, 2015 / 65’ / DM / Color
Euskara - Español / Euskara - Spanish
D, G: Bego Zubia Gallastegi F: Juantxo Sardón E: Asier Pujol
DA: Juantxo Sardón, Bego Zubia Gallastegi S: Lolo Ruiz
M: Igor Arroyo P, PE: Manex Urruzola CP: Elhuyar, Pixel
Contacto / Contact
Elhuyar, Pixel. Manex Urruzola
T +34 688 825 876
E [email protected]
W elhuyar.eus ~ sagardoabidegile.eus

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

comer y beber

Snacks, bocados de una revolución
Snacks, Bites of a Revolution
Grandes figuras de la vanguardia culinaria española recuerdan
cómo fueron capaces de contagiarle al mundo su pasión por
reinventar la cocina desde la absoluta libertad y crear un nuevo lenguaje que ahora se habla en todos lados.

Big names of the Spanish food vanguard remember how they
were able to spread throughout the world their passion for reinventing cooking with absolute freedom and creating a new
language that is now spoken worldwide.

Este es un documental acerca del poder arrollador de la pasión.
Una que se construye entre una generación y la otra, de esas
que se exponen a la crítica y al ridículo. Servir una espuma fue
un acto de bravura y hoy se encuentra en los podios de la genialidad culinaria. Narrada en primera persona, Snacks, bocados
de una revolución va en busca de ese árbol genealógico que
sostuvo un cambio en el paladar español y, desde allí, se extendió hacia el mundo. Un grupo (de incomprendidos) relevó la
antorcha de la nouvelle cuisine, que luego pasaría a manos más
jóvenes y luego a otras mucho más juveniles aún. El concepto,
la idea y la vanguardia convertidos en platos reveladores hicieron temblar los conceptos de artesano y artista como pocas
veces había sucedido, cuchillo y tenedor en mano. Sol Santoro

This is a documentary about the overwhelming power of passion. One that is built between one generation and the next,
and is exposed to criticism and ridicule. Serving foam was an
act of bravery, and it’s now in the podiums of culinary genius.
Narrated in the first person, Snacks, Bites of a Revolution goes
out in search of that family tree that made a change in Spanish
palates and then extended worldwide. A group (of unappreciated people) passed on the torch of the nouvelle cuisine, which
would in turn be passed to younger hands and then to even
younger ones. Avant-garde ideas and concepts turned into revealing dishes that shook the concepts of craftsman and artist
as few times before, knife and fork in hand. SS

los directores / the Directors
Verónica Escuer: nació en España y creó el festival Film & Cook.
Cristina Jolonch: nació en España, y trabaja como periodista
gastronómica en La Vanguardia.
Verónica Escuer was born in Spain and created the festival Film & Cook.
Cristina Jolonch: was born in Spain and works as a food journalist in
La Vanguardia.

España - Spain, 2015 / 48’ / DCP / Color
Español / Spanish - Inglés / English
D, G: Verónica Escuer, Cristina Jolonch F: Marc González
E: Montse Povea, Arturo Bastón P, PE: Verónica Escuer
CP: Implementia Films I: Grant Achatz, Gastón Acurio, Albert Adrià,
Ferran Adrià, Andoni Luis Aduriz
Contacto / Contact
Implementia Films. Verónica Escuer
E [email protected]
W implementia.es ~ snacksfilm.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

257

Hacerse grande
Coming of age

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Coming of Age

Bang Gang
(Une histoire d’amour moderne)
Bang Gang (A Modern Love Story)
Bang Gang (Una historia de amor moderna)
George, una chica de 16 años, se enamora de Alex. Para llamar
su atención crea un juego en el que todo el instituto va a descubrir, probar y explorar los límites de su sexualidad.

George, una chica de 16 años, se enamora de Alex. Para llamar
su atención crea un juego en el que todo el instituto va a descubrir, probar y explorar los límites de su sexualidad.

La mayoría de los dramas sexuales estadounidenses sobre la
adolescencia tienen un solo propósito, y es el de intentar que los
padres teman por las almas mortales de sus hijos. Estas películas suelen tomar uno de estos dos caminos: ser oscuras y hacer
que la adolescencia parezca una fuerza destructora imparable o
brindar una salida de todo este caos profano a través del amor.
Bang Gang ofrece otra posibilidad. Ostensiblemente centrada
en orgías adolescentes y hedonismo gratuito, no muestra escándalos traumáticos ni ataques de ira por parte de los padres.
En cambio, muestra cómo el sexo y el deseo pueden llevar a los
jóvenes a conocer más y desarrollar un afecto mutuo genuino.
La película se centra en el mismo momento que la mayoría de
los dramas sexuales adolescentes: aquel en que estos jóvenes
logran ver todo el poder de su imaginación erótica antes de ser
capaces de canalizarla. Piers Marchant

Most American teen sex dramas serve a singular purpose, and
that is to make parents terrified for their children’s mortal souls.
These films generally go one of two ways: they’re bleak and
make adolescence seem an unstoppable destructive force, or
they offer a way out of such unholy chaos through love. Bang
Gang offers another possibility. Ostensibly focused of teen
orgies and wanton hedonism, it does not present shocking
scandal and parental meltdowns, but instead reveals how sex
and desire can lead to children’s evolving wisdom and genuine
mutual affection. The film draws our attention to the same moment most teen sex dramas do, when adolescents come to see
the full power of their erotic imaginations before being able to
channel it. PM

Eva Husson
Nació y se crió en Francia, donde recibió su máster en Literatura Inglesa
en La Sorbona. Luego estudió en el American Film Institute, y dirigió el
corto Hope to Die (2004).
She was born and raised in France, where she received her Master’s
Degree in English Literature at La Sorbonne. She then studied at the
American Film Institute, and directed the short Hope to Die (2004).

260

Francia - France, 2015 / 98’ / DCP / Color / Francés - French
D, G: Eva Husson F: Mattias Troelstrup E: Emilie Orsini
DA: David Bersanetti S: Morgan Kibby M: White Sea
P, PE: Didar Domehri, Laurent Baudens, Gaël Nouaille
CP: Full House I: Finnegan Oldfield, Marilyn Lima,
Daisy Broom, Lorenzo Lefebvre, Fred Hotier
Contacto / Contact
Films Distribution. Laura Nacher
T +33 153 103 399
E [email protected]
W filmsdistribution.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE
Foto / Photo: Stefan Berg

hacerse grande

Becoming Zlatan
Den unge Zlatan
Convirtiéndose en Zlatan
Los años decisivos del futbolista sueco que juega como delantero en el Paris Saint-Germain, desde su debut en el Malmö
hasta sus conflictos con el Ajax y su paso por la Juventus.

The decisive years of the Swedish soccer star who plays forward for the Paris Saint-Germain, from his debut in Malmö to
his conflicts in Ajax and his time in Juventus.

Zlatan Ibrahimović sorprende una vez más, esta vez como
retratado en un documental de narrativa y propósito claros:
contar cómo fue que un adolescente de Malmö, Suecia, pasó
a los grandes clubes de Europa y se convirtió en estrella global;
los días en su primer equipo, su venta y su carrera en el Ajax.
Años agitados: sus dificultades de adaptación, su confianza, su
arrogancia, su notoria conflictividad. Y su talento futbolístico inaudito, difícil de creer en un jugador de su porte. Cada etapa
que muestra este documental –llamarlo atractivo es pecar de
frialdad– se documenta con un archivo riquísimo (que nos ofrece
incluso al adolescente Zlatan jugando a la Play con su novia de
ese entonces con cara de fastidio), entrevistas a los defensores
que entraron en guerra con el delantero y, claro, jugadas y goles
esplendorosos en pantalla grande. Javier Porta Fouz

Zlatan Ibrahimović surprise us once again, this time as the object of a documentary with a precise narrative and goal: portraying the story of how a teenager from Malmö, Sweden, jumped to
the finest teams in Europe and became a global star, including
his early days, his transfer, and his career at the Ajax. Troubled
years: the hard time adapting, his trust, his arrogance, his famous conflictive nature. And his unique soccer talent, which is
hard to believe in a player his size. Each stage presented in this
documentary –calling it attractive would be a gross understatement– is documented with plenty of archive material (which
even includes Zlatan as a teenager, playing Play Station while
his girlfriend puts up a face), interviews with the defense players
who clashed against this forward, and of course, amazing plays
and goals on a big screen. JPF

los Directores / the Directors
Fredrik Gertten nació en Suecia en 1956. Trabajó como periodista, publicó el libro de viajes Young Man Looking for the World (1995) y produjo
documentales y programas de entretenimiento para televisión. Magnus
Gertten nació en Suecia en 1953, y estudió periodismo. Codirector de
la productora Auto Images, realizó varios documentales, entre los que se
encuentran Rolling Like a Stone (2005) y Hoppets Hamn (2012; Bafici ‘15).
Fredrik Gertten was born in Sweden in 1956. He worked as a journalist,
published the travel book Young Man Looking for the World (1995), and
produced documentaries and entertainment TV shows. Magnus Gertten
was born in Sweden in 1953, and studied journalism. A co-director at the
production company Auto Images, he directed several documentaries,
including Rolling Like a Stone (2005) and Hoppets Hamn (2012; Bafici ‘15).

Suecia / Holanda / Italia - Sweden / Netherlands / Italy, 2015
95’ / DCP / Color / Sueco / Holandés / Inglés / Italiano
Swedish / Dutch / English / Italian
D: Fredrik Gertten, Magnus Gertten F: Jon Rudberg, Caroline
Troedsson E: Jesper Osmund S: Marcel De Hoogd, Davide Favargiotti
M: Florencia Di Concilio, Marc Lizier P: Margarete Jangård,
Lennart Ström CP: Auto Images AB, WG Film I: Zlatan Ibrahimovic,
Leo Beenhakker, Fabio Capello
Contacto / Contact
Swedish Film Institute. Sara Rüster
T +46 8665 1141 E [email protected] W sfi.se

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

261

Coming of Age

Días de Cleo
Days of Cleo
Cleo vive con su perra Esperanza y habita un universo apático cuya calma se verá progresivamente interrumpida por una
serie de encuentros –familiares, amorosos, siempre inesperados– que irán desintegrando el limbo en el que se encuentra.

Cleo lives with her dog Esperanza and inhabits an apathetic
universe whose calm will become progressively disturbed by
a series of encounters –of family, of love, always unexpected–
that will start to disintegrate the limbo she’s in.

Nada parece ir del todo bien en la vida de Cleo. Ni su trabajo
ni su entorno le ofrecen algo más que una rutina anodina. Sus
amigas se preocupan, pero los intentos por distraerla no hacen
más que empeorar las cosas. Un posible novio, alguna salida…
Todo fracasa sin siquiera despertar su interés. Evidentemente
las cosas están mal, y por algo debe ser. Esto le repiten con tal
insistencia que se termina instalando en su cabeza con fuerza
obsesiva, hasta que una inexplicable aparición callejera parece
dar la clave para resolver el misterio y despejar las nubes que
cubren su casa. Entonces, presa de la sugestión, Cleo se pone
en marcha. Entre rituales esotéricos y pequeñas revanchas liberadoras, buscará restablecer el equilibrio perdido, aquel que
pueda devolverles el encanto a sus días. Magdalena Arau

Nothing in Cleo’s life seems to go down right. Neither her job nor
the people around her offer anything better than a dull routine.
Her friends are worried, but their attempts at distracting her only
make things worse. A potential boyfriend, a night out… everything fails and doesn’t even catch her interest. Clearly, things
are bad, and there must be a reason for it. This is what people
tell her with such insistence that the notion gets into her head
with an obsessive force, until an inexplicable street apparition
seems to provide the key that will solve the mystery and clear
out the clouds that cover her home. A prisoner of suggestion,
Cleo then sets herself in motion. Through esoteric rituals and
small liberating paybacks, she will try to re-establish her lost
balance, one that can put a smile back on her days. MA

María Elvira Reymond

Chile, 2015 / 77’ / DCP / Color / Español - Spanish

Es licenciada en Letras Hispánicas en la Universidad Católica de Chile,
estudia guion y dirección cinematográfica en Barcelona. Dirigió los cortos
Lluvia (2012), Val París Oh (2014) y Las fuerzas físicas de la mente (2015).
She has a bachelor’s degree in Hispanic Letters from Chile’s Catholic
University, and studies screenwriting and filmmaking in Barcelona. She
directed the shorts Lluvia (2012), Val París Oh (2014) and Las fuerzas
físicas de la mente (2015).

262

D, G, E, P, PE: María Elvira Reymond F: Carlos Wong
DA: Josefina Labán S: Sonamos M: Carlos Cohl
CP: Caballito Blanco, Sonamos I: Natalia Ramírez,
Paloma Más, Pedro Fontaine, Edmundo Arrocet, Jonathan Prado
Contacto / Contact
Caballito Blanco. María Elvira Reymond
T +56 975 833 739
E [email protected]
W caballitoblanco.com ~ diasdecleo.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

hacerse grande

God Bless the Child
Dios bendiga al niño
Una mirada sobre la vida de un quinteto de niños durante
la tarde en la que su madre se marcha de la casa. Esa
ausencia funciona como un vehículo para crear un mundo
aparentemente inconsciente de fantasía y aventuras con el
humor, la ternura y la alegría de la infancia.

En una casa modesta, librados a su suerte, cuatro niños pequeños pasan el día bajo el cuidado de su hermana mayor. Una
excursión por los alrededores, corridas por un parque, sesiones
de karaoke y lucha libre, llantos, gritos, helados, trepadas a los
techos y agua a manguerazos. “God bless the child that’s got
his own”, cantaba Billie Holiday, y en esa afirmación pareciera
construirse esta película, que moldea el mundo a su medida.
Venciendo cualquier desamparo, ahuyentando todo peligro y
con la libertad formal de poder correrlos a la par, la película
expulsa a los adultos para ganar en su terreno pura autonomía;
cada experiencia es aventura y las posibilidades parecen infinitas. Un elogio a la infancia salvaje, filmada a un metro de altura.
Magdalena Arau

A look into the life of five children in the afternoom their mother
leaves home. This absence works as a vehicle to create a
seemingly unconscious universe of fantasy and adventure, with
the humor, tenderness, and joy of childhood.

In a modest house, and left to their own devices, four small
children spend the day under the care of their older sister. An
excursion through their surroundings, running in a park, karaoke
sessions and wrestling, crying, yelling, ice-creams, some roofclimbing, and water through a hose. “God bless the child that’s
got his own,” sang Billie Holiday, and the film seems to be built
upon that statement, as it shapes the world to their measure.
Beating any kind of neglect, chasing away any kind of danger
an with enough freedom in its form to run along with them, the
film does away with adults in order to gain some pure autonomy,
where every experience is an adventure and the possibilities
seem endless. A celebration of wild childhood shot one meter
from the floor. MA

Robert Machoian
Nació en California, Estados Unidos. Dirigió Waiting Room (2010), By the
Sea y Forty Years from Yesterday (ambas 2013), entre otras.
He was born in California, USA. He directed Waiting Room (2010), By the
Sea and Forty Years from Yesterday (both 2013), among others.

Rodrigo Ojeda-Beck
Nació en California, Estados Unidos. Realizó varios cortos y codirigió,
junto a Robert Machoian, el largo Forty Years from Yesterday (2013).
He was born in California, USA. He directed several short films and
co-directed the feature Forty Years from Yesterday (2013) with Robert
Machoian.

Estados Unidos - US, 2015 / 94’
DCP / Color / Inglés - English
D: Robert Machoian, Rodrigo Ojeda-Beck
G: Robert Machoian, Rebecca Graham F, DA: Robert Machoian
E, S: Rodrigo Ojeda Beck P: Laura Heberton, Robert Thomas
CP: 433 Pictures, Hot Metal Films, 3Rs I: Harper Graham,
Elias Graham, Arri Graham, Ezra Graham, Jonah Graham
Contacto / Contact
Hot Metal Films. Laura Heberton
T +1 917 628 9476 E [email protected]
W hotmetalfilms.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

263

Coming of Age

Mate-me por favor
Kill Me Please
Matame, por favor
Una ola de asesinatos invade Barra de Tijuca, al oeste de Río
de Janeiro. Lo que comienza como una curiosidad mórbida se
apodera lentamente de los jóvenes de la zona, entre ellos, Bia,
una adolescente en pleno despertar sexual.

A wave of murders invades Barra de Tijuca, west of Rio de Janeiro. What begins as a morbid curiosity will slowly take over
the young people living in the area, including Bia, a teenager in
the midst of her sexual awakening.

Barra de Tijuca. Un grupo de chicas adolescentes, llenas de
inquietudes propias de su edad, se ve afectado por una ola de
ataques y asesinatos a jóvenes mujeres en la zona. Ellas son
Bia, Mariana, Michele y Renata, y parecen, por un lado, aburridas del tedio de la vida burguesa y, por otro, fascinadas con
la idea de la muerte, la de otras que podrían ser ellas mismas.
Tal como se preanunciaba en sus cortometrajes, la ópera prima
de esta joven realizadora carioca pone de manifiesto un gran
manejo del lenguaje audiovisual, así como un profundo conocimiento del género, para dar forma a un film complejo y de gran
libertad a la hora de utilizar los recursos: desde los más pop
para retratar el mundo teen de las chicas, hasta los que remiten
al cine de terror para dar cuenta de los efectos psicológicos que
estos asesinatos tienen en ellas. Violeta Bava

Barra de Tijuca. A group of teenage girls with the typical insecurities of that age is affected by a wave of attacks and murders of
young women in the area. They are Bia, Mariana, Michele, and
Renata, and they seem bored with the tedium of bourgeois life,
and fascinated with the notion of death, the death of others who
could also be them. Just as her short films preannounced, the
first film by this young filmmaker from Rio de Janeiro features a
great management of audiovisual language, as well as a profound
knowledge of genre, and shapes up a complex and liberating film
by using resources that range from pop –in her portrait of the
girls’ teen universe– to horror, in order to express the psychological effects of these murders on them. VB

Anita Rocha Da Silveira
Se graduó en 2008 en la Universidad Pontífice Católica de Río de Janeiro. En los últimos años, ha trabajado como asistente de dirección, docente y guionista. Escribió, editó y dirigió los cortometrajes O vampiro do
meio-dia (2008), Handebol (2010) y Os Mortos-vivos (2012).
She majored in 2008 at the Universidad Pontífice Católica in Rio
de Janeiro. In recent years, she has worked as an assistant director, a professor and scriptwriter. She wrote, edited and directed the
short films O vampiro do meio-dia (2008), Handebol (2010) and Os
Mortos-vivos (2012).

264

Brasil / Argentina - Brazil / Argentina, 2015
104’ / DCP / Color / Portugués - Portuguese
D, G: Anita Rocha da Silveira F: João Atala E: Marilia Moraes
DA: Dina Salém Levy S: Manuel de Andrés M: Bernardo Uzeda
P: Vania Catani PE: Vania Catani, Lili Nogueira CP: Bananeira Filmes,
Rei Cine I: Valentina Herszage, Mari Oliveira, Julia Roliz, Dora Friend,
Carol Baptista
Contacto / Contact
Bananeira Filmes. Vania Catani
T +55 212 225 6552 E [email protected]
[email protected] W bananeirafilmes.com.br

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

hacerse grande

Maturità
Canu, una estudiante del último año del secundario, mantiene
una relación a escondidas con un profesor del colegio. Cuando
su padre descubre la verdad, escapa a una humilde pensión
céntrica, donde vive experiencias que la llevarán a tomar decisiones clave en su vida.

Canu, a student in her last year of high school, is having a
secret relationship with one of her professors. When her father
finds out the truth, she escapes to a humble pension downtown, where she goes through experiences that will lead her
to make some key decisions.

Debajo de su historia vaporosa de romance clandestino, Maturità
despliega una fábula de espíritu adolescente: depurada en la forma, libre en el tono, emocionalmente pertinente y bella como ella
sola. Pronto vemos que el director, en realidad, no filma el cuento
de un amor contrariado por las convenciones sociales sino un
modo, una vibración. La película recorre la ciudad, el colegio de
la protagonista, algún que otro boliche; todo con la convicción,
ciertamente conmovedora, de que lo que más importa está siempre a punto de escaparse, como el tiempo de los personajes o
esas imágenes improbablemente espectrales que acechan en los
pasillos o se cruzan delante de las cámaras de seguridad. Canu
parece una chica cualquiera, pero la película, en un gesto irrepetible, declara que ella y su pequeño mundo pueden también ser la
materia indeclinable del cine. David Obarrio

Under its steamy, forbidden-love story, Maturità lays out a teenspirited fable, polished in its form, free in its tone, emotionally
appropriate and beautiful as can be. We will soon realize that,
actually, the director does not film the story of a love torn up by
conventions, but a mode, a vibration. The film wanders aroung
the main character’s city, her school, a few nightclubs; all of it
with the certainly moving conviction that what matters the most
is always on the verge of slipping away, just like time, or those
improbably spectral images that haunt the corridors or appear in
security cameras. Canu looks like an ordinary girl, but the film, in
a unique gesture, declares that she and her small world can also
be the indeclinable substance of film. DO

Rosendo Ruiz

Argentina, 2016 / 75’ / DCP / Color / Español - Spanish

Nació en San Juan en 1967, pero vive en Córdoba, donde se licenció en
cine y TV. Su ópera prima, De caravana (2010), participó en la Competencia Internacional del Festival de Mar del Plata. Sus largos Tres D y Todo
el tiempo del mundo participaron en la Competencia Argentina del Bafici.
He was born in the province of San Juan in 1967, but lives in Córdoba,
where he got a Bachelor’s Degree in Film & TV. His first feature, De caravana (2010), was part of the International Competition at the Mar del
Plata Film Festival. His features Tres D and Todo el tiempo del mundo
were part of the Argentine Competition at Bafici.

D: Rosendo Ruiz G: Rosendo Ruiz, Candela Álvarez, Paula Ledesma,
Verónica Varrone, Alina Santaella, Victoria Tisera, Luciana Dalfovo,
Federico González Kriegel F: Pablo González Galetto
E: Ramiro Sonzini, Rosendo Ruiz DA: Isabel Riberi S: Atilio Sánchez
M: Claudio Soria, Alejo Navarro, Matías Ludueña PE: Inés Moyano,
Sergio Badino CP: Colegio Dante Alighieri, El Carro
Contacto / Contact
El Carro. Rosendo Ruiz
T +54 9 351 683 1205 E [email protected]

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

265

Coming of Age

Montanha
David, de 14 años, se ve obligado a convertirse en el hombre de
la casa, mientras su abuelo vive sus últimos días en el hospital.

Fourteen year-old David is forced to become man of the house
while his grandfather lives his last days at the hospital.

Con solo 28 años, João Salaviza, auténtico wonder boy del último
cine portugués, había ganado ya una Palma de Oro en Cannes
y un Oso de Oro en Berlín con sus cortos Arena y Rafa, que
vencían la (inquietante) etiqueta de “cine social” por la concisión
y emotividad en el dibujo de sus inolvidables protagonistas. En
ese mismo registro se mueve su primer largo, con otro rebelde
con causa en busca de su destino en un barrio lisboeta. Un
western urbano, casi atemporal por su deliberada renuncia a
usar signos del presente –celulares, computadoras, redes sociales–, con la épica de la adolescencia en su intento de no
sucumbir ante la condescendencia y el cansancio, la soledad
y el vacío. La épica de sobrevivir al más duro de los ochomiles:
el descubrimiento del dolor y el desencanto. Martin Pawley

With only 28 years of age, João Salaviza, a true wonder boy of
late Portuguese cinema of late, had already won a Palm D’Or
at Cannes and a Golden Bear in Berlin with his shorts Arena
and Rafa, which defeated the (disturbing) label of “social cinema” due to the conciseness and emotion in the sketching of
their unforgettable protagonists. His first feature moves in the
same direction, with another rebel with a cause in search of his
destiny in a Lisbon neighborhood. An urban, almost timeless
western with a deliberate refusal to use signs from the present
–cell phones, computers, social networks–, about the epic of
adolescence and its attempt to not give in to condescendence
and exhaustion, loneliness and emptiness. The epic of surviving
the toughest of high peaks: the discovery of sorrow and disappointment. MP

João Salaviza
Nació en Portugal en 1984, y estudió en la Universidad del Cine de Buenos
Aires. Dirigió varios cortometrajes, como Arena (2009) y Rafa (2012).
He was born in Portugal in 1984, and studied at Universidad del Cine,
in Buenos Aires. He directed many shorts, such as Arena (2009) and
Rafa (2012).

Portugal / Francia - Portugal / France, 2015
91’ / DCP / Color / Portugués - Portuguese
D, G: João Salaviza F: Vasco Viana E: Edgar Feldman, Joao Salaviza
S: Olivier Blanc P: Maria Joao Mayer, François d’Artemare
CP: Filmes de Tejo II, Les films de l’Après-midi I: David Mourato,
Maria Joao Pinho, Rodrigo Perdigao, Cheyenne Domingues, Ema Araujo
Contacto / Contact
Pyramide International. Ilaria Gomarasca
T +33 142 960 220
E [email protected]
W inter.pyramidefilms.com

266

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

hacerse grande

The Diary of a Teenage Girl
Diario de una adolescente
San Francisco en los años setenta. En medio de la escena
post-hippie, el punk rock y la cocaína, Minnie, una chica de 15
años que aspira a ser artista de cómics, pierde la virginidad,
pero su primer amante no es otro que el novio de su madre.

San Francisco in the 1970s. In a post-hippie environment of
punk rock and cocaine, 15-year-old Minnie wants to be a comic book artist and loses her virginity, but her first lover is none
other than her mother’s boyfriend.

Relato de la relación romántica y sexual entre una quinceañera
y un hombre de 35 (que es, además, el novio de su madre), la
primera adaptación al cine de la novela gráfica y semiautobiográfica de Phoebe Gloeckner –una artista que se nutrió de los
lisérgicos trabajos de Robert Crumb y su mujer Aline Kominsky–
no sucumbe al escándalo ni a la moralina y se aleja todo lo
posible de los lugares comunes de la obra de denuncia. Hija
de una madre soltera, fiestera y un poco irresponsable, Minnie
tiene todo lo que les falta a las chicas que la industria de la
idolatría pop fabrica en serie, empezando por el póster de Janis
Joplin, una intensa curiosidad y las calles de San Francisco de
mediados de los años setenta de fondo. Las páginas de su salvaje diario se nos abren con humor, honestidad y una inusual
combinación de morbo y ternura. Mariano Kairuz

A story about the romantic and sexual relationship between a
15-year-old and a 35-year-old man (who’s also his mother’s
boyfriend), the first film adaptation of the graphic, semi-autobiographical novel by Phoebe Gloeckner –an artist influenced by
the lysergic works of Robert Crumb and his wife Aline Kominsky– never succumbs to scandal or becomes a morality tale,
and steers clear from all the clichés of denunciation works.
Minnie, daughter of a single man, loves to party and is a bit
irresponsible, has everything that’s lacking in the girls that the
industry of pop idolatry mass-produces, starting with a Janis
Joplin poster, an intense curiosity and the streets of San Francisco in the ‘70s as backdrop. The pages in her wild diary are
shown to us with humor, honesty and an unusual combination
of morbidity and tenderness. MK

Marielle Heller

Estados Unidos - US, 2015 / 101’ / DCP / Color / Inglés - English

Nació en California en 1979. Ha trabajado como actriz en cine y televisión, además es guionista y directora.
She was born in California in 1979. She worked as an actress in film and
television, and is also a writer and director.

D, G: Marielle Heller F: Brandon Trost E: Marie-Hélène Dozo,
Koen Timmerman DA: Jonah Markowitz M: Nate Heller
P: Anne Carey, Bert Hamelinck, Madeline Samit, Miranda Bailey
PE: Michael Sagol, Amanda Marshall, Jorma Taccone, Amy Nauiokas
I: Bel Powley, Alexander Skarsgård, Christopher Meloni, Kristen Wiig
Contacto / Contact
Sony Pictures in Argentina. Cecilia Chiappano
E [email protected]
W uip.com.ar

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

267

Coming of Age

Entrecampos
En esta suerte de precuela de Maria do Mar (Competencia V&G),
Mariana es una chica de 11 años que acaba de mudarse desde
Serpa a Lisboa con su padre. Los primeros días se van limpiando
la casa y conociendo el barrio nuevo, Entrecampos. Después del
primer día de clases, Mariana se pierde volviendo a casa y tiene
que llamar a su padre para que la ayude. Al día siguiente, se
hace amiga de un compañero, Nicholau, y de su hermano mayor,
Simão. Ellos la invitan a almorzar y la ayudan a llegar a casa.
In this prequel of sorts to Maria do Mar (AG&G Competition),
Mariana is an 11-year-old girl from Serpa who just moved to
Lisbon with her father. The first days are spent cleaning the
house and getting to know the new neighborhood, Entrecampos. After the first day of school, she gets lost on the way home
and has to call her father for help. The next day, she becomes
friends with a boy in her class, Nicholau, and his older brother,
Simão. They invite Mariana for lunch and help her to get home.

Portugal, 2012 / 32’ / DCP / Color / Portugués / Portuguese
D, G: João Rosas F: João Pedro Plácido E: Telmo Churro, João Rosas
S: Tiago Matos P: Luis Urbano, Sandro Aguilar CP: O Som e a Fúria
I: Francisca Alarcão, Francisco Melo, João Simões, Miguel Carmo
Contacto / Contact
Agencia - Portuguese Short Film Agency. Salette Ramalho
T +351 252 646 683
E [email protected]
W curtas.pt/agencia

João Rosas
Nació en Lisboa, Portugal, en 1981. Se formó en la Escuela de Cine
de Londres. Publicó tres libros de cuentos, y dirigió el cortometraje My
Mother Is a Pianist (2006) y el documental Birth of a City (2009).
He was born in Lisbon, Portugal, in 1981. He trained at the London
Film School. He published three books of short stories, and directed
the short film My Mother Is a Pianist (2006) and the documentary Birth
of a City (2009).

268

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

música
music

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

music

American Epic Trilogy
Trilogía de la épica americana
Este recorrido imperdible por la cultura popular norteamericana se exhibe como una verdadera maratón en continuado
que constituye todo un acontecimiento para los aficionados
a la música.

This mandatory journey through American pop culture is
screened as a series, like a true marathon that constitutes a
special event for music fans.

Esta verdadera épica de la música americana dividida en tres
partes (The Big Bang, Blood and Soil y Out of the Many the
One) es un recorrido fascinante por la historia de géneros diversos, intérpretes y compositores, pero también es una saga
pletórica de pasión, diversión, trabajo e inspiración. El colapso
de las compañías musicales en los años veinte, la necesidad
de inventar una máquina trasladable para poder grabar a los
músicos lejos de los centros urbanos y el “descubrimiento”
de una vasta zona de artistas ignorados –la mayoría pobres–
constituyen el comienzo de lo que hoy conocemos como la
música moderna de los Estados Unidos. Los nombres más
o menos célebres que desfilan por la pantalla son muchos,
cada uno un pionero o un continuador aventajado de quienes
lo precedieron, pero la riqueza del conjunto, que se puede ver
sobre todo en el extraordinario material de archivo, es algo
digno de apreciarse. David Obarrio

This true epic of American music divided in three parts (The
Big Bang, Blood and Soil and Out of the Many the One) is
a fascinating journey through the history of diverse genres,
musicians, and composers, but it’s also a plethoric saga of
passion, fun, work, and inspiration. The collapse of music
companies in the ‘20s, the need to create a machine that
could be moved to record musicians in distant locations away
from urban centers, and the “discovery” of an array of ignored
artists –most of them poor– constitute the beginning of what
today is US modern music. There are many somewhat famous
names parading on the screen, each one either a pioneer or a
gifted follower of those who preceded him, but its overall value
–which can be noticed in the extraordinary archive footage– is
something worthy of admiration. DO

Bernard MacMahon
Nació en Londres, y dirigió videos musicales para Garbage y The
Go-Betweens. Escribió artículos para el diario Sunday Times y la revista
británica The New Stateman.
He was born in London and has directed music videos for Garbage and
the Go-Betweens. He wrote articles for the Sunday Times and British
magazine The New Stateman.

270

Estados Unidos / Reino Unido - US / UK, 2015
57’ - 58’ - 86’ / DM / Color & B&N / Inglés - English
D: Bernard MacMahon G: Allison McGourty, Bernard MacMahon,
Duke Erikson, Bill Morgan F: Vern Moen, Richard Henkels
DA: Kyle Baker S: Dave Ross M: Duke Erikson, Bernard MacMahon
P: Allison McGourty, Bernard MacMahon, Duke Erikson, Bill Holderman,
Adam Block PE: Robert Redford, Jack White, T Bone Burnett
CP: Lo-Max Films

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

música

The American Epic Sessions
Las sesiones de American Epic
Jack White reúne a un elenco de pesos pesados de la música
en un estudio de Los Ángeles para replicar la atmósfera de las
grabaciones de 1920, utilizando todos los equipos de la época.
Una oportunidad para rehacer la música que cambió el mundo.

Jack White gathers a team of music heavyweights in a Los
Angeles studio to replicate the atmosphere of the recordings
of the ‘20s, using equipment from that era. A chance to remake
the music that changed the world.

Como corolario festivo de la American Epic Trilogy, estas sesiones de músicos contemporáneos, con el ubicuo aunque eficaz
maestro de ceremonias Jack White, resultan de una inmediatez
y una frescura por momentos estremecedoras. Tocando en el
estudio y registrando la música con un equipo antiquísimo –una
máquina tan bella como intrigante y aparatosa, la misma usada
por muchos de los pioneros que aparecen en la trilogía–, los
intérpretes rinden homenaje a la amplia historia de la música
moderna norteamericana y se prueban en el trance de ser, también, una parte de ella. Las actuaciones de Alabama Shakes,
Elton John, Willie Nelson, Merle Haggard, Taj Mahal o el propio
White son de un esplendor exquisito y constituyen menos un intento lúgubre de preservación que una celebración del presente
en clave de reconocimiento a sus predecesores. David Obarrio

As a festive corollary of the American Epic Trilogy, these sessions
featuring contemporary musicians and the effective master of
ceremony Jack White deliver an immediate and fresh feel that is
occasionally heart-rending. Playing at the studio and recording
the music with a very old equipment –a beautiful, intriguing,
cumbersome machine used by many of the pioneers featured
in the trilogy– the musicians pay tribute to the long history of
American modern music, and test themselves in the trance of
being, also, a part of it. Performances by Alabama Shakes, Elton
John, Willie Nelson, Merle Haggard, Taj Mahal, and White himself are all an exquisite splendor, and constitute not so much a
somber preservation attempt as a celebration of the present in
the form of a recognition to their predecessors. DO

Estados Unidos / Reino Unido - US / UK, 2015
120’ / DM / Color & B&N / Inglés - English
D: Bernard MacMahon G: Allison McGourty, Bernard MacMahon,
Duke Erikson, Bill Morgan F: Vern Moen E: Dan Gitlin DA: Kelsi Ephraim
S: Dave Ross M: Duke Erikson, Bernard MacMahon P: Allison McGourty,
Bernard MacMahon, Duke Erikson, Bill Holderman, Adam Block
PE: T Bone Burnett, Robert Redford, Jack White CP: Lo-Max Films
I: Nas, Jack White, Willie Nelson, Merle Haggard, The Alabama Shakes
Contacto / Contact
Lo-Max Films. Allison McGourty
T +1 310 857 9349
E [email protected] W americanepic.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

271

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

music

Cosquín Rock XV. El documental
A través de entrevistas recopiladas a lo largo de quince años,
figuras del rock y la música latinoamericana (Andrés Calamaro, Pappo, Pity Álvarez y Charly García, entre otros) hablan de
su experiencia en un encuentro entre artistas y público.

The film features interviews collected throughout 15 years
with Latin American musicians and rock stars (Andrés Calamaro, Pappo, Pity Álvarez, and Charly García, among others)
who talk about their experiences in a meeting between artists
and audiences.

Los festivales en Argentina resultaron determinantes para educar a generaciones nacidas al calor del rock and roll. En esa
lógica, Cosquín Rock terminó instalándose como una de las
plataformas más populares, sólidas y vigentes del país. Cuna
de aventuras, el Cosquín Rock puso nervioso a Pappo por el
backline de Divididos, juntó a Charly García con Pity Álvarez (qué
habrá pasado en ese camarín, ¿no?), hizo vibrar a cientos con
Las Pelotas, León Gieco y Babasónicos y emocionó a todos con
L. A. Spinetta tributando a Gustavo Cerati. El documental propone contar la historia del festival, pero también hacer un close-up
a la intimidad del mágico y misterioso mundo del rock nacional.
Y entre las sorpresas, il cappa bianca José Palazzo, su mentor
y tanque de nafta inacabable, se devela como un magnético
contador de anécdotas. Hernán Panessi

Argentinian music festivals turned out to be essential for the
education of generations that were born by the warmth of rock
and roll. In that scenario, Cosquín Rock established itself as
one of the most popular, solid, and prevailing platforms in the
country. A birthplace for adventure, Cosquín Rock made Pappo
nervous about Divididos’ backline, matched Charly García with
Pity Álvarez (imagine what that dressing room was like!), made
thousands vibrate to the sound of Las Pelotas, León Gieco, and
Babasónicos, and moved everyone with L. A. Spinetta honoring
Gustavo Cerati. The documentary tells the story of the festival,
but also zooms in the intimacy of the magic and mysterious
world of the local rock scene. Among the surprises featured in
this film, il cappa bianca José Palazzo, the event’s mentor and
endless fuel-pump, reveals himself as a magnetic storyteller. HP

Rubén Francisco Mostaza
Nació en Córdoba en 1965, y se formó en la New York Film Academy,
donde realizó cuatro cortometrajes. Actualmente se desempeña como
colaborador en el suplemento Sí de Clarín.
He was born in Córdoba in 1965, and trained at the NY Film Academy,
where he directed four short films. He currently works as a collaborator
in the Sí supplement of Clarín newspaper.

272

Argentina, 2016 / 100’ / DCP / Color
Español - Spanish
D, G, P: Rubén Francisco Mostaza E: Baltazar Sánchez
M: Luciano Caridi, Manuel Ogando PE: Vanesa Wilder I: José Palazzo,
Héctor Emaides, Andrés Calamaro, Dante Spinetta, Diego Tuñón
Contacto / Contact
Vanesa Wilder
T +54 9 351 667 9861
E [email protected]

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

música

East Punk Memories
Recuerdos del punk del este
En los años ochenta, Lucile Chaufour filmó en Super 8 a un
grupo de punks húngaros que se rebelaban ante el régimen
comunista. Veinte años después, regresa y les pregunta a esos
mismos músicos cómo ven la vida y la música en su país antes
y después de la caída del Muro de Berlín.

During the Eighties, Lucile Chaufour shot in Super 8 a group of
Hungarian punks who rebelled against the Communist regime.
Twenty years later, she returns and asks those same musicians about their views on life and music in their country before and after the fall of the Berlin Wall.

En los años ochenta, contra toda sospecha, había vida punk
del otro lado de la Cortina de Hierro. Mezclada en la escena de
Budapest, Chaufour filmó clandestinamente a sus protagonistas
en Super 8. A esos jóvenes que aullaban “droga comunista, no
hace falta seducción” (en húngaro suena más potente, eh) los
mantenía unidos la rebeldía contra el socialismo real. Pero veinte años después, cuando Chaufour volvió a entrevistarlos, ya no
existían ni ese sistema político ni aquella unión: el movimiento
punk se había desintegrado en ideologías irreconciliables, interpretaciones literales de la esvástica de Sid Vicious incluidas.
Con lucidez devastadora, East Punk Memories contrasta pasado
y presente de una generación que comprobó, en el torbellino
de la Historia, cuánto de cierto tenía eso de “no hay futuro”.
Agustín Masaedo

As strange as it sounds, back in the ‘80s there was punk life
on the other side of the Iron Curtain. Blending in the Budapest
scene, Chaufour filmed her protagonists clandestinely in Super
8. Those young people screaming “communist drug, no need for
seduction” (sounds much powerful in Hungarian, trust me) were
united by their rebellion against real socialism. But twenty years
later, when Chaufour returned and interviewed them, neither
that political system nor that union still existed: the punk movement had disintegrated in irreconcilable differences, including
literal interpretations of Sid Vicious’ swastika. With devastating
insight, East Punk Memories contrasts the past and the present of a generation of people who confirmed –in the whirlpool
of History– just how real was that whole “no future” thing. AM

Lucile Chaufour
Estudió en varias escuelas de música en París, y tocó en muchas bandas
de rock y jazz. Creó el sello Makhno Records, que les permitió a varios
grupos de punk rock difundir su música. Dirigió tres cortos y los largos
Violent Days (2004) y Léone, mére & fils (2014; Bafici ‘15), que ganó la
Competencia Vanguardia y Género.
She attended several music schools in Paris and played in many rock and
jazz bands. She founded the record company Makhno Records, which
allowed many punk rock bands to release their music. She directed three
short films and the features Violent Days (2004) and Léone, mére & fils
(2014; Bafici ‘15), wich won the Avant-Garde and Genre Competition.

Francia - France, 2013 / 80’ / DM / Color
Húngaro / Inglés - Hungarian / English
D, G, E, DA: Lucile Chaufour F: Lucile Chaufour, Bernhard Braustein
S: Grégoire Couzinier, Bruno Porret CP: Supersonicglide
I: Kelemen Balázs, Tóth Miklós, Mozsik Imre, Márton Attila,
Papp György Zoltán
Contacto / Contact
Supersonicglide. Cécile Leca
T +33 7 8285 3336
E [email protected]
W supersonicglide.com ~ eastpunkmemories.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

273

music

Entre dos luces Suárez. Primera parte
Between Two Lights - Suárez. First Part
La historia de Suárez, grupo pionero del rock independiente
de los noventa, durante sus primeros años y contada desde
su propia óptica. El VHS es la excusa perfecta para registrar
los diferentes momentos de la banda, entre shows, ensayos y
momentos cálidos de su intimidad.

The story of Suárez, a pioneering group from 90s’ local indie
rock scene, during their first years and told from the point of
view of the band itself. VHS is the perfect excuse to capture
different moments from the band, during shows, rehearsals
and warm, intimate moments.

Del lo-fi chirriante a la canción pop luminosa; de un split junto a
Juana La Loca a un EP en homenaje a Le Mans; del casete con
una estrella roja en la fundacional Rapado al protagónico de su
cantante en Silvia Prieto. De 1989 a 2001, Suárez galopó por
los escenarios del indie-rock argentino con libertad y lucidez
gigantes. Durante todos esos años, además, sus integrantes
registraron en video muchos de sus momentos íntimos. Limitándose a organizar ese repertorio analógico sin agregar nada,
Blanco deja que, como aquellos shows que comenzaban ocultos tras largas tiras de papel, el misterio fulgurante de Suárez
se devele entre ocurrencias, efectos berretas de videocámara
y muchos, muchos contestadores automáticos: signos de esos
años noventa que los Suárez ayudaron a hacer más amables y
felices con su música. Agustín Masaedo (Catálogo 30° Festival de Mar del Plata)

From a screeching lo-fi sound to luminous pop songs; from a
split with Juana La Loca to a Le Mans tribute EP; from a cassette tape with a red star in the groundbreaking film Rapado to
the lead singer’s main role in Silvia Prieto. From 1989 to 2001,
Suárez rode the scene of Argentine indie rock with great freedom and intelligence. Also during all those years, its members
recorded on video many of its intimate moments. Blanco wisely
sticks to organizing that analogic repertoire without adding anything else, and he lets Suárez’s dazzling mystery reveals itself
slowly –like in those shows in which they started hidden behind
long paper strips– amidst jokes, dodgy video-camera effects,
and lots and lots of answering machines: all symbols of the
‘90s, those years that Suárez made more pleasant and happy
with its music. AM (30 th Festival de Mar del Plata Catalogue)

Fernando M. Blanco
Nació en Buenos Aires en 1974, y estudió en ATC y en el CIEVYC. Realizador, camarógrafo, editor y músico, desde 1997 ha realizado numerosos videoclips para bandas como Menos Que Cero, Árbol, El Siempreterno y Cosmo. Es el guitarrista de Valle de Muñecas. Entre dos luces es su
primer largometraje documental.
He was born in Buenos Aires in 1974 and studied at ATC and the CIEVYC.
A filmmaker, cameraman, editor and musician, he has made a number of
music videos for such bands as Menos Que Cero, Árbol, El Siempreterno
and Cosmo. He plays guitar in Valle de Muñecas. Between Two Lights is
his first documentary feature.

274

Argentina, 2015 / 88’ / DCP / Color / Español - Spanish
D, G, E: Fernando M. Blanco S: Diego Martínez
PE: Fernando M. Blanco, Rosario Bléfari, Fabio Suárez, Marcelo Zanelli
I: Rosario Bléfari, Fabio Suárez, Marcelo Zanelli, Diego Fosser,
Gonzalo Córdoba
Contacto / Contact
100% Films. Fernando M. Blanco
T +54 9 11 6364 6839
E [email protected]
W facebook.com/entredosluces

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

música

Hermosos Perdedores Pop
Beautiful Pop Losers
En 1993 cuatro jóvenes de Adrogué y Temperley forman la
banda Perdedores Pop. Entre rockeros y periodistas, dos hermanos líderes tejen una historia incendiaria asumiendo la derrota desde el inicio. Atraviesan distintas épocas y su música
permanece auténtica y oculta a la vez.

In 1993, four young people from Adrogué and Temperley, in the
Buenos Aires province, formed the band Perdedores Pop. Half
rockers and half journalists, two brothers and leaders weave
an incendiary story acknowledging the failure since the beggining. They go through different times, and their music remains both authentic and hidden.

En los años noventa todo parecía nuevo. Quizás el efecto revolucionario de los delivery y la televisión nos hiciera hablar de
cosas como el Nuevo Cine Argentino o el Nuevo Rock Argentino.
Dentro de esta última movida, Perdedores Pop tuvo un lugar de
reservado privilegio. Según reza el lugar común de la época: “se
habló de ellos más de lo que se los escuchó”. Es que el apego
por la poesía ocurrente, el registro en baja fidelidad y una retorcida lectura de la cultura del fanzine eran un lujo conceptual
y para pocos. Con un sólido registro en VHS y un original despliegue estético, este documental recorre los primeros –pero no
últimos– años del grupo de Adrogué, exponiendo reveladores
registros sobre técnicas como el “cassetismo” y el “collagecollage”, o los principios filosóficos del “cualquierismo”, hasta
el regreso de la banda en 2012. Javier Sisti Ripoll

Back in the ‘90s, everything seemed new. Maybe it was the revolutionary effect of food delivery and television that made us talk
about things like New Argentine Cinema, or New Argentine Rock.
Perdedores Pop had a slightly privileged place in the latter. The
motto back then was: “they were talked about more than they
were actually heard”. Thing is, the attachment to witty poetry, the
low fi recordings, and the twisted interpretation of fanzine culture
were all a conceptual luxury, for only a few. With a solid VHS
record and an original aesthetic setting, this documentary follows
the first –but not last– years of the band from Adrogué, featuring
some revealing material about techniques such as “tape-ism”
and “collage-collage”, or the philosophical principles of “whateverism”, until the band’s return in 2012. JSR

Agustín Arévalo

Argentina, 2016 / 60’ / DM / Color & B&N / Español - Spanish

Nació en 1982 en Mar del Plata, Argentina, y egresó de la Escuela Profesional de Cine. Trabajó en producción, dirección y montaje de publicidad,
videoclips y televisión.
He was born in 1982 in Mar del Plata, Argentina, and graduated from
Escuela Profesional de Cine. He worked in production and direction, and
edited commercials, music videos and TV.

D, G: Agustín Arévalo F: Lucía Kaplun, Agustín Arévalo
E: Maximiliano Burgos, Agustín Arévalo S: Maximiliano Burgos
M: Perdedores Pop, Menos que Cero, Morfi y Vinacho,
Teleunicos, Los Reyes del Falsete P: Agustín Arévalo,
Lucía Kaplun CP: Anahí Films I: Mariano Manza Esaín,
Liniers, Leo García, Pablo Dreizik, Marcelo Montolivo
Contacto / Contact
Anahí Films. Lucía Kaplun
T +54 9 11 6059 2244
E [email protected]

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

275

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

music

I Saw the Light
Yo vi la luz
Tom Hiddleston se pone en la piel de la leyenda del country
Hank Williams, el músico que compuso algunas de las canciones más perdurables del género antes de su prematura muerte a los 29 años. El film abarca desde sus orígenes humildes
hasta su ascenso al estrellato.

Tom Hiddleston gets into the shoes of country legend Hank
Williams, the musician who wrote one of the most eternal
songs of the genre before his premature death at the age of 29.
The film goes from his humble origins to his rise to stardom.

Bob Dylan: “Esas viejas canciones son mi diccionario y mi biblia. Todas mis creencias vienen, literalmente, de esas canciones; cualquier cosa, desde ‘Let Me Rest on That Peaceful
Mountain’ hasta ‘Keep on the Sunny Side’. Podés encontrar
toda mi filosofía en ellas. Creo en un Dios del tiempo y del
espacio, pero cuando la gente me pregunta al respecto, mi
impulso es enviarlos hacia esas canciones. Creo en Hank
Williams cantando ‘I Saw the Light’. Yo también he visto
la luz”. Fallecido a los 29 años, Williams fue una leyenda
del country que peleó mano a mano con Woody Guthrie por
ser la base sensible, forajida y mítica de cierta sensibilidad
americana. En este biopic, Tom Hiddleston (ese reptiliano y
amado lungo) se calza al artista como si fuera una guitarra
vieja pero invencible. Juan Manuel Domínguez

“Those old songs are my lexicon and prayer book. All my beliefs come out of those old songs, literally, anything from ‘Let
Me Rest on That Peaceful Mountain’ to ‘Keep on the Sunny
Side.’ You can find all my philosophy in those old songs. I believe in a God of time and space, but if people ask me about
that, my impulse is to point them back toward those songs. I
believe in Hank Williams singing ‘I Saw the Light.’ I’ve seen
the light, too.” Dead at 29, Williams was a legend of country
music that fought hand-to-hand with Woody Guthrie in being
the sensitive, outlaw, mythical basis for a certain American
sensibility. In this biopic, Tom Hiddleston (that lovable, tall
reptilian) wears the artists as though he were an old but
invincible guitar. JMD

Marc Abraham
Comenzó su carrera como redactor de publicidad y luego trabajó como
periodista deportivo para varios diarios y revistas. Escribió numerosos
guiones para grandes estudios y fue uno de los fundadores de Strike
Entertainment, con la que produjo RoboCop (2014).
He started his career as an ad writer and later worked as a sports journalist for several newspapers and magazines. He wrote several scripts for
some major studios and was one of the founders of Strike Entertainment,
with which he produced RoboCop (2014).

276

Estados Unidos - US, 2015 / 123’
DCP / Color - B&N / Inglés - English
D, G: Marc Abraham F: Dante Spinotti DA: Merideth Boswell
P: Brett Ratner, Aaron L. Gilbert, Marc Abraham, G. Marq Roswell
PE: Patty Long, Jason Cloth, John Raymonds, James Packer
I: Tom Hiddleston, Elizabeth Olsen, Bradley Whitford, Cherry Jones,
Maddie Hasson
Contacto / Contact
Sony Pictures in Argentina. Cecilia Chiappano
E [email protected]
W uip.com.ar

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

música

Imagine Waking Up Tomorrow
and All Music Has Disappeared
Imagina despertar mañana y que toda la música haya desaparecido
Esta película acompaña a Bill Drummond, un espíritu anárquico del punk, en la búsqueda de nuevas voces para su coro,
integrado por un grupo de aficionados que no ensayan ni leen
partituras. Un viaje al punto cero de la música que, inocentemente, nos permite inventarla de nuevo.

The film follows Bill Drummond, an anarchic punk spirit, in
his search of new voices for his choir, formed by a group of
amateurs who don’t rehearse or know how to read music. It’s
a journey to the ground zero of music that innocently allows
us to re-invent it.

Si decimos que los noventa fueron propiedad de Bill Drummond
exageramos un poco, pero no existe figura como la hipérbole
para referirnos al cofundador de la célebre célula situacionista
conocida como KLF. Dueños de un inexplicable control de su
propio destino, los KLF triunfaron cuando decidieron que era el
momento y, tras apenas 24 meses, pusieron punto final a su
carrera en un proceso de implosión heroico y sin precedentes.
Más de dos décadas después, Drummond vuelve a las andadas
al formar The 17, una coral imposible construida al azar durante
un viaje por el Reino Unido. Su objetivo: crear una sinfonía que
no fuera registrada ni escuchada por oídos ajenos a The 17. Todo
eso partiendo de una premisa irresistible: imaginar que mañana
te despertás y toda la música ha desaparecido. Fran Gayo

If we said that the nineties were Bill Drummond’s, we would
be exaggerating a little, but there’s no such thing as hyperbole
when referring to the co-founder of the famous situationist cell
known as the KLF. Owners of an inexplicable control over their
own destiny, the KLF triumphed when they decided it was time
and, after merely 24 months, they put an end to their career
in a heroic, unprecedented imploding process. More than two
decades later, Drummond is back in business after forming The
17, an impossible choir built up randomly during a trip across
the UK. His goal: creating a symphony that would not be recorded or heard by anyone outside The 17. And all of this comes
from an irresistible premise: imagining waking up tomorrow and
all music has disappeared. FG

Stefan Schwietert
Nació en Alemania en 1961, pero se crió en Suiza. Estudió cine en el
Instituto de Arte de California y en el DFFB de Berlín. Fundó la productora
Neapel Film y dirigió varios documentales, entre ellos, Accordion Tribe
(2004), Heimatklänge (2007) y Balkan Melodie (2012).
He was born in Germany in 1961, but grew up in Switzerland. He studied filmmaking at the California Art Institute and the DFFB in Berlin. He
founded the production company Neapel Film and directed several documentaries, including Accordion Tribe (2004), Heimatklänge (2007) and
Balkan Melodie (2012).

Alemania / Suiza - Germany / Switzerland, 2015 / 86’
DCP / Color / Inglés - English
D, G, DA: Stefan Schwietert F: Adrian Stähli E: Frank Brummundt,
Florian Miosge S: Dieter Meyer, Jean Pierre Gerth M: Bill Drummond
P: Cornelia Seitler, Brigitte Hofer, Helge Albers PE: Cornelia Seitler
CP: Maximage, Flying Moon I: Bill Drummond
Contacto / Contact
Maximage. Maya Galluzzi
T +41 44 274 8866 E [email protected]
W maximage.ch ~ imaginewakinguptomorrowandallmusichasdisappeared.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

277

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

music

The Jazz Loft According to
W. Eugene Smith
El loft del jazz según W. Eugene Smith
Primera película que utiliza el archivo de fotos y cintas de audio del fotógrafo W. Eugene Smith, que documentan las sesiones de improvisación de Thelonious Monk, Zoot Sims y otros
grandes del jazz, mientras ensayaban en un loft a fines de los
cincuenta y sesenta.

This is the first film that used photographer W. Eugene
Smith’s archives of photos and audiotapes, which document jam sessions by Thelonious Monk, Zoot Sims and
other great jazz musicians, as they rehearsed in a loft in
the late ‘50s and ‘60s.

A finales de los años cincuenta, algo sucede en la vida del
fotoperiodista Eugene Smith. De su posición como firma célebre de la revista Life, pasa a recluirse en un destartalado
edificio de la Sexta Avenida. Allí, Smith entra en un proceso
obsesivo que lo lleva a rodearse de su colección de cámaras,
sembrar su loft de micrófonos y registrar lo que a partir de
ese momento pasó a ser su vida cotidiana: un eterno after
en la era dorada del cool jazz. Celebridades de toda clase
visitaron durante años a Smith: Don Cherry, Sonny Rollins,
Robert Frank, Thelonius Monk, Norman Mailer, Diane Arbus,
y Henri Cartier-Bresson convivieron con lo más granado del
lumpenaje local frente al objetivo de su cámara, dejando
constancia de un momento histórico irrepetible, en el que el
significado de la palabra “bohemia” alcanzaba su más alto
estándar. Fran Gayo

Something happens in the life of photojournalist Eugene
Smith in the late ‘50s. Leaving his position as a famous name
in Life magazine, he secludes himself in a rundown building
on Sixth Avenue. There, Smith enters into an obsessive period that leads him to surround himself with his camera collection, spread microphones around his loft, and record what
his everyday life became at that point: eternal after-hours
in the golden age of cool jazz. All kinds of celebrities visited
Smith through the years: Don Cherry, Sonny Rollins, Robert
Frank, Thelonius Monk, Norman Mailer, Diane Arbus, Henri
Cartier-Bresson, they all coexisted with the cream of the local underclass in front of his camera lens, and documented
an unrepeatable moment in history, when the meaning of the
word “bohemian” reached its highest standard. FG

Sara Fishko
Es productora ejecutiva de la emisora de radio WNYC, especializada en
cultura. Su programa Fishko Files abarca una amplia gama de temáticas,
como la crítica de cine y el arte moderno.
She’s an executive producer for the radio station WNYC, which focuses
on culture. Her show Fishko Files covers a wide range of topics, such as
film criticism and modern art.

278

Estados Unidos - US, 2015 / 88’
DCP / Color & B&N / Inglés - English
D, G: Sara Fishko F: Tom Hurwitz E: Jonathan Johnson
S: Peter Miller P: Sara Fishko, Calvin Skaggs CP: WNYC Studios,
Lumiere Productions I: Jason Moran, Thelonious Monk Jr., Steve Reich,
Carla Bley, Sam Stephenson
Contacto / Contact
WNYC Studios. Sara Fishko
T +1 646 829 4471
E [email protected]
W wnyc.org ~ jazzloftthemovie.org

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

Foto / Photo: Shin Katan

música

Junun
En la primavera de 2015, el compositor israelí Shye Ben Tzur,
Jonny Greenwood (Radiohead) y una docena de músicos de la
India fueron invitados por el Maharaja de Jodhpur al fuerte de
Mehrangarh. Paul Thomas Anderson filmó aquellas sesiones,
que también quedaron registradas en un disco.

In the spring of 2015, Israeli composer Shye Ben Tzur, Jonny
Greenwood (Radiohead) and a dozen musicians from India
were invited by the Jodhpur Maharaja to the Mehrangarh fort.
Paul Thomas Anderon filmed those sessions, which also were
captured on record.

En este sólido primer acercamiento al terreno de la no ficción,
Paul Thomas Anderson sigue a su habitual colaborador musical y
guitarrista de Radiohead, Jonny Greenwood, a Rajastán, al norte
de la India, donde el rockero británico intenta grabar un disco
con varios invitados internacionales. Junun prepara su escenario
con una sola placa que explica el viaje de Greenwood al fuerte
de Mehrangarh. La cámara de Anderson adopta una posición
íntima, registrando la ronda formada por Greenwood y los músicos en el suelo de una habitación gigante en la que graban sus
canciones, algunas de ellas alegres y otras tristes. Sin proveernos de ningún tipo de información contextual en pantalla y con
el mínimo indispensable de entrevistas y conversaciones, Junun
funciona como una experiencia en la que todo el significado y la
emoción derivan de estar totalmente sumergidos en la música
que se nos muestra. Nick Schager

Making a solid first foray into nonfiction terrain, Paul Thomas
Anderson tags along with his frequent soundtrack collaborator and Radiohead guitarist Jonny Greenwood to Rajasthan in
northwest India, where the British rocker aims to make an album with a host of international artists. Junun sets its stage
with a single title card explaining Greenwood’s trip to the Mehrangarh Fort. Anderson’s camera assumes an intimate position,
the circle formed by Greenwood and his fellow musicians as
they sit on the floor of a giant room recording their joyful and
sorrowful songs. With no contextual onscreen information provided, and interview and conversational dialogue kept to a bare
minimum, Junun functions as an experiential documentary, one
in which all meaning and emotion is derived from being wholly
submerged in the music on display. NS

Paul Thomas Anderson
Dirigió Vivir del azar (1996), Boogie Nights - Juegos de placer (1998),
Magnolia (1999), Embriagado de amor (2002), Petróleo sangriento
(2007), The Master (2012) y Vicio propio (2014).
He directed Hard Eight (1996), Boogie Nights (1998), Magnolia (1999),
Punch-Drunk Love(2002), There Will Be Blood (2007), The Master (2012)
and Inherent Vice (2014).

Estados Unidos - US, 2015 / 54’ / DCP / Color / Inglés / Hebreo /
Hindi / Urdu - English / Hebrew / Hindi / Urdu
D: Paul Thomas Anderson F: Paul Thomas Anderson, Nigel Godrich,
Sharona Katan, Ian Patrick, Arne Warmington E: Andy Jurgensen
S: Sam Petts-Davies CP: Ghoulardi Film Company I: Shye Ben Tzur,
Jonny Greenwood, The Rajasthan Express
Contacto / Contact
Erica Frauman
T +1 323 646 6111
E [email protected]

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

279

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

music

La La La at Rock Bottom
Misono Universe
Shiego pierde la memoria después de haber sido golpeado.
Cuando conoce a Kaumi, descubre su talento para el canto y se
convierte en el cantante de la banda que ella representa. Una
comedia romántica acerca del amor, la redención, la música y
las segundas oportunidades.

Si esa maravilla llamada Linda Linda Linda fue la película ramonera de Yamashita, La La La at Rock Bottom puede verse
y escucharse como su reversión beatle. La canción podrá no
seguir siendo la misma, pero el talento del director para la comedia pop y la fabricación de personajes tan excéntricos como
queribles se revelan intactos en esta parábola sobre el poder
redentor de la música que, como pedía Nick Hornby, jamás necesita usar la palabra “redención”. La voz cantante, para que no
extrañemos a Doona Bae, la lleva aquí Subaru Shibutani, líder
de un famoso grupo de J-Pop; junto a Fumi Nikaido –la enfant
terrible de Why Don’t You Play in Hell?– arman uno de los dúos
más adorables de este Bafici, uno que parece salido de la mejor
tradición del screwball hollywoodense. Agustín Masaedo

Nobuhiro Yamashita
Nació en Japón en 1976 y estudió cine en Osaka. Fundó la productora
Midnight Child Theatre con cuatro compañeros de la facultad. Sus películas Ramblers (2003) y Linda Linda Linda (2005) fueron proyectadas
en las ediciones 2004 y 2005 del Bafici. Luego realizó The Matsugane
Potchot Affair (2006; Bafici ‘08) y A Gentle Breeze in the Village (2007).
He was born in Japan in 1976 and studied filmmaking in Osaka. He
founded the production company Midnight Child Theatre with four college
mates. His films Ramblers (2003) and Linda Linda Linda (2005) were
screened in the 2004 and 2005 editions of Bafici. He later directed The
Matsugane Potchot Affair (2006; Bafici ‘08) and A Gentle Breeze in the
Village (2007).
280

Shiego gets amnesia after being struck. When he meets
Kaumi, he discovers his talent for singing and becomes the
lead singer in the band she manages. A romantic comedy
about love, redemption, music, and second chances.

If that wonderful film called Linda Linda Linda was Yamashita’s
The Ramones-fueled film, Misono Universe can be interpreted
–and heard– as its beatle reversion. The song may not be the
same, but the director’s talent for pop comedy and characters
as eccentric as lovable is still intact in this parable about the
redemptive power of music –which, as Nick Hornby demanded,
doesn’t need to ever use the word “redemption”. We won’t miss
Doona Bae here, since Subaru Shibutani, the frontman of a famous J-Pop band, carries the lead vocals. Together with Fumi
Nikaido –the enfant terrible from Why Don’t You Play in Hell?–
they form one of most lovely duos of this Bafici, one that seems
to emerge from the finest tradition of Hollywood screwball. AM

Japón - Japan, 2015 / 103’ / DCP / Color / Japonés - Japanese
D: Nobuhiro Yamashita G: Tomoe Kanno F: Futa Takagi E: Takashi
Satoh DA: Hironori Iwamoto, Norifumi Ataka S: Hisafumi Takeuchi
M: Shoji Ikenaga P: Kazuteru Harafuji, Tsuyoshi Matsushita,
Shinji Ogawa, Hiroyuki Negishi PE: Julie K. Fujishima CP: J Storm,
GAGA Corporation, Matchpoint I: Subaru Shibutani, Fumi Nikaido
Contacto / Contact
GAGA Corporation. Yuki Oguriyama
T +81 3 5786 7135
E [email protected]
W www.gaga.co.jp ~ misono.gaga.ne.jp

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

música

Michael Jackson’s Journey from
Motown to Off the Wall
El viaje de Michael Jackson: De Motown a Off the Wall
Spike Lee reúne una gran cantidad de material de archivo para
crear esta crónica detallada de un capítulo poco explorado en
la carrera musical del rey del pop: el lanzamiento de su quinto
disco en 1979 y su relación con Quincy Jones.

Spike Lee gathers a great amount of archive footage to create
this detailed chronicle of an unexplored chapter in the king of
pop’s music career: the release of his fifth album in 1979 and
his relationship with Quincy Jones.

Todo artista es por lo menos dos personas: la que hace el arte y
la que hace todo lo demás. Es imposible no confundirlas, y nos
gusta leer la vida en el arte; pero a veces el arte se hace a pesar
de la vida, o se hace sin tomarla en cuenta. Michael Jackson
puede haber sido un chico confundido que se convirtió en un
adulto confundido, pero también fue un artista que sabía cómo se
hacían las cosas. Lee ha hecho un documental sobre ese Michael
Jackson; el artista, una persona llevada no solo a hacer música,
sino también a conquistar el mundo. Tal vez la película sea la base
para una historia alternativa; una vida en la que las cosas podrían
haber resultado de forma diferente. No hay flash forwards hacia
esa otra persona del futuro, irreconocible excepto por la forma de
cantar y bailar. Esos años, esas complicaciones y triunfos no son
para esta obra. Solo quiere rockear con vos. Robert Lloyd

Every artist is at least two people –the person who makes the
art and the person who does everything else. It’s impossible
not to confuse them, and we like to read the life in the art; but
sometimes the art is made in spite of the life, or made without
regard to it. Michael Jackson may have been a mixed-up kid
who became a mixed-up adult, but he was also an artist who
knew his stuff. Lee has made a documentary about that Michael
Jackson, the artist, a person driven not only to make music but
also to conquer the world. The film might be the foundation for
an alternative history, a life in which things could have turned
out differently. There are no flash forwards to that other, future
person, all but unrecognizable except in his singing and dancing. Those years, those complications and triumphs are not for
this piece. It just wants to rock with you. RL

Spike Lee
Nació en Atlanta, Estados Unidos, en 1957, y se graduó en la Tisch
School of the Arts. Dirigió numerosas películas, entre las que se
destacan Malcolm X (1992), 25 th Hour (2003), Inside Man (2006)
y Old Boy (2013).
He was born in Atlanta, USA, in 1957, and graduated from the Tisch
School of the Arts. He directed several films, including Malcolm X
(1992), 25th Hour (2003), Inside Man (2006) and Old Boy (2013).

Estados Unidos - US, 2016 / 94’
DM / Color & B&N / Inglés - English
D: Spike Lee E: Ryan Denmark, Barry Alexander Brown
S: Philip Stockton P: Spike Lee, John Branca, John McClain
PE: Karen Langford CP: Optimum Productions,
Sony Music Entertainment I: Michael Jackson
Contacto / Contact
Optimum Productions. Karen Langford
T +1 310 552 6534
E [email protected]
W michaeljackson.com/us

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

281

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

music

No va llegar
He Ain’t Gonna Make It
El bandoneonista Tomi Lebrero emprende un viaje junto a dos
yeguas y un potro que va domando en el camino. Un cantor
fanático de Perón y un guitarrero santiagueño son algunos de
los personajes desopilantes que compartirán consejos y canciones con el músico durante esta horse movie.

Bandoneon-player Tomi Lebrero sets on a journey with two
mares and a colt he will tame on the way. A singer and strong
supporter of Peron and a guitarist from Santiago del Estero are
some of the hilarious characters with whom the musician will
share advices and songs during this horse movie.

Hay tantos motivos diferentes para hacer un viaje como viajes distintos, y habría sido fácil para el cantautor Tomi Lebrero
explicar el que emprende en No va llegar con alguna clase de
cháchara sobre el autoconocimiento, el espíritu aventurero o la
búsqueda de las raíces telúricas de su asombroso eclecticismo
musical. Nada que ver: Lebrero viaja porque sí, porque se le
canta. En esa ausencia de cualquier racionalización radica buena parte del encanto de este documental placentero y libertario,
que prefiere ir al trote antes que al galope, para dejarnos conocer en detalle una tierra donde las canciones, la camaradería y
no pocos disparates brotan sin el menor esfuerzo, y donde hasta los caballos pueden volverse de pronto multiinstrumentistas
consumados. Agustín Masaedo

There are as many different reasons to go on a trip as there
are different kinds of trips, and it would have been easy for
singer/songwriter Tomi Lebrero to explain the one he embarks
on in He Ain’t Gonna Make It with some kind of chatter about
self-discovery, adventure spirit or the search for the roots of
his amazing musical eclecticism. Not at all: Lebrero travels because he wants to, because what the hell. In that absence of
any kind of rationalization lies an important part of the charm of
this pleasant, libertarian documentary that prefers to trot rather
than gallop, in order for us to get a detailed description of a land
where songs, camaraderie and quite a few absurdities come
up without much effort, and where even horses can suddenly
become seasoned multi-instrumentalists. AM

los Directores / the Directors
Segundo Bercetche: Dirigió los documentales BA RAP (Bafici ’14) y
Jungle Boyz (Bafici ’15). Cristian Costantini: Realizó los documentales Oro nestas piedras y El jardín secreto (Bafici ’10). Tomi Lebrero:
Bandoneonista y cantautor. Hizo la música de UPA! Una película argentina (Bafici ’07).
Segundo Bercetche: He directed the documentaries BA Rap (Bafici
‘14) and Jungle Boyz (Bafici ‘15). Cristian Constantini: He directed the
documentaries Oro nestas piedras and El jardín secreto (Bafici ‘10). Tomi
Lebrero: A bandoneon player and singer-songwriter, he wrote the score
for UPA! Una película argentina (Bafici ‘07).

282

Argentina, 2016 / 110’ / DCP / Color
Español - Spanish
D, G, P, PE: Segundo Bercetche, Cristián Costantini, Tomi Lebrero
F, E: Segundo Bercetche S: Cristián Costantini
M: Tomi Lebrero, Siro Bercetche CP: Acéfala I: Tomi Lebrero
Contacto / Contact
Acéfala. Segundo Bercetche
T +54 9 11 3173 6363
E [email protected]
W acefala.com.ar ~ facebook.com/novallegar

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

música

Nuevo Rock: Adicta, el documental
New Rock: Adicta, the Documentary
Dos días antes de que Adicta anunciara su separación, el realizador concretó, sin saberlo, la que sería la última entrevista
de la banda.

Two days before Adicta announced its disbanding, the filmmaker crystalized, without knowing it, what would be the
band’s last interview.

Este documental dirigido por Fernando Barrios recorre la intensa vida de Adicta, una de las bandas más particulares de la
escena argentina. En las voces de sus integrantes, en especial
en las de Rudy Martínez y Adrián “Toto” Nievas –fundadores
originales–, se ponen en evidencia algunas cuestiones nodales
que no solo hacen al grupo, sino también a un momento bisagra
del rock argentino. La parada firme de Adicta y otras bandas
similares frente al auge y monopolio del rock barrial a fines de
los noventa, su enorme carácter influenciador y, tal vez lo más
importante, la apuesta de un dúo que eligió siempre el camino
más difícil por el que un artista puede optar en estas latitudes:
la sofisticación y la mixtura entre el rock y la pista, entre luces y
sombras. Mariano Valerio

This documentary directed by Fernando Barrios covers the intense life of Adicta, one of the most unique bands in the Argentine scene. The testimonies of its members, especially the original founders Rudy Martínez and Adrián “Toto” Nievas, express
some of the key issues of both the group and a turning point
moment in Argentine rock music. The film features Adicta’s firm
stand –along other similar bands– against the rise and monopoly of neighborhood rock in the late ‘90s, its hugely influential
spirit, and –perhaps what is most important– the adventure of
a duo who always took the hardest path for artists to choose in
this side of the world: sophistication and a mixture of rock and
dance floor, amidst lights and shadows. MV

Alejandro Barrios
Nació en 1987, y estudia diseño de imagen y sonido en la UBA. Produce
y programa desde hace tres años el Festival Nacional de Cine de Esteban
Echeverría.
He was born in 1987, and studies image and sound design at the UBA.
For the past three years, he has produced and programed the Esteban
Echeverría National Film Festival.

Argentina, 2016 / 75’ / DM / Color / Español - Spanish
D, G, F, E, DA, S, P, PE: Alejandro Barrios I: Adrián Nievas,
Rudie Martínez, Sebastián Carreras, Paulino Gil, Gaby Herbstein
Contacto / Contact
Alejandro Barrios
T +54 9 11 6849 3300
W facebook.com/nuevorockadicta

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

283

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

music

Strike a Pose
Ponete en pose
En 1990, siete bailarines se unieron a Madonna en la Blond
Ambition World Tour, su gira más controvertida. Ahora, 25
años después, revelan la verdad sobre la vida durante y después de la gira.

In 1990, seven dancers joined Madonna in her highly controversial Blond Ambition World Tour. Now, 25 years later, they
reveal the truth about life during and after that tour.

¿Recuerdan cuando Madonna solía ser juguetona y feroz, y
sus acrobacias iconoclastas tenían el fin de ser provocaciones pop? La apoteosis de esos años dorados fue la Blond
Ambition Tour de 1990, que escandalizó al mundo conservador con su yuxtaposición de sexo y religión. Esa gira fue
registrada en el documental En la cama con Madonna, que
incluía imágenes de la jefa hablando en la cama con su harén de siete bailarines hermosos de diferentes tonalidades.
En la eventual reunión de los seis pavos reales vogueadores que sobrevivieron, esta inteligente película dice cosas
que resuenan en un mundo donde la fama es cada día más
efímera y la vida luego de que la ventana de la celebridad
se cierra es muy fría. Es una versión de A Chorus Line del
siglo XXI que examina lo que viene después y no antes de la
euforia de haber sido elegido. David Rooney

Remember when Madonna used to be playful and fierce, and
her iconoclastic performance stunts were about pop provocation? The apotheosis of those golden years was the 1990
Blond Ambition Tour, which scandalized the conservative
world with its juxtaposition of sex and religion. The tour was
chronicled in the documentary Madonna: Truth or Dare, which
featured the boss exchanging pillow talk with her beauteous
multihued harem of seven young male dancers. In the eventual reunion of the six surviving voguing peacocks, this smartly
assembled film makes points that resonate in a world where
fame is increasingly ephemeral and life after the celebrity window closes can get awfully cold. It’s a 21st century take on
A Chorus Line that examines what comes after rather than
before the euphoria of being chosen. DR

Ester Gould
Nació en Peterculter, Escocia, en 1975, pero vive y trabaja en Ámsterdam. Estudió cine y periodismo allí y en Nueva York.
She was born in Peterculter, Scotland, in 1975, but lives and works in
Amsterdam. She studied film and journalism there and in New York.

Holanda / Bélgica - Netherlands / Belgium, 2016
83’ / DCP / Color & B&N / Inglés - English

Reijer Zwaan

D, G: Ester Gould, Reijer Zwaan F: Reinout Steenhuizen
E: Dorith Vinken S: Marc Lizier M: Bart Westerlaken
P: Rosan Boersma, Sander Verdonk, Denis Wigman, Ester Gould,
Reijer Zwaan CP: CTM Docs, The Other Room

Nació en 1981, y actualmente trabaja como periodista y realizador para
la televisión pública holandesa.
He was born in 1981, and currently works as a journalist and director for
Dutch public television.

Contacto / Contact
CTM Docs . Rosan Boersma
T +31 634 139 289
W strikaposefilm.com ~ strikeaposedocu

284

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

Foto / Photo: Ian Dickson

música

The Damned: Don’t You Wish
That We Were Dead
The Damned: ¿No desearías que estuviéramos muertos?
Después de haber pasado por muchos cambios, disoluciones
y luchas internas, la banda pionera del punk The Damned se
ha convertido en uno de los grupos de más trayectoria en su
género, y una influencia ineludible para los que la sucedieron.

After having gone through lots of changes, breakups and
fights, pioneering punk rock band The Damned has become
one of the longest-running groups in their genre, and an unavoidable influence to those who came after them.

Tomando a cualquiera de los cuatro miembros de la formación
original de The Damned por separado, se puede armar un árbol
genealógico de estilos musicales (y estilismos visuales) a partir
de ellos. Dave Vanian fue casi el primer dark; Captain Sensible
es un puntal del pop extravagante; Rat Scabies es el hooligan
punk que no sabe ser otra cosa en la vida que un gamberro; y
el efímero Brian James lleva tatuado en la frente “hago rock
de clase obrera”. Todo esto tenía lugar en 1976, cuando The
Damned fue la avanzada del punk británico. Lo increíble es
que sigue sucediendo ahora. Este film de Wes Orshoski (quien
ya inmortalizó a Lemmy en otro rockumentary) expone todo el
anecdotario de locuras e hitos musicales (Chrissie Hynde, Ian
MacKaye, Mick Jones y Jello Biafra se hincan ante su nombre)
que cabe en estos cuarenta años. Joan Pons

If you take any of the four members of the Damned’s original
lineup, you can build a family tree of musical styles (and visual styling) from them. Dave Vanian was almost the first goth;
Captain Sensible is a pillar of extravagant pop; Rat Scabies is
the punk hooligan than can be nothing but a troublemaker;
and the ephemeral Brian James has “I make working-class
rock” tattooed on his forehead. All of this was taking place in
1976, when the Damned was the outpost of British punk. The
amazing thing is that it’s still happening now. This film by Wes
Orchoski (who had already immortalized Lemmy in another rockumentary) exposes all the anecdotes of madness and musical
milestones (Chrissie Hynde, Ian MacKaye, Mick Jones and Jello
Biafra bow down before them) that fit in in these forty years. JP

Wes Orshoski
Debutó como director con el largo documental Lemmy (2010; Bafici ‘11).
Actualmente vive en Nueva York, donde expone sus trabajos como fotógrafo.
He made his directorial debut with the documentary feature Lemmy
(2010; Bafici ‘11). He currently lives in New York, where he exhibits his
work as a photographer.

Estados Unidos - US, 2015 / 110’ / DCP / Color
Inglés - English
D, G, F, E, DA, S, P: Wes Orshoski PE: Wes Orshoski, Jeanine Triolo
CP: Three Count Films I: Dave Gahan, Chrissie Hynde, Mick Jones,
Lemmy
Contacto / Contact
Three Count Films. Wes Orshoski
T +1 917 450 2148
E [email protected]
W threecountfilms.com ~ damneddoc.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

285

pasiones
passions

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

passions

1986. La historia detrás de la Copa
1986
FUNCIONES GRATUITAS / FREE SCREENINGS
La historia nunca antes contada de la selección argentina que
se coronó campeona en México ‘86, en una serie documental
que presentamos en dos jugosos bloques, ¡y gratis!

The untold story of the Argentinian soccer team that won the
World Cup in Mexico ‘86, in a documentary series featured
here in two juicy –and free!– programs.

En 1986 se produjo el hecho más impactante de la historia
del fútbol argentino. En medio de un país esperanzado por el
regreso de la democracia, la selección obtenía por segunda vez
la Copa del Mundo. Ese título empezó a edificarse cuatro años
antes y, como muchas historias contemporáneas argentinas,
estuvo colmado de esfuerzo, genialidades, traiciones, logros
colectivos y los momentos más épicos de la historia del deporte
nacional. Basada en la aparición de un video inédito que cuenta
desde la intimidad el paso del seleccionado por la concentración del Club América de México, la serie documental 1986. La
historia detrás de la Copa desanda como nunca antes el ciclo
que tuvo el doble comando de Carlos Bilardo y Diego Maradona,
en su hora más controvertida y gloriosa.

The most shocking event in Argentine soccer history took place
in 1986. In the middle of a country with high hopes after the
return of democracy, the national team won its second world
championship. That title had started to become real four years
before, and, like so many other contemporary Argentine stories, the road was filled with effort, genius, treasons, collective
achievements, and some of the most epic moments in the history of national sports. Based on a new, unreleased video that
shows the intimacy of the national team’s camp at the America
team home in Mexico, the documentary series 1986 goes back
through that double leadership period with Carlos Bilardo and
Diego Maradona, in his most controversial and glorious hour.

Christian Rémoli
Nació en Junín, Buenos Aires, en 1973. Estudió en la Universidad de
Buenos Aires y en DeporTea. Entre 2008 y 2016, dirigió y produjo para
Koala Contenidos más de 40 documentales, entre los que se destacan
Mundial ‘78. Verdad o mentira, y las series La Argentina olímpica y El
fútbol es historia.
He was born in Junín, Buenos Aires, in 1973. He studied at the University
of Buenos Aires and DeporTea. Between 2008 and 2016, he directed
and produced over 40 documentaries for Koala Contenidos, including
Mundial ‘78. Verdad o mentira, and the series La Argentina olímpica and
El fútbol es historia.

288

Argentina, 2016 / 208’ / DM / Color / Español - Spanish
D, P, PE: Christian Rémoli G: Gustavo Dejtiar, Ariel Scher
F: Martín Pimentel E: Julen Giménez, Luciano Orlievsky
DA: Leandro Balaguer S: Pablo Nomdedeu M: Pablo Nomdedeu
CP: Koala Contenidos I: Carlos Bilardo, Jorge Valdano,
Daniel Passarella, Julio Olarticoechea, Jorge Burruchaga
Contacto / Contact
Koala Contenidos. Christian Rémoli
T +54 9 11 5511 1453
E [email protected] ~ [email protected]
W koalacontenidos.com.ar

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

pasiones

¿Dónde estás, Negro?
Where Are You, Buddy?

Alejandro Maly ahonda en la vida del ventrílocuo argentino
Chasman y su célebre álter ego Chirolita. A partir del recordado dúo, este documental explora la relación que tienen los
ventrílocuos con sus muñecos.

Alejandro Maly delves into the life of Argentine ventriloquist
Chasman and his famous alter ego Chirolita. Though the beloved duo, this documentary explores the relationship between
ventriloquists and their dummies.

Para aquellos que desconocen a Chasman y Chirolita, e incluso
para los que creen que los recuerdan, este documental, que
cuenta con un material de archivo inmediatamente atractivo,
será una sorpresa. El humor de Ch & Ch demuestra un timing
inalterable. Las entrevistas que guían la exploración trabajan
sobre la personalidad de Chasman, el éxito del dúo y el humor
en general, con esa inevitable cercanía con zonas oscuras e
insondables a las que habitualmente se llega cuando se habla
de comicidad y se la observa con detenimiento. Pero este es un
documental doble, porque de Ch & Ch se pasa a su legado, a los
distintos ventrílocuos y a sus derroteros asombrosos. Y hasta
triple: la exploración va hacia el pasado, a la historia –y leyenda,
y misterio– de lo que hubo antes de Ch & Ch, otros cuentos de
muñecos extraordinarios. Javier Porta Fouz

For those of you who don’t know who Chasman and Chirolita
were, or even for those who think they remember them, this
documentary featuring immediately attractive archive footage
will be a surprise. The humor of Ch & Ch shows an unchanging timing. The interviews that guide this exploration work on
Chasman’s personality, the success of the duet, and comedy in
general, with that inevitable closeness to darker and unfathomable areas you usually reach when addressing and thoroughly
observing comic nature. But this is a double documentary, because we jump go from Ch and Ch to their legacy, with different
ventriloquists and their astonishing careers. And it’s even triple:
the exploration goes back into the past, to the history –the legend, the mystery– of what there was before Ch and Ch: other
stories of extraordinary dolls. JPF

Alejandro Maly

Argentina, 2016 / 82’ / DCP / Color / Español - Spanish

Nació en Buenos Aires en 1979. Estudió cine en la UBA y después
de graduarse comenzó a trabajar en varias producciones de televisión como camarógrafo y editor. También estudió fotografía y montaje
cinematográfico.
He was born in Buenos Aires in 1979. He studied film at the UBA and
after graduating started to work in various television productions as
camera operator and editor. He also studied photography and film editing.

D, G, E, P, PE: Alejandro Maly F: Gabriel Villazón DA: Marcela Tazzioli
S: Matías Hidalgo M: Alberto Castillo, Dante Amicarelli, Francisco
Marafioti, Miguel Lembo CP: Lyma Film I: Silvio Soldán, Santiago Bal,
Natán Solans, Marcelo Bonetti, Miguel Ángel Lembo
Contacto / Contact
Lyma Film. Alejandro Maly
T +54 11 4194 7595
E [email protected]
W facebook.com/dondeestasnegrodocumental

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

289

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

passions

El sentido Derby
The Derby Direction
Este documental recorre la historia de distintas mujeres que
se cruzan en un curioso punto de encuentro: la pista de roller
derby, un deporte que las apasiona y las invita a poner en juego toda su fuerza sobre los patines.

This documentary goes through the story of several women
who come across each other in a funny meeting point: the
roller derby track, a sport they’re passionate about and invites
them to put all their strength on the skates.

¿Qué tienen en común una emergencióloga, una abogada y
un ama de casa? Sus cotidianidades son muy distintas, pero
hay algo que las une: el roller derby. Todos los que hayan
visto Whip It (Drew Barrymore) saben de qué se trata: es un
deporte de contacto, pero en patines de cuatro ruedas. Para
jugar, las chicas se maquillan, se visten y eligen un derby
name, que puede ir desde “Concha Violenta” hasta “Animal”,
pasando por otros más moderados, como “Diamantina” o
“Miss Marple”. Pero saben que lo importante es el juego.
Y es que con el roller derby pueden sentirse libres, sin más
obligación que la de ganar. El sentido derby nos permite asomarnos al mundo privado de cada una de ellas y también al
de cada equipo: de la potente combinación entre ambos se
nutre el documental, y también la vida de las chicas que,
con garra y mucha onda, salen a la pista. Luciana Calcagno

What do an emergency room doctor, a lawyer, and a homemaker have in common? Their everyday lives are very different,
but there’s something that connects them: roller derby. Everyone who has seen Drew Barrymore’s Whip It has an idea of
what that is: a contact sport, but on four-wheel skates. When
they are playing, the girls wear make up, dress up, and pick a
derby name, which can range from “Violent Pussy” to “Animal”,
including some moderated ones like “Diamantina” or “Miss
Marple”. But they also know that the game is the most important thing of all. Because roller derby makes them fell free, with
no other obligation but winning. The Derby Direction allows us
to peek into the private world of each one of them, and also
their teams: the powerful combination of the two nurtures this
documentary, and also the lives of these women who step out to
the track with guts and swag. LC

Martín Blousson
Nació en Buenos Aires en 1977, y se inició en lo audiovisual como editor
y guionista. Trabajó en el montaje de Parapolicial negro, La memoria del
muerto (Bafici ‘12) y Diablo, entre otras.
He was born in Buenos Aires in 1977, and started out as an editor and
scriptwriter. He worked in the editing of Parapolicial negro, La memoria
del muerto (Bafici ‘12) and Diablo, among others.

Argentina, 2016 / 73’ / DM / Color
Español - Spanish
D, G, P: Martín Blousson F: Mariano Suárez E: Valentín Javier Diment,
Guillermo Gatti, Martín Blousson S: Sebastián González
M: Natalia Álvarez PE: Nicolás Galvagno CP: Películas V
I: Thelma Gerez, Agustina Mollo, Sabrina Rodera Zorita,
María Marta Berdiñas, Priscila Alba Mieres
Contacto / Contact
Películas V. Martín Blousson
T +54 11 5746 8859
E [email protected]

290

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

pasiones

Free to Run
Libre para correr
Hasta hace 50 años, el running era un deporte exclusivamente
masculino y reservado solamente para unos pocos eventos.
El documental de Morath se propone trazar la aventura épica
de este fenómeno convertido en pasión universal a lo largo
de la historia.

Up until 50 years ago, running was a sport only permitted to
men and restricted to a few events. Morath’s documentary
aims to trace throughout history the epic adventure of this
phenomenon that has turned into a universal passion.

Al comienzo de la película, un personaje sale a un balcón que
nos permite ver el Central Park en Nueva York, un espacio
sagrado para corredores. Él dice que antes corría por ahí, en
una hora se cruzaba con cinco o seis corredores y a todos los
conocía, porque eran pocos. Free to Run es la historia de los
pioneros y del crecimiento del running: organizadores revolucionarios, corredores que marcaron una época, mujeres que
rompieron las barreras del prejuicio; temas que podrían ser tres
documentales separados y a los que habría que sumar muchos
más. Pero Free to Run hace un enorme esfuerzo para resumir
todo esto, y los resultados son brillantes. Para quien ama correr,
una docena de escenas provocan emoción al borde de las lágrimas. Lejos de cerrar el tema, la película parece abrirlo, como
esa salida al balcón al comienzo del relato. Santiago García

At the beginning of the film, a character goes out to a balcony
that allows us to see New York’s Central Park, a sacred place
for runners. He says he used to run there, that over the course
of an hour he would run into five or six runners and know every
one of them, because they were few. Free to Run is the story
of the rise of running and its pioneers: revolutionary organizers, runners that marked a milestone, women that broke the
barriers of prejudice –subjects that could make up for three
separate documentaries and to which we would have to add
many more. But Free to Run makes a great effort to summarize
all of this, and the results are brilliant. For those who love to
run, a dozen scenes could drive them to tears. Far from closing
the subject, the film seems to open it, like that balcony at the
opening scene. SG

Pierre Morath
Historiador, periodista, ex atleta y documentalista nacido en 1970. En
2007 fundó su propia productora. Sus documentales fueron exhibidos y
premiados en varios festivales internacionales.
He’s a historian, journalist, former journalist and documentary filmmaker
born in 1970. In 2007, he founded his own production company. His
documentaries have been screened and awarded in several international
festivals.

Suiza / Francia / Bélgica - Switzerland / France / Belgium, 2016
99’ / DCP / Color / Francés / Inglés - French / English
D, G: Pierre Morath F, E: Thomas Queille S: Nicolas Samarine
M: Kevin Queille, Polar P: Fabrice Estève PE: Jean-Marc Fröhle,
Fabrice Estève, Marie Besson CP: Point Prod, Yuzu Productions,
Eklektik Productions I: Kathrine Switzer, Noel Tamini, Fred Lebow,
Steve Prefontaine, Franck Shorter
Contacto / Contact
jour2fête. Samuel Blanc
T +33 140 229 215
E [email protected] W jour2fete.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

291

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

passions

Funny Bunny
Conejito divertido
Dos jóvenes compiten por el corazón de Ginger, una activista
solitaria y emocionalmente frágil que se gana la vida defendiendo los derechos de los animales. Un triángulo cuasi amoroso en el que los personajes tratan desesperadamente de
conectarse unos con otros.

Two young men compete for the love of Ginger, a lonely and
emotionally fragile activist who earns a living advocating for
animal rights. A quasi-love triangle in which the characters
desperately try to connect with each other.

Sensible y sofisticada, Alison Bagnall no se priva de situaciones
ligeramente grotescas en las que la hostilidad del mundo se
combate con un tono de incertidumbre amable que recuerda a
los hermanos Grimm o al primer David Gordon Green. La belleza
de los planos que registran las caminatas de los dos protagonistas tiene su correlato en la tristeza subterránea de esas vidas a
merced de la incomprensión general. La película crea para ellos
la posibilidad de la amistad como un refugio y una fatalidad,
mediante la cual los seres desastrados “viven como son”, con
sus taras y su inadaptación a cuestas. Pocas veces el término
indie implicó semejante grado de libertad y de compromiso con
sus criaturas: para Bagnall la comedia triste es un artículo de fe
y un pasaporte capaz de conducirnos con un estremecimiento al
encuentro inesperado con nuestros semejantes. David Obarrio

Sensitive and sophisticated, Alison Bagnall doesn’t avoid somewhat grotesque situations in which the hostility of the world is
fought through a tone of friendly uncertainty that recalls the
brothers Grimm or David Gordon Green’s first films. The beauty
of the shots that capture the two main characters’ walks has
its correlation in the sadness beneath those lives at the mercy
of the general lack of understanding. The film creates for them
the possibility of friendship as refuge and fatality, through which
the scruffy beings “live as they are,” with their own faults and
their inability to adapt. Few times has the term indie meant this
amount of freedom and commitment to its creatures –to Bagnall, sad comedy is an article of faith as well as a passport
capable of driving us to unexpectedly meet people like us. DO

Alison Bagnall
Se graduó en la Universidad de Yale, y luego estudió dirección de cine en
el American Film Institute. Debutó en la industria cinematográfica como
coguionista de Bufalo ‘66 (1998). Dirigió los largometrajes Piggie (2003)
y The Dish and the Spoon (2011).
She graduated from the University of Yale and later studied filmmaking at the American Film Institute. She debuted in the film industry as
a co-writer in Bufalo ‘66 (1998). She directed the feature-length films
Piggie (2003) and The Dish and the Spoon (2011).

292

Estados Unidos - US, 2015 / 86’ / DCP / Color
Inglés - English
D, G: Alison Bagnall F: Ashley Connor E: Kentucker Audley,
Caleb Johnson, David Barker DA: Penka Slavova S: Albert Birney
M: Melanie Hsu P: Ted Speaker, Laura Heberton, Tara Culp,
Vinay Singh PE: Mark Shlomchik CP: Magic Owl, Hot Metal Films
I: Kentucker Audley, Olly Alexander, Joslyn Jensen, Josephine Decker,
Anna Margaret Hollyman
Contacto / Contact
Hot Metal Films. Laura Heberton
T +1 917 628 9476 E [email protected] W hotmetalfilms.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

pasiones

Hijos nuestros
Easy Ball
Hugo, que alguna vez fue futbolista profesional, hoy sobrevive
como taxista. Los años y los kilos se le vinieron encima, pero su
vida cambia de rumbo cuando conoce a Silvia y a su hijo Julián.
Después de tanto tiempo, esta parece ser su oportunidad.

Hugo, once a professional soccer player, now survives as a cab
driver. He is now older and has a few extra pounds, but his life
changes course when he meets Silvia and her son Julián. After
so long, this could be his chance of making it.

Entretenimiento, fanatismo vacuo, vehículo del desaforo nacional: eso creen muchos que es el fútbol, ninguneando su potencial como metáfora de todas las virtudes y vicios argentinos.
Hugo es un típico taxista porteño, o no tan típico, ya que habla
poco. Buenos Aires lo tiene alienado y son pocas las cosas que
lo desviven. Una, claro, es el fútbol, y, más particularmente, San
Lorenzo de Almagro. Es su religión, su credo y su motivo de
vida. Lo hermoso del personaje es que esa procesión va por
dentro; es un caldero futbolero que desea teñir a todo lo que lo
rodea de esa pasión azul y roja. Para Hugo, el fútbol abarca toda
esperanza de ascenso social, de amor, de construcción de una
familia. Y, en ese punto, Hijos nuestros capta ese anhelo ingenuo y tierno de que todo sufrimiento se solucione en un quiebre
de la cintura, en una red que se infla. Guido Segal (Catálogo
30° Festival de Mar del Plata)

Entertainment, empty fanaticism, or a vehicle for national chaos:
that is how many people perceive soccer, ignoring its power as
a metaphor for every Argentine virtue and vice. Hugo is a typical
Buenos Aires cab driver, or maybe not so typical since he doesn’t
say much. Buenos Aires has alienated him and there are very
few things he truly enjoys. One of them is, of course, soccer; particularly, the San Lorenzo de Almagro team, which is his religion,
his creed, and his reason to live. The beautiful thing about this
character is that he’s someone whose emotions run deep inside,
a soccer basin who wants to paint everything around him in the
red and blue colors of his passion. For Hugo, soccer expresses
his aspirations of social rise, love, and building a family. And it’s
in that point where Easy Ball captures that naive and tender wish
for every suffering to be solved by a fancy dribble and a goal. GS
(30 th Festival de Mar del Plata Catalogue)

Juan Fernández Gebauer / Nicolás Suárez

Argentina, 2015 / 86’ / DCP / Color / Español - Spanish

Egresados de la ENERC, trabajaron en diversos cortos exhibidos en festivales nacionales e internacionales.
Graduates from ENERC, they worked in many shorts shown at local and
international festivals.

D: Juan Fernández Gebauer, Nicolás Suárez G: Nicolás Suárez
F: Pablo Parra E: Alejandro Carrillo Penovi DA: Ignacio Luppi
S: Gaspar Scheuer M: Fernando Martino, Matías Schiselman,
Emiliano Benjamín P: Georgina Baisch, Juan Fernández Gebauer,
Nicolás Suárez PE: Georgina Baisch CP: Murillo Cine, Vaskim Cine
I: Carlos Portaluppi, Ana Katz, Valentín Greco, Daniel Hendler
Contacto / Contact
Murillo Cine. Georgina Baisch
T +54 9 11 3385 7199
E [email protected]

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

293

passions

Los pibes
The Football Boys
Los cazadores de talentos del Club Atlético Boca Juniors recorren los más recónditos clubes y canchas con el objetivo de
descubrir a los futuros cracks del fútbol argentino. El film mira
de cerca el trabajo de evaluar a más de cuarenta mil chicos,
con el afán de encontrar a los más destacados.

The talent scouts of the Club Atlético Boca Juniors go to the
most remote clubs and fields with the goal of discovering the
future crack players of Argentine Soccer. The film takes a close
look at the work of evaluating more than 40,000 boys, looking
to find the most talented.

Cada año, unos cuarenta mil chicos se prueban para ingresar
a las inferiores de Boca: los elegidos, en el mejor de los casos,
serán unos treinta. Aplicar ese primer filtro requiere de ojos capaces de ver mucho más que la habilidad futbolística; hay que
abrirse paso a través de una maraña de sueños y nervios, de
presiones familiares e intereses económicos. “Captadores” es
el esotérico título que reciben aquellos que deciden quién sirve
para jugar en Boca y quién no; un grupo de diez que Colás
persigue de cerca a través de canchas, oficinas, viajes y conversaciones. El método wisemaniano que se aplica es el mismo
de Parador Retiro, aunque esta vez se buscan otros resultados:
la revelación de una ética de trabajo, la celebración de lo poco
que queda de noble y de puro en el juego del fútbol. Agustín
Masaedo (Catálogo 30° Festival de Mar del Plata)

Every year, around forty thousand kids try out for the Boca
team’s minor leagues: the chosen ones, at most, amount to thirty. Applying that first and drastic filter requires a pair of eyes that
are capable of seeing a lot more than just soccer-playing skills
within a tangled mess of dreams, nerves, family pressures, and
financial interests. “Sensors” is the esoteric term to describe
the people who decide who is good enough to play in Boca and
who isn’t. They are a group of ten people as picturesque as tireless, and Colas chases them closely through fields, offices, trips,
and conversations. He applies the same Wisemanian method
from Retiro Shelter, only aiming for a different result: to reveal
a unique work ethics, and the celebration of the little traces of
nobility and purity that still exist in the game of soccer. AM (30 th
Festival de Mar del Plata Catalogue)

Jorge Leandro Colás

Argentina, 2015 / 82’ / DCP / Color / Español - Spanish

Nacido en Viedma, provincia de Río Negro, en 1976, estudió diseño de
imagen y sonido en la UBA. Realizó los largometrajes Parador Retiro
(2008) y Gricel (2012) y la serie Más que amor es un sufrir (2012).
Born in Viedma, province of Río Negro, in 1976, he studied image and
sound design at the UBA. He made the features Retiro Shelter (2008) and
Gricel (2012), as well as the series Más que amor es un sufrir (2012).

294

D, G: Jorge Leandro Colás F: Martín Larrea E: Karina Expósito
S: Carlos Olmedo, Pablo Demarco, María Noel Romero
P, PE: Carolina M. Fernández CP: Salamanca Cine I: Horacio García,
Norberto Madurga, Hugo Perotti, Ramón Maddoni, Diego Mazzilli
Contacto / Contact
Salamanca Cine. Carolina M. Fernández
T +54 11 2067 7542
E [email protected]
W salamancacine.com.ar

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

pasiones

Miss
Robert tiene más de 30 años y vive obsesionado con la idea
de batir algún récord mundial, el que sea. Entonces conoce a
Laura; la sigue, la busca y entablan una extraña amistad, por lo
que decide que quiere batir ese récord con ella.

Robert is more than 30 and lives obsessed with the idea of
breaking a world record, any world record. Then he meets
Laura; he follows her, looks for her and starts a strange friendship. He wants to break that record with her.

Cuando uno elige un camino, está dejando pasar otros. Por
caso, el camino de Roberto no es tan interesante: cuida casas y
lee El libro Guinness de los récords, su publicación de cabecera.
De pronto se cruza con Laura, una joven modelo publicitaria, y
la vida se le impregna de color. Roberto es mitad japonés, mitad
chino, un poco tímido, otro poco sentimental y muy, pero muy
sencillo. Y tiene, entre sus ausencias, una materia pendiente: el
amor. ¡Ay, el amor! Súbitamente, la obsesión inunda a Roberto. ¿Será este el camino correcto? Miss recoge el guante del
“hombre común en situación extraordinaria” y toma volumen
como una comedia romántica amable sin pretensiones, burlas
ni golpes bajos. Pequeño relato sobre dos opuestos que, por
alguna solución del destino, se atraen. Hernán Panessi

When you choose one path, you’re discarding the others. For
example, Roberto’s path isn’t that interesting: he babysits houses, and reads The Guinness Book of Records, his bedside book.
Suddenly, he meets Laura, a young advertising model, and his
life becomes impregnated with color. Roberto is half Japanese,
half Chinese, a little shy, a little sentimental, and very, very plain.
One of his shortcomings is love. Oh, love! Suddenly, Roberto is
filled with an obsession. Is this the right way to go? Miss picks
up the glove of the “ordinary man in an extraordinary situation”
and grows as a kind and unpretentious romantic comedy with
no low blows or mockery. A small story about two opposites that,
for some twist of fate, attract each other. HP

Robert Bonomo

Argentina, 2016 / 70’ / DCP / Color / Español - Spanish

Nació en Buenos Aires en 1969, y estudió comunicación social y publicidad en la UBA. Dirigió videoclips de Illya Kuryaki & The Valderramas y
de Juana Molina, entre otros, y trabajó como asistente de dirección en
Rapado, de Martín Rejtman.
He was born in Buenos Aires in 1969, and studied social communication
and advertisement at the UBA. He directed music videos by Illya Kuryaki
& The Valderramas and Juana Molina, among others, and was assistant
director in Martín Rejtman’s Rapado.

D: Robert Bonomo G: Robert Bonomo, Juan Villegas
F: Nicolás Trovato E: Eliane Katz DA: Fernanda Chali
M: Lucas Martí P: Paula Zyngierman, Juan Villegas
PE: Paula Zyngierman CP: Tresmilmundos Cine,
MaravillaCine I: Malena Villa, Robert Bonomo
Contacto / Contact
Tresmilmundos Cine. Juan Villegas
T +54 11 5476 6916
E [email protected]
W facebook.com/pages/Tresmilmundos-Cine ~ robertbonomo.com.ar

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

295

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

passions

My Scientology Movie
Mi película de cientología
Louis Theroux documenta su investigación sobre lo que pasa
detrás de escena de la iglesia de la cientología.

Louis Theroux documents his research on what happens behind the scenes at the Scientology church.

¿De qué se trata ese enigma de la cientología, esa alquimia
secreta capaz de convocar a un puñado de poderosos con
fuerte ascendencia y múltiples canales para su difusión? Louis
Theroux tal vez no termine de dilucidar una respuesta concluyente, pero se las arregla para trazar un esbozo cuya elegancia
detectivesca constituye, quizás, el gesto más distinguido de
esta película modesta e inesperadamente simpática. Theroux,
un experimentado hombre de la televisión, no solo entrevista a
personas relacionadas con la cientología, sino que inicia además una búsqueda de actores con el fin de que interpreten
a sus personajes más encumbrados. Esto da como resultado
una serie de escenas tan graciosas como reveladoras. La película intenta desmontar el andamiaje retórico con componentes esencialmente litúrgicos sobre el cual parece afianzarse la
creencia de marras. David Obarrio

What is this enigma of Scientology, that secret alchemy that
draws a handful of powerful people with multiple channels to
promote it? Louis Theroux may not be able to find a conclusive answer, but he manages to deliver a sketch for it with a
detective-like elegance that constitutes, perhaps, the most distinguished gesture of this modest and unexpectedly affable film.
A man with experience in television, Theroux not only interviews
people connected to Scientology, but also begins a search for
actors that would play its most praised characters. The result is
a series of scenes that are both funny and revealing. The film
tries to disarm the rhetorical structure with essentially liturgical
elements this belief appears to be sustained by. DO

John Dower
Dirigió numerosos telefilms, entre los que se destacan Britney’s Redneck
Ruts (2005) y When Boris Met Dave (2009).
He directed several TV movies, including Britney’s Redneck Ruts (2005)
and When Boris Met Dave (2009).

Reino Unido / Estados Unidos - UK / US, 2015
99’ / DCP / Color / Español - Spanish
D: John Dower G: Louis Theroux, John Dower F: Will Pugh
E: Paul Carlin M: Dan Jones P: Simon Chinn
I: Louis Theroux, Rob Alter, Paz de la Huerta, Tom De Vocht
Contacto / Contact
The Festival Agency. Sarah Cagneaux
T +33 9 5490 4863
E [email protected]
W thefestivalagency.com

296

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

pasiones

Requisitos para ser
una persona normal
Requirements to Be a Normal Person
María no tiene trabajo ni un departamento donde vivir; su vida
romántica es inexistente y está distanciada de su familia. En
una entrevista le preguntan qué tipo de persona es y, tras darse cuenta de que no cumple ninguno de los requisitos para ser
considerada “normal”, decide cambiar.

María doesn’t have a job or an apartment; her love life is nonexistent, and she’s distanced from her family. At an interview,
they ask her what kind of person she is and, after realizing she
doesn’t fulfill any of the requirements needed to be considered
“normal,” she decides to make a change.

La ópera prima de Leticia Dolera se encuentra inundada por
un irresistible halo de frescura y encanto natural. La actriz y
realizadora utiliza los moldes de la comedia romántica para sumergirnos en un universo de colores pop y espíritu ensoñador,
tras el que se esconde un incisivo retrato generacional en torno
a las frustraciones e inseguridades de una serie de personajes
que parecen no encontrar su lugar en el mundo. Dolera ironiza
en torno a los clichés que se establecen alrededor de las crisis personales, los manuales de autoayuda y las terapias, para
centrarse en el sentimiento de fragilidad y desencanto de todos
aquellos que se sienten excluidos dentro de una sociedad que
no permite que se cuele por sus rendijas ninguna excepción a
la norma, ningún atisbo de extrañeza. Una deliciosa y pegadiza
fábula moral. Beatriz Martínez

Leticia Dolera’s first feature is filled with an irresistible halo of
freshness and natural charm. The actress and filmmaker uses
romantic comedy molds to submerge us into a universe of pop
colors and a dreamy universe that hides an incisive generational
portrait of the frustrations and insecurities of a series of characters who can’t seem to find their place in the world. Dolera
ironically describes the clichés around personal crisis, self-help
manuals and therapies, and focuses on the feelings of fragility
and disappointment suffered by all those who feel they were
left out of a society that doesn’t allow any exceptions or hints
of weirdness filtering through its cracks. A delicious and catchy
moral fable. BM

Leticia Dolera

España - Spain, 2015 / 94’ / DCP / Color / Español - Spanish

Nació en Barcelona, España, en 1981 y estudió actuación en Los Ángeles.
Trabajó como actriz en varios largometrajes y series de televisión. Dirigió
los cortometrajes Lo siento, te quiero (2009) y A o B (2010).
She was born in Barcelona, Spain, in 1981, and studied acting in Los
Angeles. She has worked as an actress in many features and television
series. She directed the shorts Lo siento, te quiero (2009) and A o B (2010).

D, G: Leticia Dolera F: Marc Gómez del Moral E: David Gallart
DA: Laia Ateca Font S: Alfredo Díaz Boersma M: Luthea Salom
P: Oriol Maymó, Paco Plaza, Gabriel Arias Salgado PE: Oriol Maymó,
Paco Plaza, Gabriel Arias Salgado CP: Corte y Confección de Películas
El estómago de la vaca Telefónica Studios
I: Leticia Dolera, Manuel Burque, Silvia Munt, Jordi Llodrá
Contacto / Contact
Latido Films. Marta Hernando
T +34 915 488 877
E [email protected] W latidofilms.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

297

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

passions

Vapor
Vapour
Dos amantes se reencuentran una noche en la puerta de un
velatorio y comienzan a caminar juntos. El recorrido oscilará
por distintos espacios hasta que la noche se haga día.

Two lovers reunite one knight at the entrance of a wake and
start walking together. The walk will oscillate through different
spaces until night turns into day.

Un hombre y una mujer atraviesan una noche calurosa en
Buenos Aires. Motivado por una muerte en la familia, el regreso de ella ha propiciado el reencuentro, tras años sin verse.
La larga caminata sin rumbo pronto da lugar a una sucesión
de imágenes y relatos vagamente espectrales, desde la ráfaga
de movimiento que se forma a través de la ventana del subte
hasta una lejana historia sobre el espíritu que se resistía a
desalojar un viejo edificio del sur de la ciudad, pasando por el
esbozo de una novela acerca de un hombre obsesionado con
una desaparición. De lo más terrenal (el agobiante aire del
verano; las calles cada vez más desoladas) a lo más inasible
(las conversaciones que retoman el hilo de vidas pasadas; las
fantasías, los sueños), Vapor parece recorrida por una intuición: la de que todos los reencuentros son, en el fondo, relatos
de fantasmas. Mariano Kairuz

A man and a woman wander through a warm night in Buenos
Aires. Her return, due to a death in the family, has favored the
reunion, after years without seeing each other. The long, aimless
walk, soon gives way to a series of vaguely spectral images and
stories, from the gust of movement formed through the subway
window to the old tale of the spirit that refused to leave an old
building in the city’s south, and including the sketch of a novel
about a man obsessed with a disappearance. From the most
worldly (the suffocating summer air; the increasingly deserted
streets) to the most ethereal (the conversations that get back on
track with past lives; the fantasies, the dreams), Vapour seems
pierced through by an intuition: that all reunions are, deep down,
ghost stories. MK

Mariano Goldgrob
Nació en Argentina en 1975, y estudió realización cinematográfica en la
ENERC. Entre 2000 y 2008, fue programador del Festival de Cine de Mar
del Plata, y también realizó varios cortos y videoclips.
He was born in Argentina in 1975 and studied filmmaking at the ENERC.
Between 2000 and 2008, he was a programmer at the Mar del Plata Film
Festival, and has also made many shorts and music videos.

Argentina, 2016 / 70’
DCP / Color / Español - Spanish
D, G: Mariano Goldgrob F: Soledad Rodríguez
E: Francisco Vázquez Murillo DA: Guadalupe Arriegue
S: Francisco Seoane M: Diego Petrecolla, Martín Garrido
P: Rita Falcón PE: Mariano Goldgrob, Galel Maidana CP: Cine Insular
I: Julia Martínez Rubio, Julián Calviño
Contacto / Contact
Cine Insular. Mariano Goldgrob
T +54 9 11 5040 5107
E [email protected]

298

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

pasiones

Vida sexual de las plantas
Sex Life of Plants
Un accidente transforma a Guillermo, la pareja de Bárbara, en
un extraño al dejarle algunas secuelas neurológicas. Mientras
ella lucha con su propio dolor, se involucra con un hombre
que le ofrece estabilidad, pero la memoria del amor perdido
la atormenta.

An accident turns Guillermo, Bárbara’s partner, into a stranger
due to some neurological consequences. While she struggles
with her own pain, she gets involved with a man who offers
her some stability, but the memory of lost love haunts her.

Vida sexual de las plantas remite, estilísticamente, a cierto tipo
de drama indie norteamericano, uno que no carga las tintas
dramáticas con la intención de llegar a un final revelador. Por
el contrario, la película emociona en los pequeños momentos:
encuentros, desencuentros y, a la vez, las facilidades y complicaciones que existen a la hora de empezar una nueva relación
con alguien a quien no se ama de la misma manera pero con
quien se puede llevar “una vida normal”. Es una película con la
que cualquier espectador que haya tenido que enfrentar una
pérdida de este tipo se pueda identificar; que siempre sorprende con inteligentes apuntes sociales y familiares. Un drama que
no se parece en nada al tipo de cine miserabilista latinoamericano que viene funcionando tan bien en festivales en los últimos
años. Diego Lerer

Sex Life of Plants’ style resembles a certain kind of American
indie films that doesn’t stress the dramatic features of its plot in
order to reach a revealing finale. On the contrary, this film draws
emotion from tiny moments: encounters, failed encounters, and
both the easy and difficult situations you face when starting a
new relationship with someone you don’t love in the same way,
but with whom you can have “a normal life”. This is a film any
viewer who had to deal with this kind of loss can relate to, and
constantly surprises you with smart notes on society and family.
It’s a drama that doesn’t look at all like the kind of Latin American misery-focused cinema that has been working so well in
film festivals recently. DL

Sebastián Brahm

Chile, 2015 / 94’ / DM / Color / Español - Spanish

Nació en Santiago de Chile en 1973. Actuó en películas como Soy mucho
mejor que vos (Bafici ‘13). También escribió y produjo el documental La
península de los volcanes (2004) y, posteriormente, dirigió el largometraje El circuito de Román (2011).
He was born in Santiago de Chile in 1973. He acted in the films Much
Better Than You (Bafici ‘13). He also wrote and produced the documentary The Volcanic Peninsula (2004) and directed the feature El circuito
de Román (2011).

D, G, E, P: Sebastián Brahm F: Benjamín Echazarreta,
Sergio Armstrong DA: Ángela Torti S: Roberto Espinoza
M: Santiago Farah, Tomás Gubbins PE: Franco Valsecchi, Maite Alberdi
CP: Escala Humana I: Francisca Lewin, Mario Horton, Cristián Jiménez,
Nathalie Nicloux, Gloria Laso
Contacto / Contact
Habanero. Alfredo Calvino
T +55 22 2629 1170
E [email protected]
W habanerofilmsales.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

299

passions

Bunker
Fuera de cualquier compromiso formalista, en un potente
blanco y negro y sin recurrir a los diálogos, Sandro Aguilar
construye el universo enrarecido en el que un joven inestable
emocionalmente conoce a una chica que vive con sus padres
swingers en un parque de casas rodantes. La fascinación mutua surge pero él se enamora de ella y rápidamente descubre
que no es correspondido.
Free of any formalistic commitment, in powerful black and
white images and without dialogue, Sandro Aguilar builds a
strained environment in which an emotionally unstable young
man meets a girl who lives with her swinger parents in a mobile home community. Mutual fascination arises and he quickly
falls in love with her, only to discover shortly after that she does
not share his feelings.

Portugal, 2015 / 30’ / DCP / Color
D, G, E: Sandro Aguilar F: Rui Xavier S: Tiago Matos P: Luis Urbano,
Sandro Aguilar CP: O Som e a Fúria I: Clara Jost, António Júlio
Duarte, Isabel Abreu, João Pedro Vaz, Cláudia Efe

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

Undisclosed Recipients
Esta película comenzó en el Festival Musical de Paredes de
Coura, en Portugal. Aguilar observó el estado físico y mental de
los asistentes y agregó una buena dosis de alienación con una
perspectiva sugerente. Su experimento cinemático es mayormente atmosférico y casi sin relato; su sinopsis es breve: antes
y después del segundo beso.
This film started at the Paredes de Coura Music Festival in Portugal. Aguilar observed the physical and mental state of attendees
and added a big pinch of alienation with a suggestive perspective. His cinematic experiment is mainly atmospheric with little
story, the synopsis is brief: before and after the second kiss.

Portugal, 2015 / 26’ / DCP / Color
D, G, E: Sandro Aguilar F: Rui Xavier P: Mário Micaelo
CP: Curtas Metragens CRL

Sandro AguilaR
Nació en Portugal en 1974. Estudió cine en la Escuela Superior de Teatro y Cine y en 1998 cofundó la compañía O Som e a Fúria. En 2011
el Bafici le dedicó un foco en el que se exhibieron sus cortometrajes
además de su único largometraje, A zona. Luego dirigió el corto False
Twins (Bafici ‘15).
He was born in Portugal in 1974. He studied film at the Upper School of
Theater and Film and, in 1998, was one of the founders of the company
O Som e a Fúria. In 2011, Bafici did a focus where his shorts were
shown, as well as his only feature, Uprise. Later, he directed the short
False Twins (Bafici ‘15).

300

Contacto / Contact
Agencia - Portuguese Short Film Agency. Salette Ramalho
T +351 252 646 683
E [email protected]
W curtas.pt/agencia

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

ARTES
ARTS

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

arts

Adán Buenosayres. La película
Adán Buenosayres. The Movie
Entre el registro documental y algunas escenas de ficción,
Juan Villegas indaga acerca de Adán Buenosayres, la novela
más emblemática de Leopoldo Marechal.

Between documentary and fiction scenes, Juan Villegas
inquires about Adán Buenosayres, Leopoldo Marechal’s
iconic novel.

Juan Villegas retrata a Leopoldo Marechal, escritor que fuera
demasiado próximo a lo popular como para congraciarse con
los círculos vanguardistas de su época, y demasiado vanguardista como para ser considerado popular. Así, Adán Buenosayres nunca llegó a ocupar el lugar que merecía en el panorama
de la literatura argentina. Como en una especie de extensión de
su estigma, la película traba relación con la adaptación cinematográfica que proyectó Manuel Antín y que, en un movimiento
en espejo, sufrió la falta de apoyo necesario para hacer posible
su existencia. Acaso no haya mejor homenaje a Marechal hoy
que esta película, sintética en sus formas y respetuosa de la
palabra, que mira su obra desde su dimensión presente, revisita
el pasado y lo actualiza. Magdalena Arau

Juan Villegas portrays Leopoldo Marechal, a writer who was
too close to the popular feel to make amends with the avantgarde champions of his time, and too vanguard to be regarded
as popular. So, Adán Buenosayres got the place it deserved in
the landscape of Argentinian literature. Like a kind of extension
of that stigma, this film connects with the adaptation filmmaker
Manuel Antín had in mind and, in a parallel situation, suffered a
lack of support that prevented it from becoming a reality. There
may not be a better tribute to Marechal today than this film,
which is synthetic in its forms and respectful in its words, and
looks at this body of work from its current dimension, revisits the
past, and updates it. MA

Juan Villegas
Nació en Buenos Aires en 1971, y estudió en la Universidad del Cine.
Fue coguionista de Modelo 73 (Bafici ‘01) y Una semana solos (Mención
Especial en Bafici ‘08). Dirigió los largometrajes Sábado (Bafici ‘01), Los
suicidas (Bafici ‘06), Ocio (Bafici ‘10; junto a Alejandro Lingenti) y Victoria
(Bafici ‘15).
He was born in Buenos Aires in 1971 and studied at the Universidad
del Cine. He co-wrote 73 Model (Bafici ‘01) and A Week Alone (Special
Mention at Bafici ‘08). He directed the features Saturday (Bafici ‘01), Los
suicidas (Bafici ‘06), Ocio (Bafici ‘10; along with Alejandro Lingenti) and
Victoria (Bafici ‘15).

302

Argentina, 2016 / 45’ / DCP / Color & B&N
Español - Spanish
D, G: Juan Villegas F: Soledad Rodríguez E: Manuel Ferrari
DA: Ana Cambre S: Francisco Pedemonte P, PE: Juan Villegas
CP: Tresmilmundos Cine, RTA, EDUCAR, INCAA TV I: Pablo Sigal,
Julián Tello, Manuel Antín, María de los Ángeles Marechal, Martín Prieto
Contacto / Contact
Tresmilmundos Cine. Juan Villegas
T +54 9 11 5476 6916
E [email protected]

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

artes

Angélica [una tragedia]
Angélica [a tragedy]
Este documental retrata, a partir de ensayos, autorretratos
fotográficos, textos y videos del diario personal de Angélica
Liddell, un universo artístico libre, radical y poético atormentado por la soledad, el sexo, el amor, la belleza y la muerte.

This documentary uses essays, photographic self-portraits,
texts, and videos from the personal journal of Angélica Lidell,
a free artistic universe, radical and poetic, and tormented by
loneliness, sex, love, beauty, and death.

Angélica Liddell, la Alicia salvaje, prepara Todo el cielo sobre
la tierra (el síndrome de Wendy) tragando tierra a manotazos,
dejando la voz en aullidos en cada ensayo. Urgencia vital, ella
repite: mi obra es mi propia vida. En su teatro, ese caudal de
intensidades y asociaciones hace del sentido algo esquivo y a
la vez tan directo como un golpe en la cara dado con rabia y
amor, con la fuerza justa. Tal como dice a sus actores, hay una
intuición avasallante que deja las explicaciones de lado para
permitir el misterio. Los ensayos devienen en largas sesiones<